La Cueva del Topo

Invitación al Costa Rica Blues Fest

topo@lacuevadeltopo.com (El Topo) — Fri, 26 Feb 2010 09:11:06 -0700

Estos días para variar, he estado un poco enredado con el trabajo pero no puedo dejar pasar la oportunidad para hablar de este evento, pues este género musical tiene ( según yo ) pocos seguidores en el país, o al menos no es gente a la que le guste figurar como el montón de " pseudorockeros " que van a los conciertos de cuanto grupo venga a CR, sin ser seguidores del grupo, o tener al menos algún disco original comprado en una tienda ( POSERS !!! ).

Blind Pigs participará en el Festival

Este festival de Blues es el tercero que se realiza en el país y contará con la participación de destacados músicos de la escena Nacional como los míticos " Blind Pigs " a quienes tengo rato de no escuchar, pues ando algo retirado de los escenarios, o a mi Colega y excompañero de universidad Tomás de Camino y su grupo " Automata " quien además del Blues ha incursionado en el Country. El cual deberá recordarme particularmente como un defensor del " Phalus Impudicus " lo cual nos causó una pequeña desavenencia.

Autómata

Igualmente se presentará el novel grupo " Chepe Blues ", los caribeños " Three for Blues " y la legendaria " Blue Devils " .

Three for Blues

Participan también grandes músicos internacionales como la cuasi-leyenda del blues americano " Texas Johnny Brown and the Quality Blues Band " y " Electric Storm " ( antes Carlos Lopez Band ), entre otros.

Texas Jhonny Brown

Los precios de las entradas van de los 13 000 a los 16 000 colones y el evento se reallizará en el " Club cubano " a partir del medio día este 27 de Febrero.

mas info

Sitio Oficial

http://www.crbluesfest.com/

The Hellecasters

topo@lacuevadeltopo.com (El Topo) — Fri, 19 Feb 2010 20:30:54 -0700

No recuerdo hace cuanto tiempo ( pero si fue bastante ) que mi primo
virtualponcho, como era habitual me pasó una copia de un CD que había
conseguido. Tanto el como su servidor somos fans de Fender y el me
estaba recomendando a unos guitarros de la onda country que tocaban
Fender. En su momento pensé que eran unos mas de los twiit, twiit que
abundan por ahí, pero escuchando el CD pude apreciar que se trataba de
verdaderos maestros de la guitarra, que ejecutaban en los típicos riffs
de Fender verdaderas obras de arte. Así fue como conocí los a
Hellecasters, eran tiempos en que los quemadores de CD apenas lo hacían
a 2X, y los discos en blanco andaban por el precio de los 3 a 4 dólares
( de aquella época, probablemente 1994 ),

Esta banda originaria de Nashville, Tensesee en los Estados Unidos, originalmente formada por los siguientes músicos:

Will Ray

Nacido en 1950 y nativo de Richmond, Virginia, empezó ( como muchos
músicos ), desde muy pequeño con la influencia de “ The Beatles “,
Cream y “ Grateful Dead “ entre otros. Se inició con bandas como “
Dry Ice “, “ Mace “, “ King Cotton “ y “ The Cold Harbor Band “.
Para el año 1983 se va a vivir al este de California en donde se dedica
tiempo completo a la música. Ray ha participado con bandas como “ Tin
Star “, “ Candye Kane & the Armadillo Stampede “ y “ Wylie &
The Wild West Show “, y luego con grandes músicos como “ Carlene Carter
“, “ Steve Earle “, “ Tom Jones “, “ Solomon Burke “, “Joe Walsh “ y “
Michael Nesmith “,

John Jorgenson

Nacido en 1956, en Madison, Wisconsin, de una familia de músicos,
Jorgenson sue marcado por una sesión de televisión de 1964 de “ The
Beatles “, Hasta los 12 años tiuene su primera guitarra y empezó a
tocar profesionalmente a los 14 años. Una de sus primeras bandas fue “
Rocking Pneumonia “.    Ya para cuando era un joven de 20 años
trabajaba tiempo completo y en forma simultánea en Disneylandia, en
donde tocaba el clarinete con “ The Main Street Maniacs “, mandolina
con “ the Thunder Mountain Boys “ y guitarra con “ The Rhythm Brothers
“.

Jorgenson ganó el título de the "Guitarist of the Year" tres veces
consecutivas, el cual es otorgado pos la “ Academy of Country Music's “
en los Estado Unidos, también participó en Desert Rose, que era la
banda de apoyo de Elton John).

Jerry Donahue

Nace en 1946 en Manhattan, New York, hijo del saxofonista Sam Donahue
y la actriz Patricia Donahue. Donahue creció en Los Angeles, cuando
era muy joven tomo clases de guitarra clásica, siendo muy jocen fue
influenciado por Gerry McGee con quien tomo clases de banjo. Donahue
ha manifestado que fue influenciado por Amos Garrett principalmente
pero también destaca a Chet Atkins, Duane Eddy, “ The Shadows “ , “ The
Ventures “, Clarence White, Danny Gatton, Albert Lee, Tommy Emmanuel y
Robben Ford. Donahue se mudó a Reino unido donde toco con “ Poet
And The One Man Band” , “ Fotheringay “ y “ Fairport Convention “.
Tambien ha grabado o servido de apoyo con músicos como “ Joan
Armatrading” , “ Gerry Rafferty “, “ Robert Plant “, “ Elton John “, “
The Proclaimers “, “Johnny Hallyday “, “ George Harrison “, “ Cliff
Richard “, “ Chris Rea” , “ Warren Zevon “, “ Bonnie Raitt “, “ Hank
Marvin “, “ Roy Orbison “, “Nanci Griffith “ y “ The Yardbirds “,

Historia de la Banda

Para el año 1990 John Jorgenson y Jerry Donahue tuvieron la idea de
juntar en una banda el sonido de varias armonías de guitarra.   Así fue
como contactan a Will Ray ( quien se encontraba en la producción de un
álbum de música Country llamado “ Hollywood Roundup “. La ideo
original era juntarse con los guitarristas Billy Gremner y Jeff Ross
para un show en vivo.   Jorgenson entonces sugirió que lo hicieran como
un trío para esa “ única ocasión “ en el “ Palomino Club “ de Ronnie
Mack’s Barndance. Así fue como se pusieron a ensayar y unas semanas
mas tarde aparecen bajo el nombre de los “ Hellecasters “.   La gente
aceptó a la Banda, y solicitaban nuevos shoes, sin embargo el
compromiso de los músicos con sus otras bandas les dificultaba las
apariciones en público, las cuales eran muy esporádicas.   Así fue que
en Abril de 1991, un año después el productor Michael Nesmith les
ofreció un contrato con Pacific Arts Records.     El nombre de la banda
se origina pues se empezó a rumorar que los músicos “ sonaban como el
infierno “ con sus Telecasters.

El grupo edita su primer disco para el año 1993. El albúm “ The
Return of the Hellecasters ", se convirtió en un éxito entre la comunidad
de músicos y fue premiado como “Best Album” y “Best Country Album” por
la “ Guitar Player Magazine “ ese mismo año.

Un año después editan con la mmisma casa productora “ Escape from
Hollywood “ el cual tiene un estilo diferente a su primera producción,
de este disco destaca el tema de “ Inspector Gadget “. El disco
recibió buena crítica y su venta fue bastante aceptable.

“ New Axes to Grind, the Hellecasters “ es su tercer album el cual sale
para el año 1998 bajo su propia discográfica “ Pharaoh Records “.

Para el año 2000 lanzan su video en vivo “ Live...Raw...in Germany “
el cual se grabó en Baden-Baden, Germany cuando estuvieron en un show
de TV.

“ Essential Listening “ es su cuarta producción la cual sale para el año 2003 en la productora “ Hightone Records “.

Discografía

pass para los discos

http://lacuevadeltopo.com/

1993 - The
Return Of The Hellecasters

1994 -
Escape from Hollywood

1998 -
Hell 3 New Axes to Grind

2002 -
Essential Listening Vol 1

Sitios para visitar

Sitio Oficial de la Banda

http://www.hellecasters.com/

MySpace

http://www.myspace.com/thehellecasters

Videos

The Hellecasters - Inspector Gadget

The Hellecasters - Back on Terra Firma & Sweet Dreams

The Hellecasters - Menage: The Beak/The Claw

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Feliz Año 2010

topo@lacuevadeltopo.com (El Topo) — Thu, 31 Dec 2009 15:05:34 -0700

A todos los queridos amigos lectores del blog deseo pedirles una sincera disculpa por tener un poco abandonado el mismo... he estado reponiendo varios de los links que se encuentran caídos y recopilando algunos materiales para futuras publicaciones. Este año el trabajo aumentó y gracias a Dios tuve muy poco tiempo libre y mas trabajo, y el poco tiempo lo tuve que distribuir en algunas labores de casa. Para este año voy a organizarme más y mejor y trataré aunque sea de armar una publicación mensual, pues tengo dos blogs más que mantener.

Gracias por todo lo que he compartido con uds y por todas las palabras de agradecimiento y aliento que recibo.

Un abrazo a todos desde el país mas grande del mundo: INTERNET

Investigando y reponiendo Links

topo@lacuevadeltopo.com (El Topo) — Thu, 27 Aug 2009 14:44:15 -0700

A este Topo no se le ve últimamente en la blogósfera, esto debido a que han aumentados mis responsablilidades en el trabajo, lo cual alivia un poco la situación que se encuentra tan dura, pero me mantiene alejado en parte de esto que tanto amo y disfruto.

Deseo aclarar sin embargo que los topos no siempre salen a la superficie, y pasan semanas en sus madrigueras, hasta que de epente se ve lo que han estado haciendo, en mi caso no me he mantenido ocioso, he estado tratando de mantener el espírutu original del blog, el cual lejos de ser un sitio de descarga de audios, es una referencia para el trabajo de muchos artistas, principalmente músicos, sin embargo también otras artes como el cine y la literatura. En estos meses mi produccion ha sido escasa sin emabargo deseo aclarar que la recopilacion de materiales ha sido una labor constante a lo largo del año.

En estos días me he dedicado a reponer los links que se han roto ( que son muchísimos ) y en la mayoría de los casoa me he dado a la tarea de mejorar el material, tanto en la calidad como en la cantidad, en muchos casos verán que he incluido los artes de muchos discos.

Así que mis amigos, este topo solo ha estado trabajando bajo la superficie pero nunca ha dejado de trabajar en pro de buscar cada ves mejoers y mas buenos posts.

Esperen pronto mas de mi trabajo

Cita con las raíces del Rock Tico

topo@lacuevadeltopo.com (El Topo) — Wed, 08 Jul 2009 16:22:09 -0700

No es el estilo ( ni lo será ) de este blog el postear información sobre conciertos, pero en esta ocasión merece la pena, por la magnitud de la actividad.

En días pasados recibí del Maestro Roberto Ferroque con una invitación a un mega evento ( no por lo grande, sino por lo importante ), por desgracia y por compromisos adquiridos anteriormente en mi trabajo no me será posible asistir a esta cita con las raíces del Rock Tico. En esta ocasión se darán cita tres grandes agrupaciones... en esta actividad que se ha denominado " Rock Os 2009 ". Igni Ferroque, La Silla Eléctrica y Hebra,las leyendas del Rock Costarricense.

Sábado 18 de julio

Bar Rock Vyrus ubicado 100 oeste de Spoon San Pedro.

entrada ¢3,000.00.

Reservaciones al 2280 5890 o 2280 9134.

A partir de las 9 pm se volverán a oír los sonidos de las bandas de rock que empezaron a sonar allá en los años 70's, en lo que fue la tercera generación de grupos rock en Costa Rica. Este evento traerá al grupo de rock más importante de los años 70 como lo fue "La Silla Eléctrica", quiénes cerraran esta noche rockera al lado de Igni Ferroque y Hebra. Si alguien puede ir y envarme unas fotografias del evento para publicar en el Blog, se los agradeceré mucho.

Domingo 19 de julio

Latino Rock Café
: Frente a bomba La Primavera en el barrio La California

Entrada: ¢2,000.00

Reservaciones: 2222 4719

Este día a partir de las 4 pm se darán cita bandas de rock original costarricense y DJ's que animarán la fiesta de cumpleaños de Roberto "Ferroque" Ruiz quién este año ha sido pieza clave en el enlace entre las bandas nuevas, y el tocar por causas como " Canciones por la Vida " a favor de la Asociación Lucha Contra el Cáncer Infantil y la ayuda a la preservación de la Península de Osa, de este último concierto fueron de las bandas escogidas para representar a Costa Rica en Boston, adonde tendrán un periplo de 5 fechas a partir del 27 de agosto.

Las bandas que se unirán a este evento son: Neotopía, Igni Ferroque, Espinoza y Tresmo y Freceuncia Urbana, quiénes cerrarán la participación de las bandas. Antes y después de las bandas se oirán algunos DJ's como Mario Miranda.

Enlaces de interés

www.facebook.com/robertoferroque

www.CancionesPorLaVida.org

www.RainForestAid09.com

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El Hobbit

topo@lacuevadeltopo.com (El Topo) — Sat, 20 Jun 2009 21:01:34 -0700

Sacando un poco de tiempo entre las múltiples tareas que me han tenido alejado del Blog, es que me siento a terminar este post, que mas o menos empecé hace más o menos un mes. No deseo alejarme del impulso original que me llevó a empezar este proyecto, pero desgraciadamente no dispongo del tiempo que tuve el año pasado y el anterior pues mis obligaciones en el trabajo aumentaron. Sin embargo casi todos los días voy colectando un poco de información y material que me ayudara a desarrollar temas futuros. Sobre el tema de esta ocasión, actualmente estoy leyendo nuevamente y no se cuantas van ya, el “ Señor de los Anillos “, esta vez lo estoy leyendo mas lentamente y utilizando un libro llamado “ Tolkien y el Señor de los Anillos“ del autor Colin Duriez, unos mapas y las notas de algunos “ Cuentos Inconclusos “ para tratar de asimilar algunos detalles de la geografía y el contexto de muchas cosas que se mencionan en el Libro.

Una reunión inesperada

Hablar hoy de un Hobbit es diferente que hace unos años por allá de 1992, que tuve la oportunidad de conocer la obra de JRR Tolkien. Esto fue por medio de mi amigo y compañero de universidad, René Menjívar, quien me facilitó una copia de “ El Hobbit “, la cual tuve que compartir con mi también compañero de Universidad Franklin Aguilar ( el cual es 100 veces más fanático que este servidor en asuntos Tolkien-ianos).

Para ese entonces, el sueldo que tenia era una miseria ( hoy no ha cambiado gran cosa tampoco ), pero pude reunir en unos meses una platilla y así fue como compré mi primer libro de este autor para el mes de Febrero de 1993. Así fue como tuve mi “ Hobbit “y poco tiempo despues la serie completa del Señor de los Anillos, el Simarillion Valaquenta y los cuentos inconclusos. Confieso que el Hobbit lo he leido unas 17 veces desde esa época y estoy esperando que mi hijo mayor ( que ya puede leer ) me pida que se lo preste. A mi concepto libro es una de las partes mas importantes de la obra de Tolkien, no por la complejidad de la historia, pues se limita a una mísera historia de enanos, guerras, tesoros y dragones y que no tiene gran relevancia dentro del complejo mundo mitológico que en parte expone Tolkien en su Simarillion, los Cuentos Inconclusos y en el Señor de los Anillos.

Portada de la primera Edición 1937, Reino Unido

Me parece a mi que por medio de esta historia es que, en un lenguaje muy sencillo y con el objetivo de convertirnos en niños ( pues Tolkien consideró que esta era una historia para niños ), este autor logra que sus lectores quieran conocer más de su mundo y por supuesto de los Hobbits.

El libro fue escrito por partes en las décadas de 1920 y 1930, y como dije anteriormente, en un principio sólo tenía el objetivo de divertir a los hijos pequeños de Tolkien. Pero el manuscrito en borrador llegó a manos de la editorial Allen & Unwin, los cuales pidieron a Tolkien que finalizara la obra y fue así como finalmente “ El Hobbit “ fue publicado el 21 de septiembre de 1937 en el Reino Unido.

Mapa de Thorin Escudo de Roble

Debido al éxito que tuvo y a las buenas críticas que recibió este libro fue que los editores pidieron a Tolkien una continuación, que sería “ El Señor de los Anillos “, su cambio a un tono alejado del infantil provocó que El Hobbit tuviera que ser modificado ligeramente para que ambas historias coincidieran mejor.

En una carta que envió al escritor estadounidense W.H. Auden en 1955, J. R. R. Tolkien recuerda como en un verano, cuando era profesor de anglosajón en el Pembroke College de la Universidad de Oxford, escribió la primera frase de El Hobbit durante la corrección de unos exámenes de literatura inglesa. Encontró un papel en blanco y escribió en él: «En un agujero en el suelo vivía un hobbit », sin saber ni siquiera de donde había sacado la idea. Antes de su muerte, Tolkien dijo que no recordaba la fecha exacta en la que escribió esta frase, ni siquiera el primer capítulo, ya que no lo organizó y fue escribiendo la obra según le iban surgiendo ideas. Michael, el segundo hijo de Tolkien, señaló 1929 como el posible año en el que su padre comenzó a escribir la obra, ya que conservaba algunas composiciones propias que estaban fechadas de dicho año y eran claras imitaciones de El Hobbit, el cual les fue leído a él y a sus hermanos según se escribía.

Generales de los Cinco Ejércitos

Durante un breve periodo de tiempo tras la invención de la primera frase, Tolkien no hizo nada más que elaborar el mapa de Thrór, donde describió la geografía en la que se desarrolla la mayor parte de la novela. No obstante, una vez iniciada la composición de la obra, los capítulos fueron escritos con fluidez y sin apenas correcciones hasta el punto en el que el dragón Smaug (que por entonces se llamaba Pryftan) muere. En esta primera versión, Gandalf era el nombre del enano principal y el mago se llamaba Bladorthin, palabra de origen gnómico (lengua que más tarde evolucionaría al noldorin) que significa «amplia tierra gris» y que posiblemente fuera un precursor de Mithrandir («peregrino gris» en sindarin).

Para escribir el viaje de la compañía desde Rivendel hasta el otro lado de las Montañas Nubladas, incluyendo la fuerte tormenta que ven, Tolkien se basó en sus vacaciones en Suiza en 1911. Años antes Tolkien había escrito una serie de poemas que recopiló bajo el título Cuentos y canciones de Bimble Bay y entre los cuales había uno, Glip, protagonizado por una criatura viscosa de ojos luminosos que roía huesos en una caverna y que sirvió de base para el posterior personaje de Gollum. El capítulo que trascurre en el Bosque Negro fue uno de los que más cambió con respecto a la versión publicada de El hobbit, ya que el pasaje en el río Encantado y la captura de los enanos por parte de los elfos del bosque no aparecen en esta primera versión.

Este es el Gollum que " imaginé " muchas veces antes de la Trilogía de Peter Jackson

Tolkien rebautizó al enano principal usando otro nombre de Völuspá, Eikinskjaldi, que, traducido como «escudo de roble», se trataba de un nombre propio y no un apodo como en la versión definitiva de la novela, mientras que el mago pasó a llamarse Gandalf, un nombre más apropiado por significar «elfo del bastón» en islandés. El nombre de Bladorthin se conservó para un misterioso rey que tan sólo es nombrado en una línea y no vuelve a aparecer en ningún otro texto de Tolkien.

“ Las lanzas que habían sido hechas para los ejércitos del rey Bladorthin (muerto tiempo atrás), cada una con una moharra forjada tres veces y astas con ingeniosas incrustaciones de oro, y que nunca habían sido entregadas o pagadas. “

«Información secreta», en El hobbit de J. R. R. Tolkien.

También cambió el nombre del dragón Pryftan por Smaug, pasado del verbo germánico primitivo smugan («meter por un agujero»), algo que consideraba «un mal chiste filológico». Originalmente había dispuesto que fuese Bilbo quien lo matara con la ayuda de Dardo y el anillo mágico, pero al querer ofrecer algo más espectacular fue finalmente el arquero Bardo quien lo mató. Tolkien abandonó la composición de la obra en este punto, dejándola inconclusa.

Smaug anteriormente llamado Pryftan, sobre el tesoro conversa con Bilbo

A finales de 1932, le prestó una copia de El hobbit a su amigo C. S. Lewis para que la leyera. También se la prestó a Elaine Griffiths, una ex-alumna y amiga de la familia que trabajaba para la editorial británica George Allen & Unwin por recomendación del propio Tolkien. En 1936 Griffiths le comentó a una ex-compañera de Oxford, Susan Dagnall, que también trabajaba en George Allen & Unwin, sobre la existencia de la obra y ella habló con Tolkien para pedirle prestado el libro. Una vez leído e interesada en él, Dagnall le pidió que finalizara la obra para poder presentarla en la editorial. Originalmente había previsto que la batalla contra los trasgos tuviera lugar durante el regreso de Bilbo a la Comarca y se llamara batalla de los Valles del Anduin, pero la situación se complicó cuando Tolkien se ocupó de la cuestión relacionada con la codicia que despertaba el tesoro y el hecho de que Esgaroth reclamara su parte para reconstruir la ciudad destruida, desembocando todo en la batalla de los Cinco Ejércitos.

El hobbit estaba acabado en verano de 1936, pero Tolkien no envió la copia hasta el 3 de octubre. Stanley Unwin, presidente de la editorial, pensaba que los niños eran los mejores jueces de literatura infantil, así que le dio la obra a su hijo Rayner, de tan solo diez años de edad, para que la leyera y le gustó tanto que decidió publicarla. Cuando recibió la prueba de composición en febrero de 1937, Tolkien encontró algunos pasajes que tenía que rectificar, ya que no había tenido suficiente tiempo para examinar con minuciosidad el manuscrito que envió a la editorial en un principio. Debido a esto y algunos problemas con las ilustraciones, la novela no sería publicada hasta septiembre.

De “ El Hobbit “ se hizo una versión para Radio, fue allá por septiembre hasta noviembre de 1968, que la emisora BBC Radio 4 emitió una adaptación radiofónica hecha por Michael Kilgarriff y producida por John Powell. Ésta fue dividida en ocho partes con una duración total de cuatro horas y un guión muy próximo al texto de la novela (en su edición de 1951). Contaba con el actor Anthony Jackson como narrador, Paul Daneman en el papel de Bilbo, Wolfe Morris como Gollum, John Justin como Thorin, John Pullen como Elrond, Peter Williams como Bardo y Heron Carvic como Gandalf. La serie fue puesta a la venta en formato casete en 1988 y en formato CD en 1997.

El 27 de noviembre de 1977, se estrenó en la cadena de televisión estadounidense NBC la primera versión fílmica de El Hobbit. La película, de dibujos animados, fue producida por Arthur Rankin Jr. y Jules Bass y tuvo un coste de unos tres millones de dólares estadounidenses, convirtiéndose para ese entonces en la película de animación para televisión más cara de la historia. El guión fue escrito por Romeo Muller, siendo bastante fiel a la novela, excepto en algunos puntos, como la desaparición del personaje de Beorn ( el Hombre Oso ). Además, algunas de las canciones de Tolkien fueron adaptadas por Maury Laws para la película. Si bien tuvo bastante éxito, algunos puntos, sobre todo de la animación, fueron criticados, como el aspecto gatuno del dragón Smaug o la apariencia de los elfos. El sello discográfico Walt Disney Records publicó un LP basado en el doblaje del audio completo de la película, que más tarde sería editado también por Buena Vista Records, alcanzando un buen éxito en ventas.

Allá por el año 2001 cayó en mis manos una copia de la versión en DVD de este libro la cual deseo compartir con uds, haciendo la salvedad de que recomiendo antes haber leído el libro pues la película se desarrolla muy rápido y una mente que no conozca la historia pasará por alto muchos detalles de la misma. En caso de que no tenga una copia del libro le hago llegar una de mi biblioteca en versión PDF. Para aquel entonces no existían las facilidades de conectividad del día de hoy, además de que la tecnología del DVD no era común aun en el ambiente de las PC, recuerdo como fue con varias herramientas pude copiar el DVD a mi disco duro, y fue hasta varios meses después que logré con éxito trasladar la película ( originalmente de un DVD de 9 a un DVD de 4.7 gigas, que aun conservo como si fuera oro. Esto lo logre luego de mil foros y consultas cuando aun no existía Google.

Contraseña para los archivos: lacuevadeltopo.com

Descarga “ El Hobbit “ en versión PDF y los mapas

que ayudarán a realizar el viaje

Descarga Soundtrack “ The Hobbit “ - 1977

Ficha Técnica de la Película

Título: El hobbit
Dirección: Jules Bass
Ayudante de dirección: Arthur Rankin
Guión: Arthur Rankin
Reparto: Orson
Bean, Richard Boone, Hans Conried, John Huston, Otto Preminger,
Cyril Ritchard, Brother Theodore, Paul Frees, Don Messick, John
Stephenson.
Duración: 77 min.
Idioma(s): Inglés ( sub esp )

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Parte 1

Parte 2

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Parte 4

Parte 5

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Los Toreros Muertos

topo@lacuevadeltopo.com (El Topo) — Sun, 12 Apr 2009 22:07:22 -0700

No recuerdo exactamente como fue que empecé a escuchar a los Toreros Muertos, probablemente como cualquier cristiano por estos lares, con la famosa “ Aguita Amarilla “ la cual recuerdo corear bien ebrio en alguna de las semanas U,. cuando aun se vendía cerveza dentro del campus y cuando uno de los puntos de convergencia era en “ el chancho con chaleco “ o bien en “ La Taberna “, los cuales son locales que solo quedan en la memoria de unos pocos.

Esto debe ser a finales de los inolvidables 80 allá por 1988, y fue ( supongo ) gracias a eso que empecé a tener por este grupo de música “ irreverente y transgresora “ que luego llegue a admirar más al conocer mejor su trabajo.

Como era costumbre en aquellos tiempos y por estas tierras, aún y cuando el grupo tuvo un gran éxito comercial, no era muy común encontrar sus discos en las tiendas, fue allá por 1989 que según recuerdo alguno de mis compañeros de estudio me pasó su disco 30 “ años de éxitos “, y un par de años más tarde logré comprar el cassete original de “ Mundo Caracol “. Aunque me gusta más el sonido del rock más pesado “ los toreros “ supieron ganarse mi simpatía y llegué a escucharlos bastante, pues tenía también algunos audios sueltos que grabé en diversas ocasiones en diferentes programas de música rock en español ( que eran muy poco comunes ) en alguna de las radioemisoras nacionales.

Hoy y luego de varios meses logré recopilar el trabajo completo de los Toreros y deseo compartirlo con Uds.

Formación:

Pablo Carbonell ( voz )

Many Mouré (bajo)

Guillermo Piccolini (teclados)

Este grupo de pop fue un grupo de la “ movida madrileña “, y su cerebro fue el polifacético cantante, dibujante y cineasta Pablo Carbonell. “ Toreros Muertos “ comenzó siendo una broma y llegó a situarse entre las principales bandas españolas de pop de la segunda mitad de la década de los ochenta. Carbonell había sido un asiduo del Rock-Ola y vivió muy de cerca los primeros ambientes mods del Madrid de principios de los ochenta. Por aquel entonces, junto al también humorista Pedro Reyes, formó el dúo cómico Pedro y Pablo, una actividad que pronto llevó a ambos desde el parque del Retiro hasta los platós televisivos del programa infantil “ La Bola de Cristal “.

En 1986 Carbonell conoce al bajista Many Moure y al teclista Guillermo Piccolini, con los que formaría grupo en aquel mismo momento. Poco después, tras unas divertidísimas actuaciones por diversos locales de la capital de España, captan la atención de una discográfica que inmediatamente les ofrece la grabación de un disco. Pero, antes de que éste salga a la venta los Toreros Muertos ya eran conocidos en España gracias a su actuación en la cuarta edición de la Fiesta del Estudiante y la Radio, retransmitida en directo por Radio 3 (RNE) y Televisión Española. Una escasa semana después actúan en Oviedo como teloneros de “ Los Rebeldes “ y organizan una de las peleas más divertidas que jamás hayan existido entre artistas y público; los seguidores del grupo catalán abuchean al trío, y Carbonell, vistiendo una camiseta en la que había pintado a mano: “ Tengo 22 años ”, invitó a éstos a que bombardearan el escenario con todo lo que tuvieran a mano. “Vamos amiguitos, no os cortéis, que Dios también os ama aunque que tengáis patillas y tupé”, dijo. El resultado fue un aluvión de botellines, navajas y todo tipo de objetos contundentes que arrasó literalmente con el juego de luces del escenario y que acabó con Pablo, Guillermo, Many y algunos fans y borrachos (o ambas cosas) en comisaría.

Y es que Moure y Piccolini eran virtuosos músicos argentinos, curtidos en anteriores aventuras musicales, que supieron acoplarse a la perfección al complejo y sicotrópico mundo interior de su multimediático cantante hasta las últimas consecuencias.

Su debút discográfico llegó por fin de la mano de la disquera Ariola, que les editaría en 1986 el maxi single “Yo no me llamo Javier”, antesala de lo que poco después será su primer álbum “30 años de éxitos” trabajo en el que Pablo Carbonell muestra otra de sus facetas, la de excelente dibujante.

"30 años de éxitos" fue producido por Javier López de Guereña y Andreas Prittwitz, que contaron con algunos de los más importantes músicos del momento. No se escatimaron medios para poner en órbita a "Los Toreros Muertos", y el álbum de presentación no solo obtuvo el éxito esperado por artistas y directivos, sino que supero las previsiones más optimistas.

En 1987, los Toreros Muertos parodian los cursos de inglés y se ríen de la solidaridad internacional en el álbum “Por Biafra” y siguen los conciertos en directo por España. Este disco fue producido por Carlos Díaz y Carlos Martos, e incluía temas básicos en la corta, pero intensa, carrera del grupo, como el popular "On the Desk".

Su popularidad se impulsó en América Latina hacia (1988), cuando participaron junto a otros artistas como Los Prisioneros, Miguel Mateos, Timbiriche, José Feliciano, Yordano, Océano y los colombianos Compañía Ilimitada y Pasaporte en un mega evento de 12 horas de duración llamado Concierto de Conciertos que se llevó a cabo el 17 de septiembre de 1988 en Bogotá, Colombia en el estadio Nemesio Camacho "El Campin".

En el año 1989 publican “Mundo caracol” con el mismo equipo de producción que su disco anterior, en él hay una canción dedicada a un falangista, asunto con el que Carbonell pretende zanjar en clave de humor ciertos rumores de mal gusto sobre su pasado ideológico.

Lo último disco de la banda es “ Toreros muertos Cantan en Español” , editado en el año 92 y producido por Piccollini. Poco después, aburridos unos, e inmersos en crisis existenciales otros, deciden disolver el grupo. Pablo Carbonell, tras unos años de ausencia en público, regresó como humorista y reportero a los platós de televisión. Por su parte, Many Moure emprendió nuevas aventuras musicales, al igual que Guillermo Piccolini, que formó el provocador y escatológico combo Pachuco Cadáver.

Recientemente se hizo un recopilatorio en DVD y realizaron una serie de conciertos por España.

Discografía

Pass para los discos: http://lacuevadeltopo.com

Bares Bares Maxisingle ( 1985 )

30 Años De Éxitos (1986)

Por Biafra (1987)

Mundo Caracol (1989)

Toreros Muertos cantan en Español (1992)

Canciones Irreverentes Recopilatorio ( 1992 )

Los Toreros Muertos Antologia (2007)

Pass para los discos: http://lacuevadeltopo.com

Caifanes

topo@lacuevadeltopo.com (El Topo) — Mon, 16 Mar 2009 18:37:10 -0700

Han pasado muchas cosas desde mi último post por eso este año podrán notar que he tenido una escasa producción, las causas son múltiples. Primero la escogencia de una distribución adecuada y la migración hacia Linux, además el daño del disco duro principal de mi Computadora de escritorio, el nuevo horario de trabajo y las vacaciones de la familia. Todo esto me alejo un poco del tiempo libre que es el que utilizo para escribir, sin embargo no estuve ocioso y tengo una cantidad interesante de material y otros proyectos para compartir, todo a su tiempo. Este post lo empecé hace rato pero me tomó bastante tiempo el encontrar el material de forma de poder compartir algunas rarezas que se que muchos fans sabrán apreciar, pues yo personalmente las he disfrutado, y mucho, a pesar de que el sonido no es de lo mejor, pero en los próximos meses trataré de hacer una restauración de los audios que aparecerán más adelante, por ser documentos de valor histórico.

Hablar de “ Los Caifanes “ es un poco complejo, pues representan un “ Grupo de Culto “ y para muchos lo mejor que ha dado el rock Mexicano, yp particularmente me siento muy lejos de atreverme a decir algo de esa magnitud, sobre todo, dentro de la ignorancia que nos caracteriza en este pedazo de tierra, respecto al conocimiento del verdadero Rock Mexicano, pues apenas se conocen unos pocos grupos como el Tri, Café Tacuba, Molotov, Porter y otros pocos, pero más hacia la onda POP y música comercial, que dentro del ROCK, a pesar de que el mercado mexicano está muy cercano al tico.

Lo que si puedo decir es que probablemente Caifanes es el grupo Rock que al menos en Costa Rica tuvo un éxito sin precedentes cuando aún estaba “ vivo” , y no tuvo que esperar a morir para convertirse en una Leyenda. Mis primeros recuerdos me llevan al año 89, en que recuerdo “ Viento “ sonando en alguna emisora de las muy pocas que sonaban música rock en español. Así fue como para el año 90 en algún lado tuve la oportunidad de comprar el primer disco ( Volumen I o El Álbum Negro ) en un cassete que aún conservo como si fuera de oro. Ahí tuve la oportunidad de escuchar varias canciones que me traen muchos recuerdos como “ La Negra Tomasa “ y “ Perdí mi ojo de Venado “. Mi gusto por Los Caifanes fue creciendo conforme aparecieron más trabajos, así fue como para el año 1990 y 1992 pude comprar también los Cassetes originales de sus discos “ El Diablito “ así como mi álbum preferido “ El Silencio “. Para su último trabajo en estudio tuve la oportunidad de que una antigua estudiante de último año de Bachillerato ( Zuleka Goñi ) me grabó en un cassete directo de un CD “ El Nervio del Volcán “, por lo que no tuve la necesidad de comprar el original.

Durante muchos años estos fueron casi que obligados de escucharse al menos una vez a la semana en mi antiguo walkman SONY, que solía acompañarme casi 24 H diarias.

Preámbulo

Saúl Alfonso Hernández Estrada, nace en la Ciudad de México, un 15 de enero de 1964, desde pequeño se vio influenciado por la música que escuchaban sus familiares más cercanos. Esto incluía grupos y estilos muy diversos entre los cuales se pueden destacar: Los Rolling Stones, John Lennon, Janis Joplin, Jimi Hendrix en el movimiento Rock hasta “ Los Panchos “,la Sonora Santanera y José José, por mencionar algunos en el movimiento de música Latina. Durante los primeros años de su niñez, Saúl pierde a su madre.

Deimos es uno de los satélites de Plutón, sin embargo este era el nombre de la primera banda de Rock de Saúl. Al respecto deseo compartir esta pequeña anécdota:

“ Cuando Deimos, el grupo, se formó, la primera pregunta que nos hicimos fue: ¿Qué tocamos?... - Saúl alcanza a decir: Yo tengo canciones. Los demás se limitan a responder: …. “ pus tráelas “, y es así como de un día para otro el grupo Deimos se hace de un repertorio. “

De esta forma es como nació Deimos, la cual fuera su primera banda y que se mantuvo de 1979 a 1981. Los integrantes eran Saúl Hernández ( en el bajo y la voz ), José Navarro ( en la batería ) y Salvador de la Fuente ( en la guitarra ). Fue en esta banda que Saúl conoce a Ramón Tomas, quien tocaba en un grupo llamado Auroc. Lo primero que hizo Ramón fue mostrarle su trabajo a Saúl. Aquella amistad terminaría por traer al mundo a un grupo bautizado “ In Memoriam” . En este proyecto se mantiene su compañero y amigo José Navarro en la batería, Saúl en el bajo y la voz y Ramón en la guitarra.

Un par de años después al desaparecer “ In Memoriam “, Saúl se encierra por un tiempo y conoce a “ Leoncio Lara “, que como él anda buscando nuevas compañías, y juntos forman su siguiente proyecto llamado “ Frac “. Así fue como de 1983 a 1984 se consolida Frac, compuesta por Saúl Hernández en el bajo y la voz, Manuel Lino en la guitarra, Hernán Larralde en la batería, Leoncio Lara "Bon" en la guitarra y la voz. De este grupo solo existe registro de un tema llamado "Inquietudes Desairadas" que salió con motivo de una recopilación de triunfadoras del Festival Rock Peerless en el año 1988.

Por otra parte los otros músicos que forman la otra parte de esta historia militaban en “ Las Pistolas de Platino “. Este grupo estaba conformado por Jorge Palacios (voz), Salvador “Sabo” Romo (bajo), Alejandro Marcovich (guitarra) también, Alfonso André (batería) y Aleks Syntek (teclados).

El guitarrista Alejandro Marcovich había tenido anteriormente su grupo llamado Leviatán entre 1983 y 1984, junto a Arean en el bajo y Octavio Natera en la batería. Sin menospreciar la trayectoria y el trabajo de ninguno de los músicos, es este músico quien ( personalmente me parece ) me parece que ( independientemente del Ego ) aportó más al sonido de Caifanes, aún y cuando es Sabo Romo quien más me ha influenciado en su particular sonido en el Bajo.

Las Insólitas Imágenes de Aurora (1984 - 1985)

Hacia 1984, el cineasta argentino Carlos Marcovich ( el hemrano de Alejandro ) necesitaba medios económicos para solventar la producción de una película, y lo único que se les ocurrió, fue organizar una fiesta, llevar un grupo y cobrar la entrada. Así se lo plantea a su hermano Alejandro, el cual le recomendó a Alfonso André para la batería y Saúl Hernández para que tocara el bajo y además cantara. Es así que este “ efímero grupo “ se puso a ensayar y rápidamente montan una serie de covers y algunos materiales originales, debutando el 17 de marzo de 1984 como “ Las Insólitas Imágenes de Aurora ”; nombre tomado de un cuento escrito por Saúl llamado “Entre las Insólitas Imágenes de Aurora”.

De esta forma no sólo empiezan a tocar en lugares como Rockotitlán, High Tower y El Jabalí, sino en colonias populares como Iztapalapa, Santa Fe, etc., alternando con algunos grupos del subterráneo como Mistus.

El 22 de Mayo de 1986, con la ayuda del guitarrista Marcelo Arámburo y Jaime “Oso" Pavón, el grupo graba un demo en vivo en Rockotitlán. Esta cinta sale a la venta en el mes de abril de ese mismo año conteniendo las siguientes canciones: El Safari, Rosa, Claudia, La Vieja, Pero nunca me oye y Hasta Morir con el slogan de “Aborto engendrado en nuestro segundo aniversario”.

Las Insólitas Imágenes de Aurora (1985 - 1986)

Rápidamente este conjunto logra una química que se notaba en el particular sonido en vivo, y rápidamente empiezan a reunir una gran cantidad de seguidores, lo cual llevó a incrementar a sus integrantes para darle más detalles a las canciones. Es así como “ Las Insólitas “ pasan de ser un trío a un grupo que incluía a Saúl Hernández (guitarra y la voz), Alfonso André (batería), Alejandro Marcovich (guitarra), Alejandro Giacoman (teclados), Armando Martín “Pecas” (bajo), Alberto “Beto” Delgado (Saxofón).

- "Las Insólitas... se formó involuntariamente. -dice Alejandro Marcovich-. Yo tocaba en un grupo llamado Leviatán, y Saúl tenia un grupo que se llamaba Frac con Leoncio (Bon, el de los enemigos del silencio). Nos conocíamos, a mí me parecía chistoso como cantaba él, casi no conocía su trabajo. Mi grupo tronó y el de él continuaba; y cuando mi hermano estaba estudiando cine, le dejaron hacer un corto metraje, por lo que para conseguir dinero, hizo una fiesta. Necesitaba un grupo que jalara gente, pero al mismo tiempo, no podía ser uno conocido que le cobrara mucho. Entonces me propuso que armara algo para la ocasión. Carlos, mi hermano, conocía a Alfonso y me dio su teléfono para que le hablara e hiciéramos algo. También me sugirió que le hablara a Saúl. Alfonso respondió inmediatamente. Saúl lo dudó un poco y dos días antes de la tocada, dijo que sí. Ensayamos 12 horas cada día y montamos un repertorio para la fiesta: algunos “covers” absurdos como el “ cha cha cha “ de “Los marcianos” mas canciones de Saúl y canciones mías. No teníamos intención de nada, ni formar un grupo, solo queríamos sacar la tocada y adiós. Pero por lo mismo, lo único que nos importo, fue desfogarnos y divertirnos.

… Entonces salió una forma de hacer música que ninguno conocía ni esperaba, porque cada uno era súper intenso dentro de sus propios grupos. Todos nos sorprendimos y mucha gente que estaba en la tocada, nos dijo que deberíamos seguir, y al día siguiente, cada cual se quedo reflexionando en su casa. Le hable a Alfonso y le dije: “Te gustaría continuar eso? ”, y él, bien tímido, me contestó: “ Pues sí ".

Como Saúl no tenia teléfono, me fui a su casa ese domingo en la mañana. Estaba dormido. “Vengo a hablarte de esto...”, y me dijo: “No,… que mi grupo...”, que no se que.

Entonces le dije: “Piénsalo, y a los pocos días, me respondió que sí.

Terminó con su grupo y empezamos con “ Las Insólitas ”...

Fue una magia que supero nuestra voluntad".

Las Insólitas... se convirtieron en un grupo de culto y duro de 1984 a 1987. "De nuevo, empezábamos a pelearnos mucho - agrega Marcovich -, como debe de ser, y al mismo tiempo, no ganábamos lana. Salieron “playbackazos” con otros artistas, con toda la pena del mundo, a los cuales le entraban hasta Saúl y Alfonso, porque era la única manera de ganar dinero, y luego salieron tocadas de verdad, por ejemplo, con Lara y Monarrez, a las que Saúl ya no le entró, pero Alfonso y yo si seguimos. Esto, de alguna manera, empezó a resquebrajar al grupo.

“Nos perdimos un poco en eso y vino el truene”.

Alejandro se unió a la banda que acompañaba a Laureano Brizuela y unos años más tarde. Mientras que Alejandro tocaba con Laureano, Saúl empezó a planear un ambicioso proyecto: Caifanes.

Los Caifanes

Cuando rompió el grupo, Saúl se recluyo en su casa y empezó a pensar en Caifanes; el nombre ya lo tenía, así como la idea de formar un grupo en el cual hubiera la posibilidad de hacer algo distinto. Un amigo le presentó a Diego Herrera y juntos se encerraron en casa de Saúl a ensayar, las primeras canciones que montaron incluían: Mátenme porque me muero, Amanece, Cuéntame tu vida y Será por eso.

“ Sabo “ Romotocaba con Memo Briseño y en un concierto le propusieron que se les uniera, lo cual aceptó de inmediato. El mismo propuso a Juan Carlos Novelo, el baterista de Memo a que los acompañara es este proyecto, y al mismo tiempo, Diego propuso a Santiago Ojeda, y ésa fue la primera alineación de Caifanes

Su primera presentación fue el 11 de abril de 1987 en Rockotitlán. La expectación creada en el underground rockero mexicano fue tanta que mucha gente se quedó fuera del recinto. Pero para esta ocasión Novelo no pudo ir. Así fue como se vieron casi obligados a una nueva organización del incorporando a "El Gato" Jorge Arce, baterista de Ritmo Peligroso, en reemplazo de Novelo.

Después de su presentación aquel 11 de abril, Jorge Arce se vio forzado a abandonar a los recién formados Caifanes por su por su incompatibilidad con los tiempos entre los dos grupos en que militaba. Es así como Alfonso André ( quien había acompañado a Saúl desde “ Las Insólitas “ se uniría a la banda a partir de su tercera presentación en vivo, igualmente Santiago Ojeda se integró a Botellita de Jerez reduciendo al grupo en un cuarteto integrado solamente por Sabo Romo, Saúl Hernández, Alfonso André y Diego Herrera.

Tuvieron la idea de hacer un disco independiente y distribuirlo, pero el dinero alcanzó solamente para cuatro canciones y quedó en un "demo". Una estación de radio empezó a recibir "demos" y a trasmitirlos, los chicos llevaron el suyo y así fue como empezó a sonar “ Los Caifanes “ en la radio, con Mátenme porque me muero.

Lo curioso es que eran un grupo que no existía, porque cuando llevaron el "demo", todavía no tacaban en vivo, lo hicieron antes. Tuvieron una racha de tocadas medio extrañas y la primera vez que se impactaron, fue entre la 5ta. y la 6ta. tocada: los invitaron a abrirle un concierto a Miguel Mateos. Cuando salieron, la gente se sabía las canciones.

Fue así que la oportunidad llegó, cuando Ariola convocó a las dos bandas que estaban provocando "eco" en la escena "Under" de la época en la Ciudad de México, a abrir el concierto de Miguel Mateos el 31 de Octubre de 1987, Caifanes y Neón eran esas bandas. Lugar en donde por cierto, se encontraba Oscar López, productor de Miguel Mateos, quién a su vez, estaba midiendo el poder de convocatoria de ambas agrupaciones, y en donde Caifanes salió triunfante sobre Neón, y Miguel Mateos, no vaciló en darles su apoyo incondicional. El resultado, la grabación de un primer LP bajo la dirección y realización del productor Oscar López, también productor del argentino.

Caifanes accedió a firmar con RCA Ariola, a cambio de que también Maldita Vecindad firmara y así ocurrió. Para noviembre de 1988 Maldita Vecindad se encontraba grabando en los Estudios PolyGram lo que sería su primer material.

Para la grabación de su primer disco oficial la formación de Caifanes era Saúl Hernández en la guitarra y voz, "Sabo" Romo en el bajo, Alfonso André en la batería y Diego Herrera en los teclados. Caifanes (a veces nombrado también “ Mátenme porque me muero “, “ Volumen 1 “ o “ Disco Negro “ ) salió a la venta en agosto de 1988 y el sencillo Mátenme porque me muero fue su primer éxito, seguido por Viento y La negra Tomasa, una versión de una cumbia escrita por el músico cubano Guillermo Rodríguez Fiffe. El disco mostraba claras influencias del grupo británico The Cure. Gustavo Ceratti participó como músico invitado en la grabación del álbum tocando la guitarra en La bestia humana.

En el verano de 1989 tras llenar dos días consecutivos el Auditorio Nacional, teniendo como teloneros a Maldita Vecindad y a Fobia; el grupo prepara canciones para lo que sería su segundo material; temas como « Detrás de ti » y « Antes de que nos olviden » ya eran habituales de la agrupación por estas fechas ( ésta última fue con dedicatoria a los caídos de Tlatelolco el 2 de octubre de 1968 ).

En una presentación del grupo en un "Bar", se encontraba el ex-compañero de grupo de Saúl y Alfonso en "Las Insólitas Imágenes de Aurora", Alejandro Marcovich. Hernández tuvo un encuentro con éste en donde comentaron asuntos sobre los proyectos de cada uno, y en donde. Hernández le comentaba el gran peso que le causaba el ser guitarrista y vocal de una agrupación. Por su parte, Marcóvich recomendó:

"-¿Por que no buscas a un guitarrista que te apoye?"-

A lo que Hernández respondió: "¿Y por que no tu?".

En septiembre de 1989, el guitarrista Alejandro Marcovich se integra al grupo; su presencia resultó notoria desde un principio y su estilo fue fundamental en lo que comenzaría a ser el sonido de Caifanes.

Con una formación sólida, como quinteto, se dirigen a Nueva York a grabar su segunda placa, de nuevo bajo la dirección de Oscar López en colaboración con Gustavo Santaolalla, Daniel Freiberg, y Caifanes.

El resultado de este trabajo fue el Volumen II, mejor conocido como “ El Diablito “ (esto se debe a la inclusión de la imagen de un diablo, que recuerda una tarjeta de lotería, acompañado por una leyenda que dice justamente El diablito).

Después la grabación de un próximo material discográfico, en donde se barajaron nombres de productores como Phil Manzanera, Don Was, Gustavo Santaolalla, Adrian Belew, y Brian Eno. Finalmente se dirigen a Wisconsin a grabar con Adrian Belew.

En 1992 se edita El Silencio, de este álbum se incluye gran parte del repertorio clásico de Caifanes, como: «No dejes que...», «Miércoles de ceniza», «Nubes», «Nos vamos juntos» y «Piedra», en este último, Saúl cuenta su adicción a las drogas. Antes de que saliera El Silencio, The Cure estaba en México y se propuso a Caifanes abrirle pero se rehusaron puesto que primero querían presentar El Silencio antes de hacer otra cosa. Cuando este disco salió a la venta el grupo ya era un éxito en México, Centroamérica, algunos países de Sudamérica y entre la comunidad hispana de Estados Unidos. En agosto de 1992 llenaron por completo el Hollywood Palladium de Los Ángeles.

En 1993, la agrupación parecía cada vez más sólida, pero Sabo Romo y Diego Herrera se encargan de desmentirlo. Con dicho concierto en el Palacio de los Deportes, Sabo Romo, se despidió de la agrupación arguyendo problemas personales y económicos, después argumentaba que ya no había esa "Magia", y esa armonía dentro del grupo; además que la vida privada del músico se había puesto en descuido. Diego Herrera lo seguiría poco tiempo después, al concluir esa gira.

Al llegar 1994, Caifanes queda reducido a un trío conformado por Saúl, Alfonso y Alejandro acompañados en el bajo por Federico Fong y en los teclados por Yann Zaragoza.

Juntos dan forma al último álbum de los Caifanes, El nervio del volcán. Se eligen como sencillos las canciones «Afuera», «Miedo», «Aquí no es así» y «Ayer me dijo un ave». Su presencia en los medios de comunicación crece y es seguida muy de cerca por los noticiarios de MTV Latino, para quien realizaron un Unplugged, y donde se documentaron tanto el creciente éxito internacional del grupo (por ejemplo, en esos días abrieron el concierto de los Rolling Stones en la ciudad de México y participaron en el festival WOMAD, organizado por Peter Gabriel, rechazaron después, la invitación de asistir al festival de Woodstock).

Las crecientes diferencias entre Saúl Hernández y Alejandro Marcovich, llevarían a la disolución del grupo, (en una entrevista a MTV Latinoamérica, en Bogotá, Saúl le pregunta a Alejandro: ¿Qué tenemos

en común? y éste responde: ¿El número de cromosomas?).

Caifanes ofreció su último concierto el 18 de agosto de 1995 en la ciudad de San Luis Potosí, pese a toda la cantidad de desmentimientos hacia la prensa el grupo inevitablemente llego a su fin. Durante este último recital, Carlos Marcovich, cineasta y hermano del guitarrista, trataba inútilmente de juntar a Saúl Hernandez y a Alejandro Marcovich al terminar dicho concierto; fue una lucha de "egos" en la que se llegó a rumorar que Marcovich y Hernández incluso llegaron a los golpes.

Al final de dicho recital se pudo escuchar la canción "Sabor a Mi", de la mano de Alejandro Marcovich; fueron las ultimas notas de la tan característica guitarra Ibanez de Marcovich, su hermano, Carlos, ante la expectación de la multitud, anunció el fin de Caifanes.

Tras la desintegración del grupo, Saúl Hernández se dedica a recuperarse de un mal en las cuerdas vocales, e invita a Alfonso André, a un nuevo proyecto que posteriormente sería lo que hoy es Jaguares.

Alfonso, en ese momento se encontraba tocando en La Barranca con Federico Fong (bajo) y José Manuel Aguilera (guitarra) y propone a Saúl incorporarlos a la nueva banda.

El Estilo de Caifanes

Aunque en un principio la música de Caifanes parecía ser simplemente una versión en español de la música de The Cure, la inclusión de «La negra Tomasa» en el repertorio del grupo no era casual:

Hernández y Romo tienen raíces en colonias populares de la ciudad de México. Sin embargo, Caifanes no volvió a apropiarse tan marcadamente de un estilo musical distinto del rock; por el contrario, incorporó elementos de la música popular mexicana en el esquema general de éste.

Si bien en El diablito la mayor parte de las canciones puede ser calificadas simplemente como rock, las letras comienzan a tomar elementos populares (como la integración total del dicho « De noche todos los gatos son pardos » en la canción homónima) y con « La célula que explota » se marca en gran medida el estilo clásico de Caifanes: letras demandantes y poéticas y música a caballo entre el rock y la música mexicana. La presencia de Alejandro Marcovich, a partir de este disco se vuelve fundamental en el sonido del grupo, a tal grado que para muchos fanáticos la diferencia principal entre Caifanes y Jaguares consiste en el estilo del guitarrista.

« La célula que explota » construida como una balada rock con arreglos de mariachi, es la primera de una serie de amalgamas. En “ El Silencio “ las fusiones tocan de nuevo la música con una fuerte cadencia rítmica que en México se tilda de guapachosa («Nubes», «Hasta morir», «Para que no digas que no pienso en ti»), pero también la banda («Piedra»), e incluso aparece una versión de un son veracruzano, «Mariquita», donde se combinan las tradicionales jaranas con las guitarras eléctricas de Marcovich. Por último, en El nervio del volcán experimentaron con rítmicas indígenas («Afuera»), dieron un toque de bolero a las percusiones de «Ayer me dijo un ave» y construyeron «La llorona» sobre el vals tradicional del mismo nombre.

Discografía

pass patra todos los discos: http://lacuevadeltopo.com/

1983 – FRAC - Inquietudes desairadas ( Sencillo )

1986 - Las Insólitas Imágenes de Aurora - En vivo desde el Rockotitlan

Parte 1

Parte 2

1986 - Las Insólitas Imágenes de Aurora - Demos

Caifanes - Demos

1988 - Caifanes - Volumen I

1989 - En vivo en Mexicali

1989 - En vivo en Rockstock

1989 - En vivo Ferrocarilero

1990 - El Diablito

1992 - El Silencio

1993 - En vivo en Mexicali

1994 - El Nervio Del volcán

1994 - En Vivo (Gira el Nervio del Volcán )

Parte 1

Parte 2

1994 - En vivo Teatro Metropolitan

Parte 1

Parte 2

1994 - MTV Unplugged

1997 - La Historia ( Recopilatorio Doble )

Parte 1

Parte 2

pass patra todos los discos: http://lacuevadeltopo.com/

Videos

Caifanes- Matenme Por Que Me Muero

Viento - Caifanes

Caifanes-"Miercoles de Ceniza"

Caifanes - Sombras en tiempos perdidos ( Rockstock 1992 )

Caifanes - La Célula que explota ( Rockstock 1992 )

Caifanes - Afuera

Mi agradecimiento y fuentes de Información

Los Dioses Ocultos

Las insólitas imágenes de Aurora

Al Amigo Sarabia de Tripod

Wikipedia Saúl Hernández

Wikipedia Caifanes

A los amigos del Foro de Jaguares

Al Amigo Juan Carlos Reyna

Los amigos de JaguaresLive

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Una Lamentable Noticia

topo@lacuevadeltopo.com (El Topo) — Fri, 09 Jan 2009 18:46:42 -0700

Estuve visitando algunos blogs amigos y me dí cuenta gracias al amigo Marcelo B de los Inconseguibles del Rock Argentino que había muerto el músico uruguayo Gonzalo Farrugia, quien fuera en vida un destacado baterista en algunas de las míticas Bandas de rock Suramericano de los años setenta, como Psiglo, Crucis y más tarde PorSuiGieco. Desde este Blog queremos rendir un pequeño homenaje a tan destacado músico.

Su carrera musical empezó en una " Banda de amigos del Barrio " llamada " Los Sailors " que hacian covers de los Beatles y Creedence, luego estuvo en otras bandas como " La Muela del Juicio " y " Danger " haciendo covers en bailes y cuevas alla a finales de los sesenta en el Uruguay.

Para inicios de los años setenta sustituye a Carmelo Albano en la Batería de Siglo, que luego llegaría a llamarse Psiglo, con la entrada del vocalista Ruben Melogno quien venía de una agrupación llamada Ovni 87.

Así para julio de 1972 lanzan su primer single, con un formato poco comercial, " Gente sin camino " supera los seis minutos de duración en una época que la duración máxima para un tema que la radio difundiera era tres minutos. Sin embargo " En un lugar un niño " logra la difusión masiva.

El grupo tapiza la calle 18 de julio con carteles que dicen "Los que aún no han comprado el Primer simple de Psiglo están para el Psiquiatra" y el resultado de esta estrategia fueron unas ventas excelentes. El 13 de agosto de 1972 realizan un concierto en el Teatro Solís.

En diciembre del mismo año se edita el segundo single, este supera las ventas del anterior y llega a ser disco de oro. En enero de 1973, se organiza un baile en el club Atenas en el local de la U.J.C. y al finalizar Gonzalo Farrugia levantó un cuadro con una foto de Lenin, con lo que el entusiasmo de los jóvenes se exacerba.

El 24 de febrero son invitados a participar en el Festival de la Solidaridad Chile-Vietnam en el Estadio Centenario, junto con Alfredo Zitarrosa, Víctor Heredia, Vera Sienra, Sindykato, Quilapayún, Dean Reed y Camerata.

También participaron como invitados en las sesiones de grabación de otros artistas como Jesús Figueroa (ex cantante de Opus Alfa), y en el segundo disco larga duración de León Gieco.

La organización del "Seminario de Música Latinoamericana" les da su reconocimiento al invitarlos al evento que se realizó en la falda del Cerro del Toro de Piriápolis en diciembre de 1972. Entre enero y marzo del 73 completan la grabación del primer larga duración, con el cuarteto de cuerdas del S.O.D.R.E. participa en el tema " Catalina" ; y Nelson Pito Varela (saxo) y Eduardo Giovonazzo (trompeta) en " Es inútil " como invitados.

El 12 de agosto de 1973 se realiza el segundo concierto, en el mismo lugar y exactamente un año después del primero. Allí se les hace entrega del disco de oro. Este recital es transmitido por canal 12 en forma de especial de la banda "Telesuceso del Psiglo" se llamó. Todavía en 1973 en una casa alquilada por ellos montan una oficina, Farruglia da clases de batería y tocaban en todos lados (siete u ocho bailes por fin de semana).

Grabaron 2 singles y dos LP antes de que el golpe de estado silenciara a casi todo el movimiento cultural uruguayo.

En 1993 en un evento que congregó a 6000 personas en la Estación Central de Trenes de AFE en Montevideo demostraron su convocatoria y la aceptación de un público multigeneracional, vuelven a escena para alegría de generaciones que se habían alimentado del mito de la banda. En 1999 vuelven a reunirse en un evento homenaje a Ruben Castillo en La Factoría.

Sin embargo la Historia de Farrugia en la musica Rock no termina con Psiglo, en 1975 Daniel Frenkel dejó la banda Crucis y Farrugia lo reemplazó. Según una entrevista, Gustavo Montesano y Pino Marrone se encontraron con Farrugia en un colectivo y de ahí tomaron contacto para finalmente sumarlo al grupo.

Editaron dos álbumes, Crucis en 1976 y Los Delirios del Mariscal en 1977. Una de las características más destacables de la banda era que los temas registrados en sus discos eran grabados en vivo. La banda tuvo presentaciones existosas en los teatros del país y en Estados Unidos. Luego de volver de su gira por Norteamérica y tras una serie de conflictos personales entre ellos, decidieron separarse imprevistamente.

Los 4 integrantes de esta banda tenían una gran técnica y calidad musical. Por los años en que ellos tocaron lograron un gran sonido de estudio. Tuvieron producción en los Estados Unidos, algo impensado para un grupo latinoamericano de aquella época.

En el año 2004 en un tributo a Crucis a cargo de la banda Pulso, se reunieron luego de 30 años, Gustavo Montesano y Gonzalo Farrugia. De ese gran reencuentro nació la idea de reunir a la banda y organizar una gira, hecho que llevarían a cabo sin Marrone ni Kerpel quienes descartaron la idea de una posible reunión.

Si bien el proyecto no carecía de apoyo promocional de parte de las compañias discográficas, no se pudo concretar debido a desacuerdos económicos y comerciales.

La carrera de Farrugia se destacó por estar en dos de las Bandas más importantes dentro del Movimiento de Rock Progresivo, a la altura de King Crimson, Pink Floyd, como son Psiglo y Crucis, espero que su alma tenga paz y deseo agradecer el legado de música que nos dejó este gran músico.

Videos

gonzalo farrugia en la bata

CRUCIS

Psiglo - En un lugar un niño

CRUCIS en vivo 1995

Topo

topo@lacuevadeltopo.com (El Topo) — Wed, 24 Dec 2008 13:55:33 -0700

Mi primer contacto con el Rock español empezó hace unos 22 años atrás escuchando algunos grupos como Ángeles del Infierno, Barón Rojo, Radio Futura, Obus y Asfalto. De ésta última banda recuerdo los nombres de José Luis Jiménez y a Lele Laina, que se habían separado tras la grabación del primer LP de Asfalto y habían vuelto luego a formar parte de la Banda, pero no recuerdo o preciso nada más. Fue unos años más tarde ( allá por 1995 ) que me enteré que existía un grupo de rock Español que tenía el mismo apodo que su servidor ( TOPO ), y me interesé por averiguar más del asunto, sin embargo resulta que en aquella época, era bastante difícil de conseguir música o información sin la existencia de la Internet por lo que me limité a saber que era un grupo de Rock de la “ época de Oro “, que además que en su disco Marea Negra habían participado Miguel Ríos y Joaquín Sabina. Lo único que conseguí fue una copia en Cassete de Pret a Porter que me pasó algún compañero de los primeros años de Universidad ( sin precisar el nombre ).

Años mas tarde y ya con el desarrollo de Internet y la tecnología P2P pude acceder vía torrent a los primeros tres discos de Topo, luego de haber conversado vagamente unos años atrás con Villar Salvatierra ( quien fuera mi suegra ) la cual me precisó algunos detalles más de este grupo.

Hace un par de meses logré conseguir la Discografía Completa del Grupo, lo cual me impulsó a realizar este post, el cual finalicé luego de un largo periodo alejado de la WEB por cuestiones de trabajo y poco tiempo libre para escribir pues me dedique a leer un poco y a plantear un par de proyectos personales.

Formación Original

José Luis Jiménez: bajo, y voz.
José Anselmo Laina (Lele Laina): guitarra, voz
Víctor Ruiz: teclados
José Mariano Barrios (Terry Barrios): batería

La historia de Topo inicia cuando José Luis Jiménez y Lele abandonan la agrupación Asfalto a mediados de 1978, de esta forma y con la intención de mantenerse juntos Lele llamó a Terry Barrios; el cuarto componente sería Víctor Ruiz.

Sus dos primeros discos fueron editados bajo el sello “ Chapa Records “ con la producción de Teddy Bautista. Su primer LP de titulo homónimo al grupo, contenía piezas como "Vallecas 1996" o "Mis amigos dónde estarán". Con este disco se colocaron en la primera línea del rock español rápidamente.

A pesar de ello la compañía, lejos de apoyar incondicionalmente la música de sus bandas, mostró que sólo buscaba formas de enriquecerse rápida y fácilmente. Con estas premisas, un año después, impulsan al grupo a realizar un disco más orientado al sonido "New Wave ", que sonaba en Gran Bretaña. Así sale para este año su segunda producción llamada “ Prêt à porter “. Incluso cambiaron su aspecto utilizando para las fotos del disco camisas modernas y otras vestimentas que no les sentaban en su estilo tradicional, su sonido intentaba parecerse a “ The Police “ y el resultado final no terminó de convencer ni a los rockeros ni a los chicos “ nuevaoleros “.

Hay un tema que merece rescatarse de este álbum, la versión del "Bring it on home to me" de Same Cooke, un tema que viene de la época de Asfalto y que tradujeron titulándolo “ Traéme tu amor ó Trae a casa tu amor para esta ocasión “ , es el único del disco que sigue aguantando incluso hoyen los directos de Lele y Jose Luis y gracias al cual consiguieron grandes elogios por sus elaborados arreglos e increíbles voces. Con este disco el grupo fracasa estrepitosamente en las ventas y hace que Topo, gracias a Dios, abandone la discográfica.

Para el año 1982 firman con el sello CBS y editan su tercera producción "Marea Negra" el cual es un disco con un sonido que suena más a las raíces del grupo, con una nota de rock urbano, con grandes composiciones y unos espectaculare sonidos en la guitarra y el Bajo. Para éste álbum contaron con la producción de Carlos Narea.

El resultado es un gran disco de Rock Urbano, letras de denuncia social, inteligentes y atemporales, muy buenos arreglos instrumentales interpretados por José Luis, otras por Lele y con Terry Barrios cantando al final del disco y participando con su potente voz en partes de algunos temas, los tres realizan esos perfectos juegos vocales y coros característicos. Potente sonido que permite escuchar y distinguir a la perfección todos y cada uno de los instrumentos, guitarras siempre bien armonizadas, unas veces duras, otras mas melódicas, teclados justos y precisos para rellenar huecos y que resaltan en los momentos propicios, el bajo, siempre audible, no se limita a llevar el ritmo sino que produce preciosas melodías al igual que la batería potente la mayoría de las veces y suave cuando es necesario.

El disco contiene temas como “Cantante Urbano”, que cuenta con una segunda parte en la última referencia discográfica de TOPO (“La Jaula Del Silencio”). Además destacan la balada “ Colores “, y la canción de protesta “Los Chicos Están Mal” entre otras.

Para finales de 1984 Terry, Lele, y Víctor abandonan el grupo, quedando solamente José Luis, rápidamente son sustituidos por Luis Cruz (Guitarra), Kacho Casal (Batería) y Pablo Salinas (Guitarra y teclados), esta formación fue plenamente aceptada y sería la que grabara en 1986 "Ciudad de Músicos". Editado a través del sello Snif, de Julio Castejón, este elepé mantiene a Topo a muy buen nivel creativo y les permite seguir funcionando.

El disco parte con un tema que pretendía estar en la pretendida y fallida Ópera Rock de la que se alimentaba el primer disco de ASFALTO. Un temacon el que José Luis hace gala de su grandiosa voz. De esta producción destacan los temas "Todos A Bordo", "Hay Un Amigo, la balada en "Quieren Matar Mi Canción", Días De Cine", y ""Golpe A Golpe". Este trabajo tiene el 100% del sello TOPO, que marcan para aquel entonces la vuelta al ruedo de la banda.

El 30 de octubre de 1987 se presentarían en “ Canciller “ con motivo de la grabación de su disco en directo "Mis amigos están vivos", concierto en el que participarían todos los músicos que habían pasado por la banda, y donde sonarían todos sus himnos. En el concierto participaron ilustres invitados como J.C. Molina (Ñu), M.A. Collado (Santa) o el propio Julio Castejón.

Al año siguiente Topo entra en estado de criptobiosis, paralelamente José Luis y Lele abren una nueva etapa en Asfalto hasta, más o menos el año 1995.

Tras la salia de Topo en 1984 Terry Barrios había sido parte de la formación de la Banda “ Casablanca “ ( antiguo MAMUT ), con quienes luego de cambiar su nombre graba varios discos en varias etapas diferentes. También estuvo en “ Labanda “ donde conoce a Jorge “ Flaco “ Barral, Víctor Ruiz y Leonel Vignola, quienes montan una banda de blues llamada Hispano Uruguaya. Trágicamente Barrios murió el 14 de Septiembre de 1992 por problemas de Salud.

Sin embargo “ Mis amigos están vivos “ no sería la última página en la biografía de Topo ya que, en 1998 la banda renace con José Luis y Lele al frente, y con Roger Castro (batería, ex-Suburbano) y Sergio Cisneros (teclista, ex-La Banda, La Trampa, y actualmente en Mägo de Oz) como nuevos tripulantes. En 1999 regraban "Vallecas 1996" y "Mis amigos donde estarán" para el recopilatorio "Vallekas" publicado por Pies Discos, y, asimismo, firman por dicho sello.

Meses más tarde ya para el año 2000, editan "La Jaula del Silencio" donde muestran que también siguen en plena forma a nivel compositivo. Desgraciadamente el poco apoyo recibido de la compañía y los medios les hace apartarse a un lado, esta vez sí, definitivamente. Sin embargo por su parte José Luis Jiménez y Lele Laina se mantienen activos y con bastante frecuencia ofrecen recitales en donde reviven muchos recuerdos para los fans de esta genial Agrupación

Discografía

Topo – 1979

Prêt à porter- 1980

Marea negra- 1982

Ciudad de músicos - 1986

Mis amigos están vivos – 1988 ( Parte 1 )

Mis amigos están vivos – 1988 ( Parte 2 )

Vallecas - 1993

La jaula del silencio - 2000

Videos

Musical express - parte 2 - Topo - Marea negra

TOPO - VALLEKAS 1996

TOPO -TODOS A BORDO

LELE LAINA Y JOSE LUIS JIMENEZ - COLORES

Topo - El bar

Fuentes de información y mi Agradecimiento

Al Amigo Metalbytes de Taringa por los links de los discos

Al amigo Carlos Camino por su crítica en Rock Total

Al amigo elagus también por su excelentes críticas

Wikipedia

Nuestro Rock 80

Ciudad de músicos

Los Amigos de DescargaMetal.tk

Alvar de Flack

Dedico este post a mi amigo de La Luz de Triana, gracias por el apoyo !!!

GTR – una Superbanda de la cual no se habla hoy en día

topo@lacuevadeltopo.com (El Topo) — Wed, 12 Nov 2008 19:22:00 -0700

Este post ha resultado un poco complicado pues la información que he buscado para su elaboración se volvió más compleja de lo que esperaba, pues hay muchos datos por ahí que no necesariamente son compatibles, lo que hice fue limitarme a incluir la información que consideré como mas coherente al respecto.

Probablemente son pocos los que recuerdan a este grupo, pero supongo que muchos conocerán por aparte a sus integrantes, esta SUPERBANDA, la recuerdo de mis tiempos de 10 año de Secundaria, con apenas 16 años, en la misma época en que escuchaba algunas cintas de algunos grupos de Rock Progresivo como King Crimson, YES, ELP, Génesis y Pink Floyd, en mi viejo Walkman Sanyo que podía pesar medio Kilogramo. Recuerdo el éxito radial que tuvo este grupo ( al menos en Tiquicia ) con dos piezas llamadas When the Heart Rules the Mind “ y “ the Hunter “ que salieron de su único disco oficial de estudio. Recuerdo como mi primo ( igual de fanático para la música Rock, especialmente el Progresivo y el Heavy Metal ) comentábamos los sonidos de este grupo, por varias razones, el utilizar guitarras sintetizadas por MIDI, además de que era una formación de lujo, por tratarse de las guitarras de YES y Génesis juntas.

Steve Hackett

Formación

Steve Hackett: Guitarras
Steve Howe: Guitarras
Max Bacon: Vocales
Phil Spalding: Bajo
Jonathan Mover: Batería

El nombre de esta banda proviene de la denominación que se utiliza en los estudios para las guitarras, lo cual era un indicativo de la razón por la cual estos dos grandes de la guiara habían “ unido sus fuerzas “. Ambos movilizados por la “ excesiva “ utilización de los sintetizadores en el género del Rock Progresivo, querían hacer una banda orientada a proyectar más el sonido de la guitarra. El primer contacto entre ambos guitarristas se dio en el año 1985 gracias a Brian Lane quien era el manager de Yes, Steve Howe estaba en otra gran banda como era Asia, debido principalmente a sus continuos roces con John Wetton ( gran bajista y cantante de Rock Progresivo que había estado en diversas agrupaciones ( además de Asia, como King Crimson ).

Max Bacon ( vocales )

El vocalista, Max Bacon, era relativamente un desconocido en la escena rock que no le habían permitido triunfar más allá del hard rock/heavy metal. Por su parte Jonathan Mover había estado en el género de Rock Progresivo con su banda Marillion. Sin embargo Phil Spalding era de los restantes músicos el que tenía un grado mayor de “ pedigrí “,al haber alternado con grandes músicos como Mike Oldfield y Right Said Fred.

Phil Spalding ( Bajo )

El grupo inicialmente firmó un contrato con el sello “ Arista”, y para Mayo de 1986 lanzan su disco debut “ GTR “. El primer sencillo en salir fue probablemente su canción más conocida “ When The Heart Rules The Mind “ que tenía como lado B “ Reach Out (Never Say No) “. Este sencillo alcanzó el número 11 en las listas de EUA. El segundo sencillo de este álbum fue “ The Hunter “ que tenía como lado B “ Sketches In The Sun “, el cual no tuvo tanto sexito y solamente alcanzó a llegar al número 85 en las listas de popularidad, finalmente, su último sencillo “ Here I Wait “ y una versión en vivo de “ Here I Wait fueron un fracaso en las listas.

Jonathan Mover

Su álbum debut tuvo sin embargo buen éxito, alcanzando “ Disco de Oro “ , el grupo promocionó este álbum en una Gira por EUA, para lo cual el tecladista Matt Clifford se les une para el Tour.

Además promocionaron su álbum con un video llamado “The Making Of GTR , para entonces el grupo se proyectaba más allá de un simple álbum. Realizaron una grabación en vivo para “ the
King Biscuit Flower Hour “ que finalmente se editó en un CD para 1997. Sin embargo circulan por ahí varios bootlegs, y también un lanzamiento Japonés para el doble LP “ Roundabout 86 “ que incluía dos sets acústicos de Steve Howe y Steve Hackett, que era una costumbre de ambos guitarristas durante las presentaciones de GTR.

La longevidad de GTR como supergrupo no fue mucha, en parte porque Steve Hackett comenzó a tener roces con los otros miembros de la banda durante la gira del 86, finalmente dejando la banda. Por su parte Steve Howe, seguía interesado en continuar en la misma dirección de GTR. Robert Berry ( guitarrista y escritor ) había llamado la atención de Steve Howe y Brian Lane. Este músico californiano estaba en Inglaterra intentando formar una banda con Carl Palmer, y fue llamado por Howe y Lane a unirse a GTR. Antes de empezar las sesiones de estudio de su segundo álbum ( que nunca salio al mercado ) el baterista Jonathan Mover abandonó la banda y fue sustituido por Nigel Glockler, que era conocido por su trabajo con la banda de Heavy Metal Saxon. Para este momento el nombre de la Banda había cambiado a “ Nero And The Trend “ pero este al final tomó el nombre se la abreviación “ Nerotrend “, en la cual se presentaron roces entre Berry y Bacon. La razón principal era que Berry intentaba cantar en las piezas que había compuesto, además de que esperaba un disco con más orientación hacia el sonido de las Guitarras, finalmente el álbum tuvo un estilo mas orientado al AOR.

Steve Howe

La segunda placa nunca salió oficialmente al mercado, sin embargo por ahí circulan algunos tracks , principalmente entre coleccionistas, bajo el nombre de “ Elements Of Crime “ titulado simplemente Nerotrend

Sin embargo Steve Howe ha utilizado algunas de estas pistas en sus discos solista. Una versión instrumental de “ Running The Human Race “ aparece en su álbum “ Turbulence “, mientras que “ Birthright “ y Red And White “ en su disco “ This World's Big Enough “. En la pieza “ Birthright” aparece Max Bacon, en los créditos y también aparecen en “ Anderson, Bruford, Wakeman & Howe “ álbum.

Por su parte en el disco solista de Max Bacon'” The Higher You Climb “ 1995, aparecen partes de “ Hungry Warrior “ y “ No One Else To Blame “, mientras que Robert Berry ha vuelto a grabar cuatro de las pistas que escribió con Nerotrend: “ No One Else To Blame (en Pilgrimage To A Point), “ these Eyes “ (en These Eyes), Young Blood (en Takin' It Back) y You Can't Do That (on Back To Back). Por su parte el álbum solista de Max Bacon contiene dos de estos tracks en vivo “ I Know What I Like “ y “ Roundabout “ que fueron grabadas durante la gira de GTR en 1986.

Para finalizar los años 80 Howe se rencontró con sus colegas de Yes: Wakeman, Anderson y Bruford para formar la banda que llevaba como nombre sus cuatro apellidos. Todo se debió a una disputa legal con el ex-miembro Chris Squire para usar el nombre de "Yes". Pero eran en verdad Yes y así lo entendieron los fans, que recibieron con agrado los dos discos de esta formación: Anderson, Bruford, Wakeman, Howe (1989) y An Evening of Yes Music Plus (1989).

Howe también ha grabado más discos en solitario y se ha reunido con su antaño compañero de Tomorrow Keith West para el álbum de 1993 Grand Scheme of Things. También ha contribuido en el Guitar Speak de Miles Copeland y los proyectos Night of the Guitar, así como con el violinista de Ultravox Billy Currie. En los últimos años ha vuelto a tomarse en serio su carrera en Yes, con quien ha grabado los tres últimos discos tras una breve ausencia en los años 90.

De GTR es una lástima que no fuera mas allá de un “ sueño “ que no se pudo completar, sin embargo se que para los amantes del buen Rock, especialmente a los fans de la música progresiva, este pequeño post les va a hacer rememorar grandes momentos que ocurrieron hace un poco más de 20 años.

GTR Discografía ( contraseña de los discos: lacuevadeltopo.com )

1986 – GTR ( demos )

CD1

CD2

1986 – GTR

1987 – Nerotrend

1997 – Live in the King Biscuit Flower Hour

Videos

GTR - When the Heart Rules the Mind

GTR - The Hunter

GTR - Hackett To Bits

GTR - "Toe The Line"

Agradecimientos

Al Maestro Sandokan

El Blog de Florcita y Camilo

Nigel Camillero

Wikipedia

Tango Feroz: La Leyenda de Tanguito.

topo@lacuevadeltopo.com (El Topo) — Sat, 01 Nov 2008 20:47:17 -0700

Corría el año de 1994 cuando recuerdo que anunciaron en la cinemateca de Estudios Generales de la UCR, que se iba a proyectar una película Argentina que hacia referencia a la Represión que se dio a finales de los 60s, así fue que varios compañeros fuimos a " tanda de 7 ", lo que significaba que luego del cine ibamos a hacer una sobremesa a algunos de esos lugares como los que describe Hank Buwkoski en muchos de sus relatos. No recuerdo como terminó la cosa, pero si debió ser con alguna caja de vino barato deajo de un árbol ( como por ejemplo el Guayabo`s Bar ahi por el Colegio Calasanz ), o alguna promoción 3x2 de creveza " de a parao ". Lo que si recuerdo fue la impresión que me causó esta película, en la cual se narra la vida de José Alberto Iglesias Correa ( Tanguito ), pionero del Rock Argentino.
En este mismo Blog ya había hecho referencia a muchos de los hechos de la vida real en los que se vio envuelto este personaje, el cual simboliza el espíritu que se vivió en las épocas de la represión. Deseo aclarar que en este post se va a tratar el tema de la película, pero no es mi interes polemizar si corresponde a la realidad, o a un mundo de ficción, por varios motivos entre ellos el hecho de que vivo en otro país, en donde no tenemos la capacidad de entender este tipo de temática, además de que los hechos ocurrieron en una época en la cual su servidor no habia nacido aún, y por último, se trata de entender que es una película y no un documental.

La película muestra a un Tanguito entregado a la música, pero sumido en conflictos personales. Trata sus problemas con las drogas, su amor apasionado por su musa y amante, Mariana, su amistad con Moris Birabent, las ansias de Libertad, el ser auténtico y aferrarse a sus valores y creencias, por ejemplo. Para muchos que lo conocieron,Tanguito fue un personaje mucho más incoherente e ingenuo que el hombre con valores y metas mas claros de lo que se muestra en la película, según cuentan sus biógrafos y sus amistades mas cercanas quienes lo conocieron en vida, como el Flaco Spinetta. Además hubo varias complicaciones en la realización del film por la negativa de Litto Nebbia a ceder el tema " La Balsa " todo un símbolo para la mayoría de los Argentinos, que había originalmente compuesto junto con Tanguito.

Sinopsis de la Película

Título: Tango feroz: La Leyenda de Tanguito.

Dirección: Marcelo Piñeyro

Música: Fernando Ballesteros

Reparto: Fernán Mirás, Cecilia Dopazo, Antonio Birabent,
Héctor Alterio, Imanol Arias

País: Argentina

Año: 1993

Género: drama histórico-musical (basado en hechos reales)

Duración: 124 min

Productora: Instituto Argentino de Ciencias Audiovisuales (IACA)

En Junio de 1993 se estrenó la película Tango Feroz, la opera prima del director Marcelo Piñeyro, que es en realidad una versión libre inspirada en un período de la vida de Tanguito y en los tiempos originarios del Rock Argentino. El filme no contó con una gran campaña publicitaria, lo que se hizo fue ofrecer en diversas Universidades Argentinas la oportunidad de ver "Tango Feroz" a mitad de precio para los estudiantes, consiguiendo más de 25.000 espectadores, que con el boca a boca, despertado por el interés del tema que trataba esta cinta, hizo que la gente fuera en masa a las salas de los biógrafos a ver la película. Rápidamente, Tango Feroz levantó una polvareda de controversias y críticas: para algunos no es “seria” ni retrata la historia tal como fue. Sin embargo, gran cantidad de público hispanoparlante (la película se presentó en varios países) la recibió con entusiasmo. Además se trató del primer film Argentino sonorizado con la tecnología Dolby Stereo.

Litto Nebbia, exintegrante de Los Gatos, no quiso sumarse al proyecto de Piñeyro por mantener diferencias con lo que se narraba. Por su parte, Moris, tras unos ajustes, colaboró con la producción de la película. Más allá de los desplazamientos ciertos –por ejemplo, y según los testimonios de quienes lo conocieron, la personalidad del “real” Tango estaba casi en las antípodas del personaje interpretado por Fernán Mirás- la película permitió que muchos jóvenes tuvieran siquiera un primer contacto ficcional con aquella historia.

Además, varias de las canciones que se interpretan en la película –Presente de Vox Dei; El oso, de Moris; Me gusta ese tajo de Pescado Rabioso - comenzaron a circular entre los adolescentes y permitieron desempolvar algunas de las creaciones de los años ´60 y 70.

La actitud de Tango, en la película, es la búsqueda de la verdad y libertad, a costa de rechazar traicionarse a cualquier precio. Verdad y libertad, esas “grandes palabras” usadas y mal usadas tantas veces y que sin embargo son necesidades fundamentales del ser humano. Tango dice que " no sabía hacer nada bien salvo tocar ", pero quizás eso fuese suficiente. Cuando se tiene un objetivo no se necesita ir a otros sitios. Aquí no hay medias tintas para Tango, o se reniega de todo lo renegable o se cae en la traición. Cuando Rosito decide asociarse, su socio sólo piensa en ganar dinero y beneficiar secundariamente a Tango. Después de que este fue despreciado por Tango confiesa a solas con Rosito que “siempre lo hace sentirse como un hijo de puta”. El compromiso de Tango hace también ver a los demás sus miserias antes escondidas por el dinero, la comodidad, o cualquier otra traición. El personaje que interpreta Imanol Arias. Ángel, el prisionero Vasco que se encuentra con Tango en la cárcel. Ángel representa el descenso a las alcantarillas y a las miserias del ser humano, en este caso de Tango. Afrontar directamente las miserias humanas pero también poder liberarse al hacerlo. Con él Tango confiesa que nunca ha tenido padre, que se subía a los trenes y lo buscaba. Él es un perdedor al igual que Ángel que desde que nació no ha tenido
otro camino que el que lo ha llevado a la cárcel. Cuando Ángel se suicida explicando póstumamente que “ ellos me dieron treinta años, yo me di diez.” Lo que también hace es indicarle un lugar en el que al fin podrá estar tranquilo porque todo lo que había hecho hasta ese momento siempre se había torcido a causa de los demás o lo demás, directamente o indirectamente.

Al mismo tiempo la historia de Tango es un símbolo de la situación social de la juventud en una Argentina agitada por aquellas épocas. Su historia está incluida en los ecos de las protestas estudiantiles. Una imagen me parece que fue bien lograda es la de los conciertos. pues el ir a ver a Tango, se hace un pretexto, es un paréntesis en sus vidas, un momento de verdad apartado de las mentiras de " la mierda de la gran ciudad " que hay fuera de la sala.

Junto a la relación que se desarrolla con Mariana se da en paralelo la evolución de Tango. Mariana fue testigo y referente de lo que le va pasando hasta el último paso de su vida, que es el que no tiene otro remedio que dar solo. Mariana es una joven estudiante universitaria de filosofía que procede de otro estrato social distinto al de Tango. Su familia es acomodada y si ella decide enfrentarse a la policía es por unos motivos no idénticos a los de Tango. Aunque quiere a Tango por lo que ella misma confiesa que es ser “la persona mas libre que conoce”, su compromiso es muy grande pero no completo. El límite lo marca Tango cuando le pregunta si tendría un hijo con un “negrito” como él. El silencio de Mariana marca el lugar en el que se queda del viaje. Ella es la última persona que termina por decepcionarle dentro de un universo de gente que renuncia a su humanidad en beneficio de la comodidad. Los universitarios, que poco a poco van renunciando a sus impulsos juveniles de protesta; el personaje de Sbaraglia que de estar intentando captar los momentos que
pasan por su cámara para la eternidad acaba sometido al mundo de la publicidad por dinero; los policías dedicados al abuso de la autoridad y a la
manipulación; los médicos que se dedican a destrozar a Tango buscando problemas físicos dónde hay problemas espirituales; el comisario que no quiere otra cosa más que corromper a Tango convirtiéndolo en un chivato, porque para él esa es la realidad de la vida; los directivos musicales que están empeñados únicamente en conseguir dinero acosta de corromper el trabajo de Tango… Todo esto va completando un universo de traiciones.

Dentro de la trama de la película luego de salir de la cárcel, Tango es mal informado por el personaje de Sbaraglia que no se atreve a decirle que le han destrozado su canción para usarla como hit musical. Tango primeramente se alegra al creer que pese a estar en la cárcel su música, que es lo verdaderamente importante para él, sigue libre. Después de correr hacia la tienda de discos comprueba que han arruinado su trabajo, deformándolo para ser un éxito comercial con otras voces, ritmos y letras. Tango, lógicamente aquí enloquece, y comienza a golpear los “altoparlantes” del centro hasta que es detenido. Le han cerrado su última escapatoria. Esto es un presagio del final.
" El Mandala " es otro de los centros del film. El legado de Ángel. Un lugar físico que en realidad, es un lugar del espíritu. El último recurso para no perderse como persona.

Finalmente lo que queda son unos momentos de eternidad reflejados en la grabación de Pedro(Sbaraglia) que al final de la película se muestra en un flashback. Precisamente en esos momentos Pedro decía que lo que allí quedaba grabado quedaba para siempre. Y eso es lo que finalmente pasó. Unos momentos de eternidad frente a la desaparición final. En lo personal me parece que se obvió mucho de su relación con las drogas que fueron un elemento por desgracia muy importante en la vida de Tanguito, o la muerte que se produjo al escaparse del psiquiátrico y ser arrollado por un tren ( lo cual se muestra en imágenes no explícitas dentro del filme en una forma muy metafórica).

Banda de sonido

Independientemente de la parte artística de la película o su faceta biográfica, lo que mas me gustó fue su banda de sonido, la cual logré importar gracias a Alberto, de MusicBox ( un Argentino que importaba música directamente y por pedido, el cual recuerdo siempre que se sorprendía por el tipo de discos que solíamos encargarle mi Amigo Charly Vitro Rhei y su servidor, no se me olvida el gesto que hizo un día que llevamos 8 discos de Spinetta de un solo ). Este Soundtrack lo escuchamos en mi casa bastante seguido y me hace gracia oir a mi hijo de ocho años cantar " El amor es mas fuerte ".

En la película, Ulises Butrón es la voz de Tanguito en las canciones que éste aparece cantando -interpretado por Fernán Mirás-, entre el las el hit " El amor es más fuerte". Los temas en los que no aparece cantando Tanguito, son "Presente (El momento en que estás)", cantada por Fernando Barrientos y "El oso", cantada por Antonio Birabent, hijo de Moris, su autor, quien también interpreta al personaje como actor.

Hubo complicaciones en la realización del film por la negativa de Litto Nebbia a ceder el tema La Balsa, nombre original con el que se pensaba denominar al film. La negativa de Nebbia a ceder el tema "La Balsa" fue lo que obligó a Piñeyro, a modificar todo el concepto inicial de la película, pasando de ser la biografía de José Iglesias "Tanguito", a una versión libre, sobre un rockero apellidado Cruz, un tipo ético, que iba al frente y con ideas claras... muy distinto al Tanguito original, que era un tipo retraído, sensible pero algo incoherente, que tocaba en una "Cueva". "La idea era mostrar como fueron los 60, no la vida textual de Tanguito" dijo el director. Sin embargo pueden adivininarse algunos "conocidos"... Pipo Lernoud, poeta y fotografo....tiene algo en comun con el personaje de Leo Sbaraglia....que finalmente se dedica al cine publicitario. El manager que siempre los cagaba, y con algunos tics refinados...se lo puede relacionar con Jorge Alvarez...La negativa de Nebbia a ceder sus temas para el film, le dio mucha bronca a Piñeyro, quien aprovechó por endiosar a Tango, y dejar mal parados a los transeros (Nebbias), que "ablandaron" la letra de " El amor es mas fuerte / La Balsa "...

Cuando en realidad todos estuvieron de acuerdo en hacer esa concesión, y Tanguito cobró una gran cantidad de plata por los derechos de autor de un tema del cual solo compuso el primer verso "Estoy muy solo y triste en este mundo de mierda". El resto de la letra y la música la hizo claramente Litto, quien mostró nuevamente su nobleza al incluirlo como autor de una frase feliz e inspiradora.

Al respecto Litto Nebbia declara: " A mí no me convencés de nada con lo que no esté de acuerdo: ni loco iba a participar de un guión así, en el que aparece un personaje con mi nombre sin que me hayan preguntado nada. En realidad, lo que en verdad haría falta acá es que alguien haga una película seria y comercial, en el buen sentido de la palabra, que cuente la historia tal cual como fue. Que se llame La balsa, si quieren, pero que cuente realmente lo que pasó, porque la verdad es que fue una historia muy divertida y valdría la pena contarla bien. Hay anécdotas increíbles de esa época, como cuando Almendra llevó la tapa de su primer disco y los tipos de la compañía les dijeron todo bien, la vamos a poner y, en cuanto se cerró la puerta, tiraron a la basura esa tapa. Después el disco no salía porque no estaba la tapa, y Spinetta la tuvo que dibujar de nuevo a las apuradas. O la época del primer disco de Los Gatos Salvajes, cuando íbamos a la compañía con los pelos largos, a ver si se había vendido un poquito el disco, y el director artístico de la compañía nos decía que no fuéramos tan seguido porque no queda bien que vean gente como ustedes por acá. Dos meses antes del éxito de La balsa, cuando tuvimos que tocar de relleno en un boliche de Barrio Norte y el dueño del boliche nos decía que por favor nos escondiéramos en la cocina porque le arruinábamos el clima, y dos meses más tarde, cuando nos volvimos famosos, el mismo tipo vino a pedirnos autógrafos... La verdad es que, en la canción hispanoparlante, no hay ningún país donde se haya hecho lo que se hizo acá, y hay muchas cosas que realmente pasaron y que se pueden contar, pero nadie se la banca".

No, no eran 4 lucas eran 400 pesos...

"Es una historia larga. Dos años atrás recibí un telegrama de SADAIC que solicitaba mi autorización para que La balsa apareciera en el film. Algo extraño, ya que los procedimientos habituales son distintos. Siempre es la producción, quien, antes de comenzar a rodar, se comunica con el autor de la música a utilizar. Esto no sol se hace por la aprobación artística, sino también para arreglar la parte económica. Traté de comunicarme con los productores para saber de qué se trataba el filme. Recibí los dos primeros libros cinematográficos y encontr que la descripción de la época era inexacta e inflada.

Además aparecía un personaje llamado Litto y un grupo Los Gatos para nada veraces. Por eso me negué a que apareciera el tema y cualquier mención a mi grupo y a mi nombre..." "...intentaron convencerme enviándome a la mamá de Tanguito, una mujer de más de 70 años. El argumento fue que si yo no accedía no iban a pagarle a ella un dinero que habían establecido por usar la biografía de su hijo. Tampoco acepté..." "...cuando me ofrecieron que sólo apareciera en La Balsa cantada por cualquiera no acepté por que querían pagarme 400 pesos Esto es: lo que queda del mínimo autoral impuesto por SADAIC tras descontar un 25% de editorial, el 50% para la madre de Tango y encima los gastos administrativos. Me parece que es muy poco para la canción más vendida del rock nacional..."

Etractado del libro "Tanguito, el amor es más fuerte" de Marcelo Gobello.

Por estos problemas fue que la producción convocó a Ulises Butrón para que compusiera el tema central de la película y a David Lebón para los arreglos de todas las canciones.

Aca dejo este gran disco a 192 KBPS con la tapa, contratapa y la parte interna.

Temas:

01- El amor es mas fuerte

02- Presente

03- El oso

04- Tango feroz

05- Amor de primavera

06- Natural

07- Me gusta ese tajo

08- El amor es mas fuerte

09- California somnolienta

10- Soplando en el viento

11- Hasta siempre

12- Malevaje

13- Bar billares

14- Tema de los padres

15- Tema de tango y pedro

16- Tres razones

17- El Mandala

Descarga Banda Sonora

pass: lacuevadeltopo.com

La descarga de la Película es gracias a la colaboración del amigo erzk0 a Taringa quien la Rippio de la TV

Parte 1

Parte 2

Parte 3

Parte 4

Parte 5

Parte 6

Parte 7

Tanguito es uno de los mitos fundantes más reconocidos del Rock Argentino. Símbolo de los largos “naufragios” y “divagues” creativos, Tango no fue el tipo frontal y decidido que mostró el cine, pero sí un personaje singular, un pibe de barrio con una vida ardua y sinuosa, que dejó una historia atravesada por la leyenda. Personalmente me causó una gran emoción poder observar de nuevo esta película, ya que aca en mi país en niniguno de los videos a los que he ido a buscarla ( muchos por cierto ) se puede conseguir la pelicula para alquilar, igualmente desde hace varios años que la busqué por torrent y tampoco tuve éxito, deseo compartirlas con Uds amigos, se que la van a apreciar y que la Banda Sonora tambien será muy bien reciibida por los lectores del Blog, el cual estrena post en esta nueva etapa.

Videos

Mi agradecimiento y algunos sitios para visitar

REBELDE

Wikipedia

Juham Salvo de Extramuros Año II, No 5

Alejandro Jozami de CineCLub Melies

ERZKO de Taringa

Vito Bratta - una guitarra que desapareció

(El Topo) — Sun, 19 Oct 2008 19:01:00 -0700

Últimamente he tenido muy poco tiempo para sentarme a escribir y en realidad tengo mucho material para ello, esta vez deseo hacer el post a un Guitarrista que se ha considerado un gran virtuoso, por su técnica desarrollada y la forma en que sonaba, desgraciadamente hace rato ya se retiró de la escena y hasta hace oco se volvió a saber de él.

Vito Bratta nace un 1 de Julio del año 1961 en Staten Island, New York, y fue el guitarrista y principal compositor de la banda de Glam Metal White Lion del año 1983 hasta 1992.

En algunos sitios he leído que fue el alumno mas virtuoso que tuvo el Maestro Eddie Van Halen, sin embargo el estilo que Bratta desarrolló ha permitido que por muchas personas y guitarristas sea admirado y considerado como un virtuoso a lo largo del planeta. En el año 1988 la “ Guitar World Magazine “ le otorgó el premio al "Mejor Nuevo Guitarrista".

Originalmente White Lion se formó allá por 1983. Mike Tramp había sido integrante de la banda Danesa Mabel ( 1978 a 1982 ), la cual había triunfado en Dinamarca y España. Luego de cinco discos con este nombre, MABEL cambia su nombre a STUDS y deciden viajar a Nueva Cork, ahí es donde Mike Tramp conoce Vito Bratta quien era integrante de la Banda " Dreamer ". Ambos luego deciden unirse al bajista Felix Robinson y al baterista Dave Capozzi; con ellos consiguieron firmar un contrato con la disquea Elektra Records, y así lograron editar su álbum debut grabado en Alemania, "Fight To Survive" en 1984. Sin embargo, Elektra decide negarse a lanzar el disco aduciéndo que no habían quedado conformes con la producción ( aunque se dice también que otro artista también de Electra, temía que este grupo le trajera problemas de popularidad a su banda y por eso fueron despedidos ). Al final White Lion fue despedido y finalmente la placa fue editada por RCA a fines de ese mismo año en Japón. Fue un año después que el disco vio la luz en EUA gracias al sello independiente Grand Slamm records ( el cual a los pocos meses se fue a la quiebra ). El disco sería finalmente re-editado mundialmente en el año 1992 bajo el sello Music For Nations. Nicki Capozzi y Felix Robinson dejan la banda al poco tiempo. Capozzi fue reemplazado por el batería de Anthrax, Greg D’Angelo, y Robinson fue sustituido por el bajista Dave Spitz (hermano del guitarrista de Anthrax, Dan Spitz). Al mes de unirse a la banda, Dave Spitz deja White Lion para tocar el bajo con Black Sabbath y es reemplazado por James Lomenzo.

A principios del año 1987, White Lion ficha para Atlantic Records ( la cual irónicamente resulta ser un sello hermano de Elektra ) y el 21 de Junio de ese mismo año editan el álbum “Pride”. El primer single escogido del álbum fue el tema “Wait”. Casi de inmediato White Lion comenzó a telonear a Ace Frehley. A lo largo de 1988 siguieron de gira por USA acompañando a bandas como Aerosmith, Ozzy Osbourne, Stryper, Kiss y AC/DC. Mientras teloneaban a estos últimos, el álbum “Pride” y el single “Wait” por fin logran entrar en las listas. A esto ayudo mucho la difusión que hizo MTV de “Wait” la cual llego hasta el puesto 8 en las listas, mientras el álbum “ Pride “ llego al puesto numero 11. Pride permaneció entre los 200 discos mas vendidos a lo largo de todo un año.

En agosto de 1988, White Lion edita el segundo single con el tema “Tell Me” que entro directamente en el puesto 58. White Lion actuó en el Ritz de la ciudad de New York. Al igual que hicieron Guns n’ Roses antes que ellos, el show de White Lion en el Ritz fue filmado y posteriormente fue retransmitido en la MTV. El tercer single del álbum “Pride” fue la balada acústica “When the Children Cry”, El éxito que supuso para la banda “When the Children Cry” incremento de manera espectacular las ventas de su álbum “Pride” que llego a vender mas de 2 millones de copias.

En Agosto de 1989, White Lion lanzan su tercer álbum bajo el titulo de “Big Game” que seguía la línea de su anterior álbum con singles como “Little Fighter”, “Cry For Freedom” y la versión del tema “Radar Love” de Golden Earring. El álbum rápidamente se convirtió en disco de oro pero no llego a tener la repercusión y las ventas de “Pride”.En verano del año 1991, después de pasarse dos años escribiendo y grabando nuevas canciones editan “Mane Attraction” el cuarto y último álbum de la banda el cual fue producido por Richie Zito. Se trataba sin lugar a dudas del disco más redondo de la banda además de ser el más duro. El álbum fue muy bien recibido por los fans pero, desafortunadamente el álbum paso sin pena ni gloria debido a que no eran los mejores años para un heavy metal dominado por la decadencia de bandas como Guns n’ Roses y a la explosión del grunge que le comió el terreno a las bandas hair metal.

Como consecuencia D'Angelo y Lomenzo, abandonaron el grupo, siendo reemplazados por Jimmy DeGrasso y Tommy Caradonna, respectivamente. Pero la suerte de la banda ya estaba definida y ese mismo año le pusieron fin a White Lion. Después de una breve gira para promocionar “Mane Atracción”, Tramp y Bratta decidieron celebrar el último concierto de la banda en la ciudad de Boston en septiembre de 1991.

El grupo tras la disolución ha lanzado dos recopilatorios "The Best Of White Lion" en 1992 "Remembering White Lion: Gratest Hits" en 1999, y Mike Tramp también ha sacado trabajos en solitario: "Capricorn" y "Leftovers", pero no los pongo acá porque me cae como un culo porque se cree el ombligo del mundo, por eso el post es a Vito Bratta y no a este energúmeno.

Luego de la ruptura del grupo, Bratta produjo un álbum para la Banda CPR en Atlantic records, sin embargo luego de eso desapareció literalmente desde 1994. Durante muchos años se especuló la causa de esta desaparición y se argumentan cuestiones como que se había herido una mano y que no podía tocar la guitarra, que su padre tuvo una enfermedad terminal durante mucho tiempo y Vito tomo a su cuidado tiempo completo, en la actualidad vive en la casa de su familia en Staten Island y mantiene un perfil bajo, inclusive hay quienes afirman que lo han visto trabajando en una Pizzería de la Zona la cual pertenece a su familia. En Abril de 2007, Vito Bratta hizo su primera aparición musical pública en mías de 15 años en los shows de los viernes y sábados de L'Amour Reunion Shows en New York. Y ese mismo año aparecio en una entrevista en el programa radial de Eddie Trunk

A fines del 2007 se anunció el regreso de White Lion, y este año salio a la venta "Return of the Pride", del sello Frontiers Records. El trabajo ha sido producido por el vocalista Mike Tramp y el bajista Claus Langeskov, y se grabó durante 2007 entre Australia y Copenhague. Sinceramente sin vito Bratta White Lion no esel mismo, por mas que Tramp haya intentado preservar el sonido de la banda no deja de ser un fenómeno mas de esos que se dan ahora de reciclaje de grupos que desaparecieron y su solo vuelven por plata. A Vito Bratta le deseo lo mejor de la vida y gracias por ser una fuente de inspiración.

Discografia de Vito Bratta con WL

( contraseña cuando se pide: lacuevadeltopo.com )

1984 - Fight to survive

1987 - Pride

1988 - Live at the Ritz ( NY )

1988 - Live in Florida

1988 - Live Richfield Colliseum ( Ohio )

1989 - Live in East Troy parte 1

1989 - Live in East Troy parte 2

1989 - Live in Paris CD 1

1989 - Live in Paris CD 2

1989 - Big Game

1991 - Mane Attraction

1992 - When The Lion Cries CD1

1992 - When The Lion Cries CD2

2007 - The Definitive Rock Collection CD1

2007 - The Definitive Rock Collection CD2

2007 - The Definitive Rock Collection CD3

Demos & Unreleased ( 2CD )

Unreleased 83-85 parte 1

Unreleased 83-85 parte 2

Video de Vito en concierto

vito solo (bootleg)

Broken Heart - 1984

Broken Heart

Vito Bratta – Interview

White Lion - When The Children Cry – STEREO

White Lion – Wait

White Lion - Radar Love

White Lion - Love don't come easy

Fuentes de información links de interés y mi agradecimiento

MySpace de Vito Bratta

Sing365.com

SubNoise.es

Gracias a juandres de Taringa, y a jhamner del foro de White Lion por los links de los discos y a quienes postearon los bootlegs en el foro de 101 guitarristas.

GIT

(El Topo) — Thu, 02 Oct 2008 14:20:00 -0700

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Esta banda la recuerdo, como una de las primeras bandas Argentinas que llegué a escuchar acá en CR. Acá la única banda que se podía escuchar en las radios nacionales era Soda Stereo, pero recuerdo vagamente haber conocido también a VIRUS y GIT, en algún programa de música, de esos que casi nadie escuchaba, cuando el rock en español apenas era un movimiento incipiente acá en Tiquicia. De manera que por ahí en mis viejas cintas recuerdo que andaban algunas piezas como “ Siempre fuiste mi amor “, “Es por amor “ ( que me parece sonó muy poco en algunas radioemisoras pero fue como la más popular por estas tierras ), también “Buenas noches, Beirut “ y “No hieras mi corazón “.

Algunos años más tarde, tuve la oportunidad de conocer bastante más del Rock Argentino, por medio de mi amigo Charly Vitro Rhei, el cual me grabó en un viejo cassette sony el disco “ Primera Sangre “ así como una recopilación de varios otros discos de GIT, los cuales nos acompañaban en las giras de estudio ( eso si en el walkman pues no todos nuestros amigos eran muy aficionados al Rock en español ). Allá por 1994 tuve la oportunidad de traer desde tierras gauchas una recopilación llamada “ El Album “ la cual estuve escuchando un poco en estos días, y que me parece fue lo que me terminó de impulsar a escribir esta nota que tenía unos cuantos meses de andar inconclusa por ahí.

Formación

Pablo Guyot (guitarra y coros)
Willy Iturri (batería y coros)
Alfredo Toth (bajo y voz).

G.I.T. son las iniciales de los apellidos de Guyot, Iturri y Toth. De estos tres músicos Toth era el que tenía una amplia trayectoria pues había formado parte de la mítica banda” Los Gatos” considerada la primera banda de rock en Argentina. Toth, también había militado en la Banda Santa Bárbara y también en Sacramento. Además había trabajado con León Greco en su disco “ Pensar en Nada “ y luego con Nito Mestre y sus Desconocidos de Siempre, con quien grabo tres álbumes.

Por su parte Guyot e Iturri, provenían de Banana, la cual era liderada por Cesar Pueyrredón. Así fue que ambos se unieron con Toth para formar una banda de apoyo para Raúl Porchetto, en la grabación de sus discos “ Metegol “ y “Televisión “.

Hacia 1982, estos músicos entran en contacto con Charly García, el cual había grabado su primer disco solista con Iturri en la batería, y que luego los invitó a integrar su banda del año siguiente junto con Fito Páez, para “ Clics Modernos”. En el medio, Guyot grabó con Miguel Mateos, y Toth estuvo en el grupo Prema, de Piero.

En 1984 los chicos de GIT grabaron su primera placa ( Homónima ) en Ibiza, la cual se convirtió en disco de oro al mes de su edición, para este disco contaron con la producción de Charly García. Los GIT alternaron las presentaciones de este disco con las del bigote bicolor. Los temas "Acaba de nacer" y "La calle es su lugar (Ana)", de la primera placa, los llevó al reconocimiento del público.

El siguiente material, “ GIT II o el Álbum Negro “, salió un año después y la presentación se realizó en el estadio Obras Sanitarias. GIT. realiza varias giras por Chile y Perú, donde presenta sus shows en estadios completos. Actúa en el "Bs. As. Rock & Pop Festival", compartiendo escenario con INXS y Nina Hagen, su disco "Álbum negro", fue también disco de oro y platino en Argentina, Chile y Perú.

Para esta segunda placa contaron con la dirección artística de Gustavo Santaolalla, que más allá de sus laureles con Arco Iris, hacía poco que se había volcado a la producción. El cambio de sonido fue muy criticado por la prensa (la guitarra muy atrás en la mezcla, un bajo insípido y el palangana-sound del tambor) pero se veía que algo sabía el maestro ya que fue el disco más exitoso de la banda, superando las 220.000 copias vendidas.

El tercer disco, "GIT III “ al igual que los anteriores tuvo una gran difusión, "Es por amor", tema destacado de su tercer álbum, considerada entre las mejores canciones del rock argentino y latino, los llevó al éxito, probablemente el primero a nivel continental de un grupo de rock latino moderno, abriendo así un fenómeno internacional que luego sería llevado a su punto más alto por Soda Stereo, Café Tacuba y Maná. El tercer Álbum de la banda, se edita junto con sus dos placas anteriores en toda América Latina, convocando a 25.000 personas en el cierre de la gira de presentación del mismo, realizado en el Estadio Amauta de Lima, Perú.

En 1987 GIT es invitado al Festival de Viña del Mar, y comparten escenario con Christopher Cross y Air Suply, ante 30.000 personas en la Quinta Vergara. Este evento, fue transmitido a más de 32.000.000 de televidentes de habla hispana e hizo que GIT. fuera galardonado con dos Antorchas de Plata.

Para ese entonces los shows en vivo de la banda no diferían mucho uno del otro desde el comienzo de su historia. Se hacía necesario un cambio, fue entonces cuando incorporan a Babú Cerviño (tecladista que sumo sus dedos a propuestas tan disímiles como Tantor, Víctor Heredia y Raúl Porchetto) y cierran un estudio para ellos solos para la elaboración de un nuevo álbum. El proceso de grabación fue muy complicado y se consumieron cerca de 1000 horas para un disco de 8 temas. Este disco fue grabado y mezclado en los estudios Electric Lady por Dave Wittman, quien fuera ingeniero de Led Zeppelin, Billy Idol y Eric Clapton, entre otros. El cuarto material de la banda “ Primera Sangre “ no logró el éxito de los anteriores allá por el año 1988, debido a un desgaste en las relaciones entre los integrantes de la banda que se hacia evidente. Así fue que los chicos de GIT hicieron una pausa. "No fue una despedida, fue un paremos", dijo Iturri, allá por 1989. En esos años, entre 1989 y 1992, los tres se radicaron en Chile.

Hubo un reencuentro para el álbum “ Distorsión “ en el '92, y para varias giras internacionales que concluyeron en Chile y Japón en donde se presentaron en el Teatro Municipal de Hiratsuka. A finales de ese año se otra disolución de la banda por diferencias entre sus integrantes. Para la grabación de Distorsión la banda convocó a Víctor Skorupsky (saxo), Miguel Angel Tallarita (trompeta), Bebe Ferreyra (trombón), Celsa Mel Gowland y Sandra Baylac (coros), Gustavo Díaz (teclados) y a Nito Mestre como invitado especial. Esto fue el adiós de esta banda en forma oficial.

G.I.T. se apoyó siempre en el virtuosismo y talento de sus integrantes, pero los egos personales no permitieron que la banda continuara durante muchos años. En la actualidad G.I.T. esta retornando a los escenarios, pero solo se mantiene Willy Iturri de la formación original.

Discografía

1980 – Raúl Porchetto - Metegol

1981 – Raúl Porchetto - Televisión

1983 – Clics modernos en el Luna Park ( debut de GIT )

1983 – Junto a Charly García En Badía & Cia Canal 13 TV

1984 - Paino Bar Demos

1984 - Charly García - En Vivo En La Feria Del Hogar

1984 – Git

1985 – Git II

1986 - Git III

1988 - Primera Sangre

1992 – Distorsión

1994 – El Álbum ( Recopilación )

1999 – Crucigramas
( pass: gustavoeo.net )

2003 – Oro ( Recopilación )

2004 - Aire De Todos: Antologia 1984/1986

Videos

GIT - La calle es su lugar en vivo

GIT - Es por amor

GIT - Buenas noches Beirut

GIT – Viento Loco

GIT - Aire de Todos

Enlaces interesantes y mi agradecimiento

El Blog de wwxxyyzz

El Blog del Chino Jarkor

Mundo GIT

Gustavoeo

Los sobrinos de Tarantino

El Arcón de los recuerdos

Etiquetas: GIT

John Norum - Una guitarra desde Noruega

(El Topo) — Wed, 01 Oct 2008 00:32:00 -0700

Resultara para algunos extraño este post, pero este músico merece, segun mi concepto, que se hable un poco sobre su trabajo, por varias razones, probablemente resulte un viejo conocido pero a la vez desconocido para la gran mayoría, además de que su técnica para tocar la guitarra me parece bastante buena.

Deseo Aclarar que este post va dirigido a la carrera de John Norum como solista y no como guitarrista de las bandas en que figuró como Dokken o bien: Europa ( si desean música de este último grupo pueden buscar en algún blog de esos que abundan por ahí bajo la etiqueta música para maricas ).

John Terry Norum nace un 23 de febrero allá por el año 1964 en Vardø, Noruega. A temprana edad aprendió a tocar la guitarra, y gracias a "Strange Kind Of a Woman" de Deep Purple, es que decide convertirse en una estrella de rock. Así a temprana edad tambien funda su primera banda llamada “ Dragonfly “. A los 14 años su padrastro consigue que Norum grabe un track con el músico sueco Eddie Meduza, asi es como en un estilo que no era el que inicialmente atraía a Forum, este inicia formalmente en la escena.

En el año 78 Norum ( guitarra y voz ) formó un trío llamado WC, junto al baterista Tony Niermistö ( luego Tony Reno ) y Peter Olsson ( bajo ), a este trío se les uniría Joakim Larsson ( luego conocido como “ Joey Tempest “ gracias a Shakespeare ) quien procedía de la banda “Roxanne “, dando origen así a la banda “ Force “. Larsson había cantado con “ Roxanne “desde que este se encontraba en la escuela ( esta banda empezó con el nombre de Made in Hong Kong y cambiaron luego su nombre a Jet y luego Blaizer antes de Roxanne ) allá por el año 1979.

FORCE grabó algunas maquetas de gran calidad, pero nunca llegaron a grabar un disco. A comienzos de 1981, Force se enfrentó a algunos problemas internos y Peter Olsson abandonó el proyecto debido a que Larsson le había quitado la novia ( jajaja !! eso cuentan los chismes ) .

Su reemplazo en el bajo fue John Levén quien ya había trabajado con la banda anteriormente. El grupo cambia su nombre allá por 1982, cuando deciden participar en el festival "Rock SM", con su nuevo nombre ganaron el festival como mejor grupo y John Norum ganó el título de mejor guitarrista del festival. Luego de este festival tuvieron la oportunidad de grabar un disco siempre y cuando fuera en Sueco, a lo cual el grupo se negó.

El primer disco formal de estudio se llamo Europe, como la banda, y la calidad de sonido era realmente muy mala ya que en esa época, Febrero de 1983, el hard rock en Suecia no estaba bien desarrollado, por lo tanto era casi imposible encontrar a algún ingeniero dispuesto a producir este estilo musical. Sin embargo este disco fue grabado en solamente un fin de semana y llego a vender en pocos meses unas 35 000 copias.

Para Febrero de 1984 ya un año después de su primer disco, sale a la luz: “ Wings of tomorrow “ una placa que fue muy importante para Europe, dado que lograron alcanzar un sonido mucho más simple y depurado. Para la gira de presentación del álbum incorporaron al tecladista de la banda Avalon, Gunnar Michaeli ( Mic Michaeli ), y decidieron despedir del grupo a Tony quien, además de mostrar cierto desinterés, tenía serios problemas para mantener el ritmo con la batería. En su lugar convocaron a Håkan Jan Haugland ( Ian Haugland ) que era bien conocido en Estocolmo por ser el baterista de Trilogy, un grupo que perdió contra Europe durante el concurso Rock-SM.

Norum solamente apareció en los tres primeros discos de Europe, agrupación en la que se mantuvo hasta Noviembre de 1986. Se marcha pues no se sentía satisfecho con la producción basada en teclados de su tercer disco "The Final Countdown", ni con la evidente comercialización a la que apuntaba la agrupación. De esta forma Norum fue reemplazado por Kjell Lôvbom ( Kee Marcello ). Su úlltimo concierto con Europa fue en Amsterdam, el 31 de Octubre de 1986.

Sin sus compañeros de EUROPA Norum graba su primer álbum como solista, Total Control en 1987.

La banda de soporte estaba formada por John Norum y Marcel Jacob ( bajo ), Hempo Hildén (batería ), Göran Edman (vocales) y Mats Lindfors (guitarra y teclados ). “ Total Control" está dedicado a Tommy Östervik, un amigo de Norum quien muriera trágicamente ahogado. Durante la gira de este álbum John Forum conoció a Glenn Hughes

Este mismo año se muda a Estados Unidos para grabar el álbum: “ Up From the Ashes “ junto a Don Dokken, este material salió a la venta en el año 1990. El segundo trabajo en solitario de Norum fue en el disco “ Face the Truth “, con la colaboración de Glenn Hughes, y de Joey Tempest en la pieza “ We Will Be Strong “ , la cual solo se incluyó en la versión europea del disco. En 1995 Norum regresa con un trabajo de solista Another Destination, durante la gira de este álbum Norum Regresa a Suecia y empieza a trabajar en su próximo material Words Away, el cual sale a la venta primero en Japón y hasta el año siguiente en su natal Suecia. Para finales de 1997 Norum regresa a la formación de Dokken para dar soporte al grupo durante la gira tras la salida de George Lynch, para esta época sale en Japón el nuevo material de Norum “ Face It Live “, y al poco tiempo este material se vendió en Suecia con una muy mala difusión.

Los años siguientes suceden una serie de inconvenientes en la carrera de Norum para 1999 se da una efímera reunión de Europa y el grupo brinda un show en la televisión de Estocolmo. Hacia el año 2001 Norum regresa a Dokken luego de la partida de los miembros de la banda, de la formación original solamente quedaban Don Dokken y Mick Brown. Norum se une a Dokken para realizar un tour en EUA con lo mejor de Dokken y al final de la misma grabaría el álbum “ Long Way Home “.

En el 2003, Norum regresa a Europe, grabando el disco “ Start from the Dark “ el cual sale a la venta al siguiente año, luego de que Europa se habia disuelto luego del grave accidente automovilístico que sufrió Ian Haugland en 1992. Además Joey Tempest habia pasado por una profunda depresión, hasta 1995, cuando empieza su pobre carrera solista. Para el año siguiente y en celebración del cumpleaños de Norum sale al mercado la última producción de este músico que se llama “ Optimus “

Es realmente difícil encontrar la música de este guitarrista o mas aun información sobre su carrera por lo que espero que este post sea del agrado de sus fans que como yo lo conocemos a la sombra de dos bandas, en una que fue el cerebro mas que la cara bonita y en otra siempre le cubrió la espalda a su gran amigo Don Dokken. No todo el mundo tiene presente la calidad artística y musical de John Norum, limitándose a conocerlo por el mero hecho de haber sido, haber dejado de ser y volver a convertirse en miembro de la banda sueca Europe.

Discografia

( contraseña para los archivos: elblogdeltopo.blogspot.com o lacuevadeltopo.com)

Total Control (1987)

Live in Stockholm - EP (1990)

Face the Truth (1992)

Another Destination ( 1995 )

Worlds Away (1996)

Face It Live '97 (1997)

Slipped into Tomorrow (1999)

Optimus (2005)

Videos

John Norum

John Norum with Brian Robertson?Killed By Death

John Norum?Unchain the Night Live In Stockholm 2000

Europe Stormwind (Live with John Norum 1987)

John Norum-Memory Pain(Thin Lizzy cover)

John Norum Guitar Solos

Links interesantes y mi agradecimiento

Sitio oficial

El blog de un verdadero FAN

Etiquetas: John Norum

Algunos Videos y Audios sobre Luca Prodan

(El Topo) — Sun, 21 Sep 2008 12:32:00 -0700

Últimamente he tenido poco tiempo para dedicarme al Blog aunque tengo mucho material para publicar, es por esto que una vez mas deseo compartir con uds algunas cosas que son parte de mi colección sobre Luca. No deseo hacer de mi blog un sitio de culto, pero si tuviera que hacerlo Luca seria uno de los personajes que me inspirarian.

Con motivo del 20 aniversario de su muerte se desató un boom por recordar a este personaje, que más que un ícono del rock en Argentina, a mi parecer es un artista que por su aporte y su visión se puede decir que es un personaje de importancia universal. Varios de los lectores del Blog me han indicado de donde se pueden bajar algunos materiales sobre Luca, y con tiempo me dediqué a bajarlos, a verlos y escucharlos, así que ahora deseo compartirlo con uds pues las visitas al blog siguen siendo en parte por los post de Luca y se que a muchos les va a interesar. Por otra parte gracias a quienes se pusieron en contacto con su servidor.

Sumo alla por 1983 foto poco difundida

Acá les dejo los links de descarga

Programa Luca Vive - La Viola ( pass: elblogdeltopo.blogspot.com )

Luca vive - La Viola parte 1

Luca vive - La Viola parte 2

Luca vive - La Viola parte 3

Luca vive - La Viola parte 4

Programa Sumo - Behind the Music ( pass: elblogdeltopo.blogspot.com )

Behind the Music parte 1

Behind the Music parte 2

Behind the Music parte 3

Behind the Music parte 4

Entrevistas a Luca Prodan ( audio mejorado por su servidor )
( pass: elblogdeltopo.blogspot.com )

Entevista Luca Prodan

Presentacion Llegando los Monos DVD

Audio extraido del DVD

Espero los disfruten

Acá les dejo algunos videos

Luca Prodan - Su visión del rock nacional Sumo - Regtest, en el micro estadio de Velez en 1985 SUMO en Stud Free Pub GOING UP THE COUNTRY - LUCA PRODAN (cover de Canned Heat) Luca Prodan... entrevista a Andrea Prodan...

Luca vive !!

Etiquetas: Luca Prodan, Sumo

Algunos audios sueltos de varios grupos de Costa Rica allá por 1997

(El Topo) — Sun, 07 Sep 2008 17:24:00 -0700

Hace varios años que tengo por ahí guardados un gran número de Cassetes de todo tipo de música, en estos días he tenido relativamente poco tiempo para postear algo nuevo aunque tengo material para unos 15 post pero en muchos casos incompleto, sin embargo al revisar de varios cassetes al final terminé por organizar algunos temas que fueron grabados de la Radio ( Radio U Juvenil ) allá por 1996 y 1997, de los grupos puedo decirles muy poco solo que en su momento tuvieron una difusión aceptable en el reducido grupo de rockeros ( la mayoría de la primera o segunda camada que en aquel entonces éramos muy pocos), sin embargo ya para aquel entonces la cantidad de hijos de la tercera camada empezó a aumentar en forma exponencial, precisamente me parece que parte del boom del rock en español que se vivió hacia mediados de los noventa en CR se debió a la difusión del trabajo original de muchos grupos que no tenían recursos para producir, sonar en las radios o distribuir el material, por parte de emisoras como Radio U Juvenil.

Sumado esto a que para esta época grupos como: La Clase, Café Con Leche, Inconsciente Colectivo, Igni Ferroque, 50 al Norte, Gandhi, Sombras de Neón, Bruno Porter, Hormigas en la Pared, Indigo, El Parque, entre otros habían motivado a varios cientos de jóvenes a “ dsalir del garaje " y a lanzarse al mercado de la música a como fuera lugar.

Para esa época ya había varios grupos como: Ares, Luna di Vierto, Sheikit, Garbanzos, Calle Dolores, Password, Portal de Piedra, Zuna, por citar algunos que tenían gran aceptación en los distintos bares y teatros que organizaban conciertos los fines de semana, sin embargo para esta época yo me encontraba algo alejado de la escena por estar terminando mi carrera, además de los 2 trabajos que tenía … como decimos acá: “ la vida del pobre “, por lo cual no preciso muchos detalles ( además de que pasaron mas de 10 años ya ) de los grupos que presento en esta compilación, por lo que cualquier colaboración para con el autor del blog será muy apreciada, sobre todo datos biográficos de los grupos. Esta es la razón por la que estos temas estuvieron cerca de ocho meses el en disco duro sin publicarlos. A continuacion un poco de la hostoria de los grupos que logré compilar a lo largo de estos meses

Luna di Vietro

De lo poco que recuerdo es que en Luna di Vietro estuvo el músico Joseh Icabod quien también ha estado en varios proyectos como: Draconian Incubus, Santa Mafía y Burdel, este grupo grabó un CD en el año 2002 el cual me parece se llamaba “ Luna di Vietro “, luego de esto la banda se disolvió y allá por 2005 se reunieron de nuevo pero no tengo mas noticias de el. Su mayor éxito fue el tema Vórtice. A mi me parecía en su momento el mejor grupo de la época.

Luna Di Vietro – Vórtice

Nostalgia

Este grupo tuvo actividad grabando dos compactos los cales nunca he visto o escuchado: Notagia (1997) y Sëna baá ala bulu (1998), desgraciadamente no puedo precisar mas detalles y brindar más información del grupo.

Calle Dolores

Los inicios de Calle Dolores se dan alrededor de febrero de 1997 en la ciudad de Cartago, Costa Rica, cuando el baterista Fabián (Sapo) y el guitarrista José Coto se conocen y acuerdan reunirse para tocar juntos. Inicialmente se reunieron con algunos amigos de Sapo, que habían tocado con él en alguna ocasión y sin definir un estilo particular, tocaban covers de los grupos más conocidos del momento. Posteriormente, José invitó al saxofonista Bernardo Mata y al percusionista Alejandro Montero (quienes habían tocado con él en un grupo de garage llamado “Set Asalto”) a unirse al proyecto con Sapo, unión que empezó a moldear el estilo del grupo hacia un rock fusionado con ritmos latinos. Siguieron tocando nuevos covers por un tiempo, no obstante, estos nuevos covers eran ya temas de grupos con una propuesta orientada al ska, el punk, el reggae y el rock ‘n roll. Por esa época se une al grupo el bajista Adolfo Bejarano (quién había tocado con Sapo en “Estado Terminal”) y el tecladista Johnatan Salas, completando el sexteto que se presentaría por primera vez bajo el nombre de Calle Dolores. Con esta formación se grabó un demo para promoción radial en los estudios de Radio U, bajo la dirección de Leo León, que contenía cinco temas: Machita Carita, Patria o Muerte, Everybody sabe mucho, Esperanza y Disco Dolores.

Patria o Muerte fue el tema escogido para ser promocionado en esa radio y a solo dos semanas de haberse lanzado ya alcanzaba la segunda posición en la lista de solicitadas del rock nacional. A partir de ese momento, Calle Dolores comienza a dar los primeros pasos en el ambiente underground de Costa Rica, consolidándose poco a poco como una de las principales bandas de dicha escena a nivel nacional, compartiendo en innumerables ocasiones el escenario con bandas importantes como Garbanzos, ModSka, Broca, El Guato, entre otras. Desde el principio la banda fue muy bien recibida tanto por la gente que asistía a los chivos, como por algunos medios ya empezaban a apoyar a bandas con una propuesta diferente.

Poco a poco, Calle Dolores se fue convirtiendo en uno de los grupos que la gente más esperaba en los conciertos por la entrega con la que se presentaban. Así fue como decidieron, a finales de 1997 reforzar la sección de brasses e incluir al trombonista Andrés ¨El Doctor Punky¨ Brenes y a Esteban ¨Chayo¨ Calderón en la trompeta. Con esta nueva formación y para inicios de 1998, se inicia el ambicioso proyecto de grabar una producción completa y poner un CD a la venta bajo sello independiente. La grabación tuvo lugar nuevamente en los estudios de Radio U bajo la producción de Leo León y se tuvo lista para lanzarla al mercado el 18 de octubre de 1998, bajo el título de ¨Simples Frases¨. A partir de este momento Calle Dolores experimenta muchas cosas nuevas y muchos cambios al mismo tiempo. Se produce la salida de Johnatan y de Esteban, dejando al grupo con un formato de seis nuevamente. Durante este ano, el grupo se presenta en muchos lugares nuevos, incluyendo Panamá; participa en eventos importantes, por ejemplo el concierto de Maldita Vecindad y Todos tus Muertos; e integra al guitarrista Humberto Jiménez. Para inicio del ano 2000 y con un nuevo formato de dos guitarras, trombón y sax, batería, bajo y percusión, Calle Dolores empieza a adaptarse a los cambios percibidos en el interior del grupo e inicia una metamorfosis producto de cierta madurez musical. La turbulencia se mantuvo hasta ya iniciado el ano 2000 y produjo la salida de Alejandro. El ano 2000 ha sido en definitiva el mejor ano para Calle Dolores. Se incorporan rápidamente el trompetista Luis Jiménez y el percusionista Marcelo Álvarez, y se vuelve al formato de ocho, nuevamente con sección de brasses completa y ahora con dos guitarras. Con esta nueva cara Calle Dolores participa en importantes conciertos como el Rock Fest, abre a grupos como Resorte de México, reinicia el ciclo de conciertos acústicos de 979 Conexión, incorpora dos temas en el compilado Tikicia Rock, el cual fue lanzado por el sello BMG e incluía dos canciones de nueve de los principales grupos del país. Se comienza la grabación del segundo disco compacto. Este segundo disco se grabo en los estudios Audio Arte en San José y fueron los mismos miembros del grupo quienes se encargaron de la producción del mismo.

Así pues, después de alrededor de dos años del lanzamiento del "Simples Frases", Calle Dolores saca al mercado en marzo del 2001 su nuevo disco titulado: "Pequeña Dosis de Mentira Nacional". El disco se hizo sin pensar en la reacción que el publico podría tener ante el mismo y en el la experimentación es notable. Se mueve a lo largo de un ancho de banda muy amplio delimitado por un lado por la alegría y el ritmo de la música latina como la cumbia y por el otro por la fuerza y la energía del rock pesado influenciado por Adolfo. El 2001 fue un año fructificante en cuanto conciertos y publicidad. Luego de algunos problemas internos , se separan dos integrantes el vocalista y el guitarrista. En cuanto al trombonista la situación fue diferente, por motivos personales no era posible dedicarle tiempo al grupo. Entonces se integran Alejandro Gutiérrez y Pablo Rojas los cuales han sido una inyección de ganas de trabajar una influencia mas que enriquece la fusión de ritmos (ska progresivo??). Calle Dolores trabaja en diferentes proyectos en los cuales esta la grabación del tercer disco.

El 11 de setiembre de 2002, muere Fabián "Sapo" Brenes Rivas, quien luego de luchar mas de dos meses con un problema en la cabeza se vio vencido a la edad de 23 años. Tiempo después, Calle Dolores continuo con Ali Mondol en la batería por un periodo de 2 años antes de que se tomara la decisión de una pausa en la escena nacional. En 2005 y 2006 hubo algunas presentaciones en vivo. En estos momentos Calle Dolores se encuentra ensayando en Audioarte, montando nuevas canciones. Con una base bien definida y trabajando duro como se esta haciendo desde hace bastante tiempo.

Polyfusión

Esteban Gutiérrez, Ricardo Gutiérrez y Genfin Jiménez eran “ amigos del barrio “ y tenían desde hace tiempo la idea de formar un grupo. Los tres aprendieron de forma autodidacta los rudimentos de sus instrumentos. En 1995 Roberto Retana se pone en contacto con Esteban para hacer un grupo ya que sus referencias musicales eran las mismas. Se tomo el nombre de polyfusion para el grupo ya que este era el titulo del una canción del grupo Seefeel y al mismo tiempo el nombre de un sintetizador modular de Korg. En setiembre 1996 tocan su primer chivo junto con un grupo llamado Osmosis. En marzo y abril graban un EP de 6 canciones en los estudios de Radio U en San Pedro. Las 6 canciones fueron grabadas y mezcladas por Leo León, quien grabo coros. Se contó con la participación de Pablo León en los teclados en la canción La Noche.

Temas como La Noche, 100 planetoides y Clones de Luz pasan durante un tiempo por Radio U generando interés entre los oyentes. Poco tiempo después se hacen algunas copias del EP las cuales son vendidas entre amigos y seguidores. En 1997 Roberto Retana sale del grupo y Fernando Ulibarri entra como un guitarrista. Los ensayos y conciertos continúan hasta el 1999. Durante ese tiempo Polyfusion vuelve al estudio para grabar mas temas que formarían un LP junto con los temas grabados en 1997. Este disco no se llevara a cabo.

Ulibarri parte a los Estados Unidos a estudiar música y Esteban se separa del proyecto. Polyfusion desaparece. Ricardo y Genfin forman posteriormente un grupo que se llamara Sensor que luego posteriormente será rebautizado Sensor Trifulcador. Con el tiempo ponen en marcha otro grupo llamado Poper. Esteban actualmente vive en Quebec.

Para uds traté de hacer una selección de los temas por género y logre agrupar las piezas en dos volúmenes, muchas de estas piezas estan entre mis favoritas como Jalame el Hule de Sheikit o Vuelve del grupo Zuna. Espero las disfruten.

Vol 1 ( Ská )

01 - Bizarro – Paquito
02 - Broca - Rabia Pura
03 - Calle Dolores - Patria o Muerte
04 - La Trinidad - Juan Varela
05 - Raza Bronze - Raza Bronce
06 - Tetra - Raza Valiente
07 - Broca - Aqui Estoy (5X4)
08 - Broca - Gusano

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Vol 2 ( Rock )

01 - Luna di Vietro - La Ciudad
02- Polyfusión - 100 Planetoides
03- Sheikit - Jaláme el hule
04- Ritos - El Arpa de su ilusión
05- Zuna – Vuelve
06- Luna di Vietro – Ocaso
07- Nostalgia - Tema de San Pedro
08- Praxis - El Abismo
09- Ritos - No me obligues
10 - Karpediem - Abrigo
11- Estado de Coma - El gnomo rebelde
12 - Luna di Vietro - Punto Muerto

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Enlaces para visitar:MySpace de Calle Dolores

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Etiquetas: Calle Dolores, Compilados, Luna di Vietro, PolyFusión, Raza Bronze, Rock Tico, Sheikit, Zuna

35 años de la partida de J. R. R. Tolkien

(El Topo) — Tue, 02 Sep 2008 17:50:00 -0700

Hoy en la mañana estaba terminando de leer la historia de Aladrion y Erendis que se recoge en el Volumen II de los Cuentos Inconclusos, y de pura casualidad recorde que este genio de la literatura mundial partió hoy hace 35 años de Arda. Decidí pues hacer un post en memoria de este autor a quien admiro y no precisamente porque inspirados en su obra se hicieron tres películas que ganaron varios premios de la Academia.

bXiAT6MOo8E/SL3N4BEC-RI/AAAAAAAAA80/KPT4SfXaKw0/s320/caricatura_tolkien.jpg" style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer; width: 274px; height: 471px;" />John Ronald Reuel Tolkien nace un 3 de enero de 1892, en Bloemfontein, Sudáfrica y fue linguista, escritor, poeta, filólogo y profesor universitario, conocido por ser el autor de las obras clásicas de la alta fantasía.

De 1925 a 1945, Tolkien fue profesor de anglosajón en Rawlinson y Bosworth en la Universidad de Oxford y, de 1945 a 1959, profesor de lenguaje y literatura inglesa en Merton. Era amigo cercano del también escritor C.S. Lewis ( autor de las crñonicas de Narnia ahora famosas tambien por las películas ) y ambos eran miembros de un informal grupo de debate literario conocido como " los Inklings ".

Después de su muerte, el tercer hijo de Tolkien, Christopher, publicó una serie de obras basadas en las amplias notas y manuscritos inéditos de su padre, entre ellos El Silmarillion y Los hijos de Húrin. Estos, junto con El hobbit y El Señor de los Anillos, forman un cuerpo conectado de cuentos, poemas, historias de ficción, lenguajes inventados, y ensayos literarios sobre Arda, y más extensamente sobre la Tierra Media.

La familia Tolkien tenía sus raíces en los ducados sajones que ahora forman el estado de Baja Sajonia en Alemania, aunque había estado afincada en Inglaterra desde el siglo XVIII, adaptándose rápida e intensamente a la cultura inglesa. El apellido Tolkien es la forma anglizada del alemán Tollkiehn, que significa "temerario".

Sus padres eran Arthur Reuel Tolkien y Mabel Suffield, ambos de Gran Bretaña. Recibió el mismo nombre que su abuelo paterno, John, pues en su familia era costumbre llamar así al hijo mayor del hijo mayor. Su tío John que era el mayor de los hijos de John Benjamin Tolkien, solo tuvo hijas, por lo que Arthur decidió llamar a su hijo según la costumbre. Su segundo nombre, Ronald, fue puesto por deseo de Mabel. Reuel, que proviene del antiguo hebreo y que significa "próximo a Dios", era el segundo nombre de su padre.
Siendo un infante fue picado por una tarántula en el jardín de su casa, un evento que tendría paralelos en sus historias. A los tres años, parte de su familia se trasladó a Inglaterra, en lo que debía ser una prolongada visita familiar, mientras su padre permanecía en Sudáfrica. La intención de Arthur Tolkien era la de reunirse con su familia en Inglaterra, si bien murió el 15 de febrero de 1896 de una fiebre reumática. La muerte de Arthur dejó a su familia en una prpecaria situación económica por lo cual Mabel llevó a sus hijos a vivir con su propia familia en Birmingham. Ese mismo año volvieron a mudarse a Sarehole (en la actualidad, en Hall Green), por entonces una pequeña villa de Worcestershire, más tarde absorbida por Birmingham. A Ronald le encantaba explorar el cercano pantano de Moseley y el molino de Sarehole, así como las colinas de Clent y de Lickey, que más adelante inspirarían algunos pasajes en sus obras, junto con otros lugares de Worcestershire como Bromsgrove, Alcester y Alvechurch, y la granja de su tía, Bag End (Bolsón Cerrado), un nombre que utilizaría en su ficción.

Mabel se encargó de la educación de sus dos hijos, siendo Ronald (como era conocido por su familia) un alumno muy aplicado. Su gran interés por la botánica procedía de las enseñanzas de Mabel, que despertó en su hijo el placer de mirar y sentir las plantas. Ronald disfrutaba dibujando paisajes y árboles, pero sus lecciones favoritas eran aquellas relacionadas con los idiomas, puesto que su madre comenzó a enseñarle las bases del latín a tan temprana edad. De esta forma, ya podía leer a los cuatro años, y escribir de forma fluida poco después. De la misma forma, se entretenía inventando sus propios idiomas, como el "animálico" (creación compartida con una prima suya), el "nevbosh" ("nuevo disparate") o el "naffarin", basado en el español.

portada del la primera edicion del Hobbit 1937

En 1900 Mabel se convirtió -junto con sus dos hijos- al catolicismo romano, a pesar de fuerte oposición de su familia, de confesión bautista. En 1904, cuando Ronald tenía doce años, Mabel falleció debido a complicaciones de diabetes en Fern Cottage (Rednal), donde la familia vivía en alquiler. Durante toda su vida, Ronald vivió convencido de que su madre había sido una verdadera mártir a causa de su fe, lo cual produjo una profunda impresión en sus propias creencias católicas. La fe devota de Tolkien fue significativa en la conversión de su amigo ateo C. S. Lewis al cristianismo.

Durante su consecuente orfandad, Ronald y Hilary fueron educados por el padre Francis Xavier Morgan, un sacerdote católico del Oratorio de Birmingham, situado en la zona de Edgbaston de Birmingham. El padre Francis era un sacerdote de origen jerezano que había apoyado moral y económicamente a su madre tras su conversión al catolicismo, y que había enseñado al joven Ronald las bases del idioma español que empleó en la creación de su "naffarin".

Ronald vivió durante su orfandad a la sombra de la torre victoriana de Edgbaston Waterworks y la de Perrott's Folly, que inspirarían las imágenes de las torres oscuras de Orthanc y Minas Morgul de El Señor de los Anillos. Otra influencia notable que recibiera en esta etapa fueron las pinturas románticas medievalistas de Edward Burne-Jones y la Hermandad prerrafaelita, muchas de cuyas obras pertenecen hoy día a una renombrada colección del Museo y Galería de Arte de Birmingham (Birmingham Museum and Art Gallery), que las expuso abiertamente al público desde 1908.

En 1908, a los dieciséis años de edad, Tolkien conoció a Edith Mary Bratt en el orfanato, enamorándose de ella pese a ser él tres años menor. El padre Xavier prohibió a Tolkien encontrarse, hablar e incluso mantener correspondencia con ella hasta que él cumpliese los veintiún años, lo cual el joven obedeció al pie de la letra.

En el verano de 1911 Tolkien viajó de vacaciones a Suiza, un viaje que rememoró en una carta en 1968 de forma aún muy vívida, donde señalaba que el viaje de Bilbo a través de las Montañas Nubladas (incluyendo el "deslizamiento por las piedras resbaladizas hasta el bosque de pinos") está directamente basado en sus aventuras con su grupo de doce compañeros de excursión desde Interlaken hasta Lauterbrunnen, y en su acampada en las morrenas más allá de Mürren.

Después de muchas trabas e impedimentos del padre Francis (que deseaba que Tolkien se centrase en acabar sus estudios de Filología Inglesa en Oxford con honores), por fin la misma tarde del día de su vigésimo primer cumpleaños Tolkien escribió una carta a Edith declarándole su amor y preguntándole si deseaba casarse con él. Ella le respondió que ya estaba comprometida, ya que creía que Tolkien la había olvidado. Reuniéndose bajo un viaducto de ferrocarril, renovaron de nuevo su amor, tras lo cual Edith devolvió su anillo de compromiso y decidió casarse con Tolkien. Tras comprometerse en Birmingham en enero de 1913, Edith se convirtió al catolicismo ante la insistencia de Tolkien, casándose finalmente el 22 de marzo de 1916 en Warwick. Antes de su matrimonio, sus viajes le llevaron a Cornualles, donde, debido al amor que sentía por los paisajes desde la época de su infancia, quedó impresionado por la visión de la singular costa córnica y el mar. Tolkien se graduó con honores en 1915 en el Exeter College de la Universidad de Oxford, con un título de primera clase en idioma inglés, en la modalidad Lingüística Inglesa y Literatura hasta Chaucer. Tras su graduación, Tolkien se unió al Ejército británico que luchaba por entonces en la Primera Guerra Mundial. Se enroló con la graduación de teniente segundo, especializado en lenguaje de signos, en el 11º batallón de los Lancashire Fusiliers (Fusileros de Lancashire), que fue enviado a Francia en 1916. Tolkien sirvió como oficial de comunicaciones en la batalla del Somme hasta que enfermó debido a la denominada fiebre de las trincheras el 27 de octubre, siendo trasladado a Inglaterra el 8 de noviembre. Muchos de sus compañeros de su unidad, así como muchos de sus más cercanos amigos, murieron en la guerra.

Durante su convalecencia en una cabaña en Great Haywood (Staffordshire), comenzó a trabajar en lo que llamó El Libro de los Cuentos Perdidos, comenzando con La Caída de Gondolin. Durante los años de 1917 y 1918 continuó recayendo en su enfermedad, si bien se había restablecido lo suficiente como para hacer tareas de mantenimiento en varios campamentos, ascendiendo así al rango de teniente. Cuando fue destinado a Kingston upon Hull, un día él y Edith estaban caminando por los bosques de la cercana Roos, cuando Edith comenzó a bailar para él en una densa arboleda de cicutas, rodeados de flores blancas. Esta escena inspiró el pasaje del encuentro de Beren y Lúthien, y Tolkien solía referirse a Edith como su Lúthien. Tolkien y Edith tendrían cuatro hijos: El John Francis Reuel, Michael Hilary Reuel, Christopher Tolkien y Priscilla Anne Reuel.

En 1925 regresó a la Universidad de Oxford como profesor de anglosajón en el Pembroke College. Sería durante su estancia en Pembroke cuando Tolkien escribió El Hobbit y los dos primeros volúmenes de El Señor de los Anillos. Tolkien nunca esperó que sus historias sobre ficción se volvieran tan populares, pero fue C.S. Lewis quien lo persuadió para que publicara un libro que había escrito para sus hijos llamado El Hobbit en 1937. Sin embargo, el libro a su vez atrajo a lectores adultos, y se volvió lo suficientemente popular como para la editorial, George Allen & Unwin, por lo que le pidieron a Tolkien que escribiera una secuela a la obra.

Fue en Oxford donde Tolkien entabló amistad con C. S. Lewis, con quien disentía al principio a causa de sus convicciones religiosas, pero que acabó siendo uno de sus principales correctores, junto con los otros miembros del club literario que formaron, los Inklings. Sus miembros se reunían la noche de los jueves en el The Eagle and Child o en la habitación de Lewis para recitar las obras que cada uno componía, así como romances y extractos de las grandes obras épicas del Norte de Europa.

En 1924 nació su tercer hijo, Christopher, quien se encargaría de publicar póstumamente todos los manuscritos que su padre había dejado desparramados por el estudio en su casa de Northmoor Road (y de donde saldrán principalmente El Silmarillion, el Libro de los Cuentos Inconclusos y La Historia de la Tierra Media [el término "Tierra Media" hace alusión directa a Midgard, uno de los siete espacios en que se divide el mundo habitable según el Völuspa). Cuatro años después, en 1929, nació su hija Priscilla (con la que viajó a Venecia, a la que comparó en encanto con la ya mítica Minas Tirith, la ciudad capital del Reino de Gondor).

Desde su adolescencia, Tolkien había empezado a escribir una serie de mitos y leyendas sobre la Tierra Media, que más tarde darían lugar al Silmarillion - previamente denominado "El Libro de los Cuentos Perdidos" (echaba en falta en su país una mitología del carácter de la griega, por ejemplo, y se proponía inventar "una mitología para Inglaterra"). Se supone que dichos relatos se inspiraron en un cuento publicado en 1927 por E. A. Wyke-Smith titulado El Maravilloso País de los Snergs (también el Kalevala finlandés, las sagas norsas y, en general, un poco de toda la mitología europea de cualquier origen).

En 1957 Tolkien viajaba a Estados Unidos para recibir títulos honoríficos de las principales universidades, como Marquette (donde hoy en día se conservan los manuscritos originales de sus obras) y Harvard, entre otras, pero el viaje tuvo que suspenderse (Edith cayó enferma). Tolkien se retiró dos años después, en 1959, de su cargo en Oxford. En 1965 salió la primera edición de El Señor de los Anillos en Estados Unidos. En 1968, la familia Tolkien se trasladó a Poole, cerca de Bournemouth, después de la muerte de Edith. El 29 de noviembre de 1971 Tolkien volvió a Oxford.

Doctor honoris causa por varias universidades (Nacional de Irlanda, Oxford,). Vicepresidente de la Philological Society, miembro de la Royal Society of Literature. Cuatro años antes de su muerte, a los 81 años de edad, en 1969, la reina Isabel II le otorgaría la Cruz del Imperio Británico. En su honor se fundaron, en primer lugar, la Mythopoeic Society norteamericana, y la Tolkien Society británica, y decenas de Sociedades Tolkien por todo el mundo.

La tumba de Tolkien y Edith, situada en el cementerio de Wolvercote, en Oxford, presenta los nombres de "Beren" y "Lúthien", nombres extraídos de la famosa leyenda incluida en el Silmarillion acerca del amor entre estos dos seres de diferente naturaleza y del robo, por parte de la doncella elfa Lúthien y el valiente mortal Beren, de uno de los Silmarils (las piedras preciosas forjadas por el orgulloso y arrogante así como superdotado noldo Fëanor con la luz de Laurelin y Telperion, los Árboles de Aman creados por Yavanna); éste fue extraído de la corona de hierro de Morgoth (o Melkor), el Vala renegado que desafió a Eru el Único durante la Ainulindalë, la Música de los Ainur, y toda la Primera Edad del Sol.

Con esta pequeña referencia que encontré por ahi deseo resumir un poco la vida de este gran autor, rewcuerdo mi primer contacto con el mundo de Tolkien alla por 1992, cuando un mi amigo René Menjívar me recomendó y me prestó un libro que nunca iba a olvidar, y que se ha convertido en mi libro de cabecera " El Hobbit ". Así fue como soltero y con trabajo estable, mes a mes iba adquiriendo la obra de Tolkien que por primera vez se editaba al Castellano gracias a la editorial Minotauro. Ya para el año 1994 tenía en mi coleccion de libros El simarillion, El Señor de los Anillos ( los tres volúmenes ) y los apéndices, el Hobbit, los Cuentos Inconclusos y Egidio el Granjero de Ham, la hoja de Niggle y el Herrero de Wootoon Mayor. Recuerdo como luego mi esposa también se interesó al conocerme en la obra de Tolkien y actualmente podemos conversar ampliamente y con regularidad sobre muchos detalles del Hobbit y el Señor de los Anillos ( más alla de los que permite ser admirador de las películas de Peter Jackson ).

Trataré de compartir más adelante las versiones animadas del Hobbit ( de Arthur Rankin Jr. y Jules Bass de 1977 ) también de 1980 El retorno del Rey, hecha también en dibujos animados, y que pretendía ser una continuación de la película " El señor de los Anillos " de Ralph Bakshi de 1978, que fuera producida por Saul Zaentz y escrita por Peter S. Beagle. Pero en este momento dispongo de poco tiempo y eso require mucho trabajo.

De momento deseo compartir con uds parte de mi colección personal digital del trabajo de Tolkien, empezando por una compilación de diversos mapas que he venido coleccionando a lo largo de muchos años, entre ellos mapas de ARDA, Beleriand, Tierra Media, Númenor y otros lugares mas creados por Tolkien en su imaginación

Descargar Mapas de JRR Tolkien 01

Descargar Mapas de JRR Tolkien 02

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Igualmente deso compartir los libros y otros docuemtnos escritos por Tolkien que tengo en formato PDF, estan todos comprimidos en un solo archivo.

Descargar todos Libros de JRR Tolkien

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Libros

Apéndices
Arbol y hoja
Athrabeth Finrod Ah Andreth ( la Conversación de Finrod y Andreth )
Cuentos Inconclusos de Numenor y la Tierra Media
El Herrero de Wootton Major
El Hobbit
El libro de los cuentos perdidos
El retorno del Rey
El Silmarillion con apéndices
Juramento de Feanor
La Comunidad del Anillo
La Historia de Beren y Luthien
La Hoja de Niggle
Las Aventuras de Tom Bombadill
Las Dos Torres
Los hijos de Hurin
El Silmarillion
Sir Gawain y el Caballero Verde

otros Documentos

Carta Milton Waldman
Ensayo sobre los Cuentos de Hadas
Fragmentos de cartas a su hijo Christopher
Sobre el fracaso de Frodo y otros temas de El Señor de los Anillos
Enciclopedia Tolkien

Poemas

EL APRENDIZ ALVIN Y EL ARADO INSERVIBLE
Namarië

Lo mismo que una serie de imágenes ( muchas de Allan Lee o el mismo Tolkien ) que tengo en un sitio en línea desde 1997.

Descargar imágenes del mundo creado por Tolkien
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Videos

J.R.R. Tolkien reciting "Namárië"

John Tolkien on "The Hobbit"

John Ronald Reuel Tolkien - documentary 1 / 2

John Ronald Reuel Tolkien - documentary 2 / 2

Dedico este post a mi amigo y hermano Franklin Aguilar ( fiel lector y estudioso de la obra de Tolkien ), a mi otro Hermano Charly Vitro Rhei, y a todos los que como yo lloraron sin explicación alguna cuando fueron a ver la trilogía al cine, en escenas en que no habia motivo para llorar ( más que ver plasmadas las imágenes que antes solo existian en la imaginación del lector )

Etiquetas: Tolkien

Llena tu Cabeza de Rock

(El Topo) — Sun, 31 Aug 2008 21:46:00 -0700

En realidad resultó mucho más complejo de lo que crei el hacer un post para los discos recopilatorios de: “ Llena tu cabeza de Rock “, empezando porque la calidad del cassete que tengo ya denota el paso de los años ( 25 años ), por lo que no me fue posible rippear la compilación a formato digital y que quedara aceptable, además de que no es la misma version la que circuló en varias partes de hispanoamnérica por lo cual mis disculpas por los datos que pueden no coincidir de país en país, sin embargo, dado que en las últimas semanas muchos de los visitantes del blog buscan información directa de estos discos, es que realicé una búsqueda minuciosa en la WEB del tema. En orden cronológico estos son los discos

" Llena tu cabeza de rock 1983 “

LADO A

1 MEN AT WORK • Down Under
2 BILLY JOEL • Allentown
3 TOTO • Rosanna
4 JOURNEY • Open Arms
5 SANTANA • Hold On
6 NINA HAGEN • Smack Jack
7 ADAM ANT • Goody Two Shoes

LADO B

1 ASIA • Heat Of The Moment
2 AFTER THE FIRE • Der Kommissar
3 SHAKIN' STEVENS • You Drive Me Crazy
4 SAGA • Wind Him Up
5 JUDAS PRIEST • You've Got Another Thing Comin'
6 REO SPEEDWAGON • Keep The Fire Burnin'
7 LOVERBOY • Working For The Weekend

“ Llena tu cabeza de rock 1984 “

LADO A

1 THE ROMANTICS • Talking In Yor Sleep
2 BONNIE TYLER • Total Eclipse Of The Heart
3 BILLY JOEL • Uptown Girl
4 NENA • 99 Red Ballons (English Version)
5 MEN AT WORK • It's A Mistake
6 THE POLICE • Every Breath You Take

The Romantics - Talking in Your Sleep

LADO B

1 QUIET RIOT • Cum On Feel The Noize
2 SUPERTRAMP • Crazy
3 BOB DYLAN • Neighborhood Bully
4 GO-GO's • Vacation
5 STYX • Mr. Roboto
6 ELECTRIC LIGHT ORCHESTRA • Rock 'N' Roll Is King

Mr Roboto - Styx

Descarga “ Llena tu cabeza de rock 1984 “

" Llena tu cabeza de rock 1985 “

LADO A

1 BRUCE SPRINGSTEEN • Dancing In The Dark
2 SCANDAL featuring PATTY SMYTH • The Warrior
3 STEVE PERRY • Oh Sherrie
4 BONNIE TYLER • Here She Comes
5 DON HENLEY • The Boys Of Summer
6 BRYAN ADAMS • Run To You

Scandal feat. Patty Smyth - The Warrior

LADO B

1 CYNDI LAUPER • Money Changes Everything
2 REO SPEEDWAGON • Can't Fight This Feeling
3 TOTO • Stranger In Town
4 QUIET RIOT • Mama Weer All Crazee Now
5 SANTANA • Say It Again
6 WHAM! • Wake Me Up Before You Go-Go

Toto - Stranger In Town Video

Descarga " Llena tu cabeza de rock 1985 “

" Llena tu cabeza de rock 1986 “

LADO A

1 THE ROLLING STONES • Harlem Shuffle
2 THE CLASH • This Is England
3 THE FABULOUS THUNDERBIRDS • Tuff Enuff
4 BONNIE TYLER • Holding Out For A Hero
5 HOOTERS • And We Danced
6 CHARLY GARCIA + PEDRO AZNAR (TANGO) • Angeles y predicadores

THE ROLLING STONES • Harlem Shuffle

LADO B

1 SURVIVOR • Burning Heart
2 JUDAS PRIEST • Turbo Lover
3 OZZY OSBOURNE • Shot In The Dark
4 BANGLES • Manic Monday
5 JOURNEY • Be Good To Yourself
6 RPM • Radio Pirata

BANGLES • Manic Monday

"Llena tu cabeza de rock 1987 “

LADO A

1 ROGER WATERS • Sunset Strip
2 BILLY IDOL • Don't Need A Gun
3 THE THE • Infected
4 MASON RUFFNER • Gypsy Blood
5 THE OUTFIELD • Your Love
6 PAUL YOUNG • Some People

Roger Waters - Radio KAOS - Sunset Strip

LADO B

1 EUROPE • Rock The Night
2 PSYCHEDELIC FURS • Shock
3 SPANDAU BALLET • Fight For Ourselves
4 REO SPEEDWAGON • That Ain't Love
5 THE HOUSEMARTINS • Happy Hour
6 BEASTIE BOYS • No Sleep Til Brooklyn

Europe - Rock the night

Sin embargo al parecer luego se realizaron algunas compilaciones o reeediciones en formato dos volúmenes con CDs Dobles

VOL. 1 CD 1

1. Santana - Winning
2. Toto - 99
3. Electric Light Orchestra - Last train to London
4. Paul Young - Every time you go away
5. Shakin Stevens - You drive me crazy
6. Bangles - Walk like an egyptian
7. Ram Jam - Black Betty
8. Kansas - Dust in the wind
9. The Outfield - All the love in the world
10. Journey - Don`t stop believin'
11. The Byrds - Mr. Tambourine man
12. Europe - The final countdown
13. Red Bone - Come and get your love
14. Reo Speedwagon - Keep on loving you
15. Ment at work - It's a mistake
16. Blood, sweat & tears - You've made me so very happy

Everytime You Go Away (Paul Young)

VOL 1 CD 2

1. Steve Perry - Oh sherrie
2. Toto - Africa
3. Cyndi Lauper - Girsl just wanna have fun
4. The fabulous thunderbirds - Tuff enough
5. Blue Oyster club - (Don't fear) The reaper
6. Men at work - Who can it be now?
7. Meat loaf - Two out of three ain't bad
8. Roy Orbison - Pretty woman
9. Boston - More than a feeling
10. Bonnie Tyler - Here she comes
11. Christie - Yellow river
12. Santana - Europa (earth's cry, heaven smile)
13. Pacific gas & electric - Are you ready?
14. Cheap trick - Don't be cruel
15. Scandal featuring Patty Smith - The warrior
16. Van Morrison - Brown eyed girl

Men at work - Who can it be now

VOL 2 CD 1

1. Men at work - Down under
2. Boston - Don't look back
3. Ten sharp - You
4. Santana - Evil ways
5. Cheap trick - The flame
6. The byrds - My back pages
7. Donovan - Mellow yellow
8. Journey - Open arms
9. Wham - Wake me up before you go
10. The outfield - Your love
11. Toto - Pamela
12. Electric Light Orchestra - Rock and roll is king
13. Big Brother and the Hlding Company - Piece of my heart
14. Edgar Winter Group - Frankenstein
15. Warrant - Cherry pie
16. Kenny Loggins - Footloose

Kenny Loggins – Footloose

VOL 2 CD 2

1. Electric Light Orchestra - Livin' thing
2. Judas Priest - Breaking the law
3. Bad english - When I see you smile
4. Raiders - Indian reservation
5. Reo Speedwagon - Can't fight this feeling
6. Johnny Winter - Jumpin' Jack flash
7. Albert Hammond - I'm a train
8. Journey - Who's crying now
9. Blood, sweat & tears - Spinning wheel
10. Boonie Tyler - Holding out for a hero
11. Europe - Carrie
12. Bangles - Manic monday
13. Ted Nugent - Land of a thousand dances
14. Nena - 99 luftballons
15. Alice - Hey stoopid
16. Billy Joe Royal – Hush

Nena - 99 Luftballons

para terminar aparecen también otras dos ediciones en CD que no son los mismos anteriores, de las cuales consegui algunos tracks en descarga directa

1986 - Llena tu cabeza de Rock

1 - Laura Branigan - Self control
2 - Belinda Carlisle - Heaven is a place on earth
3 - Donna Summer - This time i know it’s for real
4 - Rick Astley - Never give you up
5 - Ryan Paris - La dolce vita
6 - F.R. Davis - Words
7 - Desireless - Voyage, Voyage
8 - Sandra - Maria Magdalena
9 - Michael Cretu - samurai (did you ever dream)
10 - Animotion - Obsession
11 - Scotch - Disco Band
12 - Sandy Marton - People from Ibiza
13 - Babys Gang - Happy song
14 - Miko Mission - How old are you
15 - Taylor Dayne - Tell it to my heart
16 - Mike Oldfield - Moonlight Shadow
17 - Boystown Gang - Can’t take my eyes of you
18 - Gloria Gaynor - Gloria
19 - The Romantics - Talking in your sleep
20 - Cutting Crew - (I just died) in your arms

Belinda Carlisle - Heaven Is A Place On Earth (Live '87)

Descarga "1986 - Llena tu cabeza de Rock "

Llena Tu Cabeza De Rock Vol 2

1 - UB40 - Rat In The Kitchen
2 - Falco - Rock Me Amadeus
3 - Peter Gabriel - Sledghammer
4 - Roxette - The Look
5 - Matt Bianco - Yeah, Yeah
6 - Stephan - Lets Dance
7 - A-Ha - Take On Me
8 - Phil Collins - Dont lose my Number
9 - Tina Turner - What You Get Is What You See
10 - Starship - We Build this City
11 - Dire Straits - Money For Nothing
12 - Van Halen - Jump
13 - M Jaggewr & D Bowie - Dancing in the Street
14 – AC/DC - You shook me all the Night
15 - Guns N Roses - User to Lover
16 - The Romantics - Talking in your Sleep
17 - Jazzy Mel - Fue Amor
18 - Gtechnotronic - Get Up
19 - Dj Bravo - La Casa Latina
20 - Franchesco Salvi - Taxi
21 - Franchesco Salvi - E Da Postare La Maccina
22 - Rocco Granata - Marina
23 - Erasure - Oh l Amour
24 - Misty 10 - Ritmo de la Noche
25 - Kon Kan - I beg you pardon
26 - Men Without Hats - Pop goes to World
27 - Culture Club - Miss Me Blind + It's A Miracle
28 - Chaka Khan - I Feel For You
29 - Phil Collins - Easy Lover
30 - Robert Palmer - I Didnt Mean To Turn You On
31 - Prince - Party Man
32 - Whitney Houston - I Wanna Dance With Somebody
33 - Whitney Houston - How Will I Know
34 - Inxs - What You Need
35 - Daryll Hall & John Oates - Out Of Touch
36 - Cindy Lauper - Girls Just Want To Have Fun Tonight
37 - Spagna - Call Me
38 - Howard Jones - Things Can Only Get Better
39 - The Cure - Hot Hot
40 - Leon Haywood - Don't Push It
41 - Kool & The Gang - Get Down On It
42 - Jimmy Cliff - Raeggae Nights
43 - Kurtis Blow - Rappin Delight
44 - Queen - Another One Bites The Dust
45 - Eric Clapton - Cocaine
46 - Toto - Hold the Line
47 - Nina Hagen - New York, New York
48 - Lionel Richie - All Night Long
49 - Five Young Canibals - She Drives Me Crazy
50 - Nu Shooz - I Cant Wall
51 - Madonna - Holliday

Falco - Rock me Amadeus

DIRE STRAITS "Money for nothing"

Howard Jones - Things can only get better

Descarga " Llena Tu Cabeza De Rock Vol 2 "

Agradezo a las siguientes personas por la información

Chapitas

Rafael Torres

Chilipis de yahoo y todos quienes le colaboraron con la respuesta

Comeyuca de ImperioMetal

Etiquetas: Compilados, Llena tu Cabeza de Rock

Michael Hedges ( el Paganini de la guitarra )

(El Topo) — Fri, 29 Aug 2008 02:09:00 -0700

I’m not trying to play the guitar. I’m trying to play music…. Michael Hedges

Fue más o menos a los 15 años que empecé a tocar la guitarra, en forma completamente autodidacta e influido por algunas viejas piezas del cancionero que publicaba algún periódico nacional allá por el año 86.
Una de las razones era llevarle la serenata de sus 15 años a una compañera del Colegio, Silvia Acuña, la cual dudo que incluso recuerde que le llevamos esa serenata, también recuerdo haber recibido instrucciones para hacer dos o tres acordes por parte de mi papá, quien a pesar de que lo he visto pocas veces en mi vida con una guitarra y definitivamente no es rockero, le agradezco la vena musical ( mi tío paterno es un muy buen guitarrista en guitarra española ), aunque por el lado de mi mamá hay sin discusión otra parte que me alimentó el espíritu de músico. Así fue que sin más maestro que el radio y mis discos y cassetes empecé a sacar de oído aquellas melodías que me llegaban más, estando a los pocos años en mi repertorio Queen, Def Leppard, Led Zeppelin, Pink Floyd, Dire Straits, entre lo que solía acompañar. Para ese entonces mi primo que es músico ya había iniciado también sus pasos en la guitarra, y recuerdo como juntos solíamos tocar algunas piezas clásicas de Rock ( mucho progresivo ), como “ Roundabout “ de “ Yes “ y “ Im gonna find my way home “ de Jon & Vangelis, también “ The Wall “ de Pink Floyd y recuerdo que solíamos hacer un cover muy bueno de “ Stairway to Heaven “ de Led Zeppelin ( la canción que todo rockero cree saber tocar ).

No recuerdo concretamente cuando o porqué, pero me parece que un viejo amigo de la familia “ Max Polini “ quien entre sus múltiples facetas ( además de rockero ) era ingeniero de sonido, fue quien llevó en algún momento ( como solía hacer ) algún CD de algún artista que era un completo desconocido pero que merecía la pena escucharse, creo que ese fue mi primer contacto con Michael Hedges ( me parece que a través de mi primo quien era el que tenía la responsabilidad de guardar los CD o los extraños cassetes de níquel - metal que casi siempre Max dejaba en casa de mi Abuela.).

Así que de esta manera cuando la internet no pensaba siquiera asomarse al mundo ya conocía a este virtuoso de la guitarra, que junto a Yngwie Malmsteen, Steve Vai, Vitto Bratta y Joe Satriani, figuran entre mis ídolos de culto. Recuerdo que el primer disco que oí de Hedges fue el Aerial Boundaries de 1984, que sigue siendo uno de mis favoritos, también recuerdo el Live On The Double Planet de 1987, esto es parte de mi influencia en la faceta New Age, de la cual me defino admirador pero definitivamente no me considero un “ hijo de la era de Acuario “.

Michael Hedges nació en California un 31 de diciembre de 1953. Desde niño mostró sus habilidades con este instrumento que aprendió a tocar en el sexto grado y que le llevó a formar su primera banda un par de años más tarde. Hedges fue un guitarrista acústico principalmente instrumental, cuya música se podría catalogar entre “ New Age “ y “ experimental “. Como dije anteriormente Hedges llegó a mí en la época en que estaba empezando en la guitarra y literalmente me voló la cabeza. Nunca habría pensado que una guitarra acústica pudiera sonar de esa manera, golpeando y pellizcando, las cuerdas con ambas manos sobre el diapasón. Al mismo tiempo, me parece que tuvo una influencia rockera pues siempre mostró esta faceta, especialmente al escuchar covers de Bob Dylan, Frank Zappa y The Beatles.
Evidentemente Joni Mitchell y Neil Young son dos influencias en Hedges, y se dedicó en sus primeros años al tocar en bares y pubs a hacer covers principalmente de ambos autores.

Aunque tenía una gran voz la mayor parte de su trabajo es instrumental. Definir la música de Michael es difícil. Él mismo le buscó rótulos como “heavy mental”, “acoustic thrash”, “wacka-wacka”, “new edge”, “edgy pastoral”, “savage myth”, “deep-tissue gladiator guitar”....

Como menciona el amigo, Renzo Rodríguez: “ el espíritu de un guitarrista, sin embargo, a veces, como elegido distinguido del tiempo, viene a dar con la música cierto individuo que no crea melodías para la guitarra, sino bellas canciones instrumentales y al ejecutarlas en esta, cambia todo para todos, este era el caso de Michael Hedges, quien no era un guitarrista sino un compositor enamorado del instrumento”.

Prácticamente toda su obra para guitarra la compuso en afinaciones no convencionales, usando, en todas ellas, técnicas complejas como los armónicos y el Tapping ( que suele hacerlo con ambas manos ). Aparte de la guitarra acústica normal, también compuso temas con guitarras harpa. Además, tocaba otros instrumentos, como el piano, percusión en general, el tin whistle, la armónica y la flauta traversa ( por cierto tiene una excelente versión del Boureé de Jethro Tull ), sin embargo lo mejor de Hedges es que llevó el concepto de lo que se puede hacer con una guitarra acústica más allá de lo que se hubiera podido imaginar, similar a lo que en su época hiciera en la guitarra eléctrica Jimi Hendrix.

Hedges es conocido por el uso de dos técnicas de golpeo con las dos manos. Usaba los dedos de su mano derecha (normalmente pellizcando) para golpear “cuerdas” armónicas en los trastes 12, 7 ó 5 (o en cualquier otra parte). Utilizó la mano derecha para los golpes, especialmente en las notas bajas, y a menudo usó la mano izquierda para golpes o pulsaciones melódicas o rítmicas, así como rasgueos poco usuales, que resultaban en voces independientes en la mano derecha. Estas técnicas tendían a convertir la guitarra en un instrumento casi de teclas para ciertos propósitos musicales. También hizo amplio uso del amortiguado de cuerdas, como se usa en la guitarra clásica, y era conocido por la insistencia en la duración exacta de los sonidos y los silencios en sus piezas. Otras facetas de su interpretación era el golpeo de percusión en la caja de resonancia de la guitarra y el amplio uso de armónicos artificales. También utilizó variantes de la guitarra como la Guitarra Arpa (un instrumento con las cuerdas del bajo añadidas, que Hedges usaba para tocar el Preludio a la Suite 1 para Cello en G Major de Bach, en la escala en que se compuso), y la guitarra Trans-Trem Guitar (una guitarra que mantiene las seis cuerdas en el tono durante el trémolo, desarrollada por Steinberg - Hedges la usó en su disco Taproot).

La carrera de Hedges empezó en su natal Oklahoma, empezó estudiando y tocando varios instrumentos antes de la flauta traversa y la guitarra, su mentor fue E. J. Ulrich. Ahí obtuvo su grado en composición en el Conservatorio de in Baltimore, y también empezó a mostrar interés en la música electrónica, lo cual lo llevó a la Universidad de Stanford. Michael Hedges fue “ descubierto “ por William Ackerman que le escuchó tocando en un café de Palo Alto (el antiguo Varsity Theater) y le contrató inmediatamente (1980). Durante varios años Hedges hizo giras y tocó con Ackerman. También apareció en diversos discos de Ackerman. En correspondencia William Ackerman produjo los dos primeros discos de Hedges.

Los dos primeros discos que grabó Michael Hedges - Breakfast in the Field y Aerial Boundaries - fueron hitos de la guitarra acústica. Depués se orientó a la canción y la interpretación de formas más populares de música, aunque periódicamente solía volver a música más centrada en la guitarra. Su disco Oracle ganó en 1998 el Grammy al mejor disco de New Age. Hedges era un multiinstrumentista, que tocaba el piano, la percusión, la chirimía (o flauta irlandesa), la flauta, la harmónica entre otros instrumentos en sus discos. El bajista Michael Manring contribuyó en muchos de los discos de Michael.

Muchos guitarristas acústicos aseguran tener un gran espectro de influencias y que no encajan en género alguno, pero esto era más cierto que nunca en el caso de Hedges. Su educación musical era fundamentalmente en la composición del siglo XX. Escuchaba a Leo Kottke, Martin Carthy, John Martyn, y The Beatles, pero su acercamiento a la composición debía mucho a Stravinsky, Varèse, Webern, y a compositores experimentales como Morton Feldman. Él se veía a si mismo como un compositor que tacaba la guitarra, más que un guitarrista que componía música.

Hedges murió trágicamente un accidente automovilístico al derrapar su auto en un barranco, su cuerpo fu hallado días despues en Mendocino County, California el 5 de diciembre de 1997

La música de este artista es bastante difícil de conseguir, y en mi caso la discografía la obtuve casi en su totalidad de mi Hermano David que es músico y que gracias a Dios tiene buen gusto, a el le agradezco su colaboración para este post.

Discografía

( los archivos con contraseña se descomprimen con: elblogdeltopo.blogspot.com )

1981 - Breakfast In The Field

1984 - Aerial Boundaries

1986 - Watching My Life Go By

1987 - Live On The Double Planet

1990 - Taproot

1993 - Strings of Steel

1994 - The Road To Return

1996 - Oracle

1999 - Torched

Videos

Michael Hedges - All Along the Watchtower

Michael Hedges - Aerial Boundaries

Michael Hedges and Will Ackerman - Hawkcircle

Michael Hedges - Jitterboogie

Michael Hedges - Face Yourself

Michael Hedges - Breakfast in the Field

Michael Hedges Interview

Mi agradecimiento y sitios para visitar

Sitio Oficial de Michael Hedges

Frogmen

Angel

Renzo Rodríguez

Wikipedia

Harp Guitar Player of the Month

Etiquetas: Michael Hedges

Primera Generación Records - 1997 - Fragmentos de Conciencia

(El Topo) — Fri, 22 Aug 2008 11:59:00 -0700

Giácomo Paolo Buonafina Aguilar

Es quizá uno de los actores más reconocidos por los amantes del cine guatemalteco, pues ha intervenido en varias propuestas: Donde acaban los caminos (2002), de Mario Monteforte Toledo, Los entremeses cervantinos (2003), bajo la dirección del mexicano Óscar Ulises Cansino y Las cruces... poblado próximo (2004) Buonafina también ha sobresalido en el arte de las tablas. Obras como Clitemnestra ha muerto (Afredo Porras Smith, 1993), Reto, La gran noche del mundo y La herencia de Alvarado, de Luiz Tuchán, le otorgaron, sin duda, una experiencia actoral que ha sabido explotar.

Buonafina se desempeñó como productor musical; ahora posee la versatilidad de actuar y encargarse del sonido de algunas cintas o documentales. Giácomo colaboró en un documental del médico venezolano Jacinto Convit, quien descubrió la cura contra la lepra, titulado El secreto de los volcanes, que tenía como objetivo demostrar los resultados de la investigación de este especialista sobre el paliativo para la Leishmaniasis o papalomoyo (una enfermedad parasitaria transmitida por la picadura de una mósca flebótoma).

Sin embargo el objetivo de este post es presentar una Recopilación de Rock Centrooamericano que Buonafoni presentó allá por 1997.

Rock e irreverencia

La incursión musical de Buonafina fue al inicio de la década de los 90. Lo hizo como productor e ingeniero de grabación, con Primera Generación, su propio estudio, con el que supo ganar un nombre y un espacio como figura independiente en el medio musical. Luego, combinó esa faceta al acordar una alianza laboral con Discos de Centroamérica (Dideca). De 1990 a 2002 al menos medio centenar de producciones discográficas pasaron por sus manos, no sólo en Guatemala, pues también trabajó para artistas del resto de los países centroamericanos. Aunque inicialmente lo hizo promoviendo a bandas roqueras acabó por incluir en su trabajo producciones y artistas de géneros distintos, como la marimba.

“Pensamos que es un instrumento que da hueva y que sólo sirve para oírlo durante el almuerzo. Pero después de conocer la marimba y pasar días enteros trabajando con sus sonidos, te das cuenta de su valor. Culturalmente los guatemaltecos tenemos basura en la cabeza por no apreciarla”.
Con esa misma libertad de expresión, la revista Hasta atrás acompañó los primeros años del estudio de Buonafina. “Fue parte de la locura del estudio, pues como minoría que somos los roqueros teníamos en esa época espacio limitado en los medios de publicación. No había una publicación que tratara el rock con profundidad. Allí escribieron sus primeras letras gente como Maurice Echeverría y Lucía Escobar. La revista tenía un lenguaje roquero; tanto, que al final nos costó la publicidad por ser considerada una revista irreverente. Pero muchos disfrutaron de esa libertad para expresarse, tanto los lectores como quienes escribían”.

De la revista circularon aproximadamente seis ediciones, pero de Primera Generación quedan muchas otras satisfacciones personales y nombres importantes del rock chapín; entre ellos: Bohemia Suburbana (Sombras en el jardín, 1993), El concierto de Libertad de expresión de 1995, y producciones de Radio Viejo (Claroscuro), La Tona (El ojo), Q-sha Records y de Extinción. Buonafina contempla la posibilidad de retomar este proyecto. “Para mí, Primera Generación está hibernando. Aunque estaban los músicos, claro, llegó a ser el trabajo de una persona. Yo hacía casi todo y me cansé; pero la idea fue dejarlo por un tiempo. Ahora me va mejor en muchas cosas y tengo ideas de cómo lo quiero hacer, usando la experiencia que tuve, y espero en menos de un año reabrir”.

“ Al principio, con Primera Generación se reían de mí, pero yo creía en cosas que podían pasar, y en efecto, así sucedió, pues salieron buenos grupos. La idea es eso, reactivar y también cambiar la forma de edición que musicalmente hay en Guatemala. Creo que está bien ver el negocio y la parte de cómo te mantenés, pero en el arte primero va eso, el arte y luego el dinero ”.

Algunos de los grupos que participan en esta compilalción son entre otros:

Fábulas ( Guatemala )

Beto Lemus : Voces
Josue Villaseñor : Bajo
Fernando Dieguez : Guitarras
Carlos Succini : Bateria
Tony Mendez : Teclados

Esta banda proviene de la desaparecida banda llamada Fábulas Aticas, que allá por 1994, estuvo presente en el concierto Libertad de Expresion. Gonzalo Rodríguez ( ex guitarrista ) es abordado por Giacomo Buonafina en los pasillos de Prensa Libre a finales de 1994, mientras se arreglaba todo para el concierto de Libertad de Expresión. Buonafina ya había grabado dos de los primeros demos de Fábulas Áticas y le había llamado mucho la atención el grupo. Sin embargo de ahí para acá han cambiado un poco su estilo musical, con mayor madurez en su música. Fábulas ha alternado, con la mayoria de las bandas guatemaltecas, en diferentes conciertos, a lo largo de su carrera, llevando a las radioemisoras guatemaltecas temas como "Alicia", "Dulces Sueños", "Atras", "Sin tocarte", temas, que han recibido mucho apoyo, por parte de el publico chapín.
Su primer trabajo fue “ El Suspiro de Krizzia “ allá por Febrero de 1995 en los estudios de Primera Generación. Precisamente de este disco se desprenden temas como “ Muros”, “Alicia”, y “María Juana” los cuales destacan como temas muy importantes dentreo de “ la Garra Chapina “. El disco es estrenado en la carpa del circo en el Campo Marte.
Luego de varios contratiempos en la carrera del grupo, en 1998 es cuando se deciden a compilar su segundo larga duración, que será titulado "LLEVAME AL DISCO", conteniendo material el cual ha sido trabajado y preproducido durante mas de 14 meses, con la asistencia artística de Luis Galich como productor artístico, y su estudio Galimusic, una preparación fuerte y un estudio a fondo de la música que querían plasmar en estudio.

Bohemia Suburbana ( Guatemala )

El grupo comienza siendo integrado por el cantante Giovanni Pinzón, el guitarrista Juan Carlos Barrios, el peruano Álvaro Rodriguez en la guitarra y teclados, el colombiano Juan Luís Lopera (Piolly) en el bajo y Jose Pedro Mollinedo en la batería. Comenzaron tocando en fiestas en casas y bares de estilo bohemio, rápidamente se dieron a conocer gracias a su estilo alternativo, el cual estaba a tono con el cambio que se realizaría en el mundo musical con el estallido del Grunge, aunque con muchos dejos de grupos británicos de los ochenta. Sus letras reflejaban la guerra interna que se vivía en el guatemala en esos días, y era de clara protesta. Para 1994 la banda lanza su primer disco como un proyecto independiente el se titula "Sombras en el Jardín", del cual se desprenden varios éxitos, siendo el más conocido peces e iguanas, el cual se convertiría en himno de la banda. El disco es relanzado nuevamente por otra compañía alcanzando buena aceptación.
En diciembre de 1994 participaron junto a otras mas de la notables bandas de rock nacional tales como La Tona, Viernes Verde, Astaroth, Influenza, Radio Viejo en el concierto llamado ( LIBERTAD DE EXPRESION YA) abriendo el concierto con una introducción muy notoria ya que en el interludio Giovanni Pinzon, lee un poema del poeta Guatemalteco Simon Pedroza, y obviamente Bohemia se encarga de cerrar el show con un 'extended set de la canción (Bolsas de Te).
Para su segunda producción, mil palabras con sus dientes, en 1996, del cual se extraen los cortes (Planeta Hola),( El vaso),( Detrás de Mama), la banda graba en Miami y el disco es mezclado en Los Angeles y contó con la colaboración del argentino Gustavo Menéndez y el ingeniero Benny Faccone. El sonido de este álbum parece un poco más punk que el anterior pero con bastantes guitarras que evocan el grunge que domina el panorama mundial,iniciando así la aceptación ya mas general de grupo y tocando en bares muy conocido en el circuito como " La Bodeguita del Centro", presentaciones en festivales internacionales en Puerto Rico y en Centro America, giras por el interior de la República, además siendo también telonero de grupos como "Heroes del Silencio", Cafe Tacuva, Aterciopelados.
En el 2001 Bohemia regresa con una nueva propuesta, el album llamado "Sub" a todas luces, una evolución de lo que fueran antes, intentando explorar y dejar ver un lado mas oscuro y experimental de la banda, de donde la temática del disco giro en torno de muchos problemas de la realidad nacional guatemalteca. De este álbum se desprendieron alugnos cortes interesantes y que los llegarían a consagrar a un mas como una de las mejores bandas de rock chapin, como "El Grito", "Herir sin Darse cuenta", así como "Tropical Depresion" inspirada en la catastrofe que se vivio en Guatemala en 1998 debido al huracan "Mitch", que dejo gravemente lastimada a la nacion, su ecomonia y su gente. En ese mismo año 2001 hacen una gira de promoción del disco que los llevo de gira por todo el territorio nacional y partes del extranjero.
Como dato curioso, en un concierto realizado en el Teatro al Aire Libre del Teatro Nacional Miguel Anguel Asturias, se rumoreo una pequeña diferencia de opiniones entre Juan Luis Lopera, ( piolly ) con Giovani Pinzon, antes de empezar el concierto, este fue el último concierto hasta hoy conocido donde se origino la separación de Bohemia Suburbana en 1997, durante este tiempo los integrantes tomaron actividades diferentes. Dos años después deciden reunirse en 1999 haciendo un concierto masivo en la extinta Plaza de Toros marcando su regreso con un lleno total en el cual participo como músico invitado el baterista ( Taz Rodriguez) ex integrante de (Ytrium) y después de una serie de presentaciones con Bohemia se retira para integrarse al también extinto grupo de Rock ( Los Ultimos Adictos) donde Ricardo Andrade ( QEPD) era el vocalista.

50 Al Norte ( Costa Rica )

Bernal Villegas, guitarras eléctricas y acústicas, voz y coros.
Gonzalo de Trejo, bajo y coros.
Ronny Chirino, saxofones y coros.
Juan Carlos Araya, batería y percusión.

Grupo de Rock de Costa Rica, formado en 1990 por Bernal Villegas. 50 Al Norte es considerado, junto con las agrupaciones Café con leche e Inconsciente colectivo, una de las bandas más destacadas e influyentes dentro de la escena del rock Costarricense de a principios de los 90.
Bernal Villegas, guitarrista y compositor, había sido parte de bandas como U-Manos, Shenuk y Modelo para armar.

Para 1990, forma 50 al Norte, junto a chalo de Trejo, Ronny Ugalde y Juan Carlos Araya en la batería. Para 1992, ingresa con Gerardo Mora en sustitución de Juan Carlos Araya, y grabaron su único disco compacto, llamado Religiones, en los Estudios Primera Generación, en Guatemala. Para el disco contaron con la participación de Álvaro Aguilar, Pluvio Aguilar y Lenín Fernández, integrantes de Alux Nahual, así como de Mario Valverde, en teclados y una corista. Para presentar el material, el grupo hizo dos conciertos en el Teatro Popular Melico Salazar de Costa Rica, acompañados por músicos de la Orquesta Sinfónica Nacional, con arreglos y dirección del compositor Luis Diego Herra. Para el siguiente disco, el grupo presentó todo el material en vivo en el Cuartel de la boca del monte, en San José, pero nunca llegó a completar la grabación. El grupo se disolvió a mediados de los años noventa.

Inconsciente Colectivo ( Costa Rica )
Patricio "Pato" Barraza (Voz, Guitarra y Piano. Fundador de la banda)
Eduardo Carmona (Bajo)
Rafael Urgate (Batería)

Este grupo de Costa Rica se fundó allá por 1989, su debut se da ese mismo año en el Bar Shakaska. En 1990 se estrenó su primera canción en la radioemisoras nacionales con gran éxito, Avenida Central, con el que ocuparon durante 10 semanas el primer lugar en varias emisoras y tocaron en el concierto "Una Navidad Feliz", frente a un público que ocupaba seis cuadras a lo largo de la avenida central de San José.

En 1991 recibieron reconocimientos como El Mejor Grupo Musical del Año y La Mejor Canción Nacional, por Frágil, que estuvo 16 semanas en las listas de popularidad de varias emisoras. En 1992 logran el primer lugar entre 76 participantes en el "Festival Nacional Yamaha Pop" y tambien el primer lugar en la final Interamericana de este festival. Con este triunfo, IC clasifica para representar a Centro y Sur America en la gran final Mundial del "Yamaha Music Quest 92" en Japon en el cual desarrollo un buen papel e incluso fue el tercer lugar en la encuesta de popularidad realizada por las radioemisoras locales, para determinar cuales artistas participantes del Festival, fueron los favoritos del publico y los medios.

Eduardo Carmona

Para el 93, la banda lanza un nuevo sencillo, "Sigues siempre en mi piel". Tambien es ganador del premio "Mejor Grupo Nacional de Rock", otorgado por el Ministerio de Cultura Juventud y Deportes. Este año el grupo forma parte de la gira "Rock Tour". El 94 fue un año de grabacion para la banda. Graban su primer album, "Inconsciente Colectivo", grabado en los estudios Primera Generacion en Guatemala. Tambien graba su primer videoclip, de la cancion "Fragil".

Para el año siguiente, la banda empieza la promocion de su album debut y la gira "Nueva Era" por Guatemala y Costa Rica. IC participa en un concierto masivo por los Derechos Humanos en Guatemala, para la celebracion del 50 aniversario de las Naciones Unidas, representando a Costa Rica junto a bandas de Mexico, Cuba y Guatemala. Con el album logran los primeros lugares en las listas de popularidad de las radios juveniles de Guatemala con los temas "Avenida Central", "Fragil", "Amor Clandestino", "Nueva Era" y "Formas de Sentir". Este año tambien graban otro videoclip, esta vez de la cancion "Avenida Central" producido por Canal 15 de la UCR.

En 1996 alcanzan un premio nacional de "Celebridades" como "Mejor Grupo Rock", otorgado por periodistas y personajes del espectaculo en Costa Rica. El 97 trajo grandes cambios en la banda, como su formato de trio y el ingreso de Rafa Ugarte (bateria) y Eduardo Carmona (bajo) a la banda. La banda sigue cosechando triunfos, como el premio a "Mejor Cantante" para Pato Barraza, otorgado por el principal periodico nacional, "La Nacion" y la firma de un contrato como la casa disquera nacional Marsol Records.

Para el 98 la banda nos presenta su segundo disco, "Pastillas antidepresivas, religiones y demas... para el alma" junto a un nuevo videoclip de la cancion "Cautiva de Mar", en una produccion de Firulais Films. La primera edicion limitada que incluyo un 'bonus disk' con 5 temas adicionales y por primera vez para un grupo de rock en Costa Rica, un track interactivo de multimedia. Para la presentacion del disco, se hicieron 2 conciertos en el Teatro Eugene O´Neil del Centro Cultural Costarricense Norteamericano, con lleno total. IC inicia la gira nacional "Tour para el alma". El video se logra mantener 3 semanas en el primer lugar en el programa de videos "Hola Juventud" y comienza a pautarse (y hasta la fecha) en la cadena mundial de television "TELEFE Internacional" junto a una entrevista realizada al grupo. Se lanzan 2 sencillos mas, "Condicion" y "No podras". Se inicia la grabacion de un videoclip para la cancion "No podras" pero desafortunadamente este nunca fue concluido debido a un accidente que sufre Pato Barraza, lo que deja por 3 meses a la banda fuera de la escena. Este año la banda recibe varias nominaciones por la ACAM, "Mejor Produccion Discografica" y "Mejor Compositor" para los premios ACAM 99'. IC regreso a escena en el "979 Unplugged", con un lleno total en el Auditorio Nacional. Con este evento IC celebra la recuperacion de su cantante, el 10° Aniversario de la banda y ademas realiza la grabacion de este concierto, para su posterior publicacion en CD. IC participa en el "Concierto del Milenio", uno de los eventos masivos mas grande y con mayor asistencia de publico durante los ultimos años junto a banda internacionales, organizado por la Cerveceria de Costa Rica, en el 2000. El grupo graba su cuarto video "Condicion" en una produccion del programa "7 Estrellas" de Teletica Canal 7. Las grandes ventas del su segundo album logran un "Disco de Plata" en Costa Rica. La popularidad de la banda hace que participe con los temas "Cautiva de Mar" y "Avenida Central" en el CD recopilatorio de rock costarricense "Tiquicia Rock", editado por BMG Centroamerica.
En el 2001 la banda participa en la serie "Hecho en Costa Rica", con varios conciertos en distintos lugares del pais. Este año tambien firman contrato de promocion y distribucion discografica en Centroamerica con el sello internacional BMG. Tambien IC graba su quinto videoclip, de la cancion "Reencarnacion" bajo la direccion de la joven cineasta Camila Yglesias. Tambien se lanza el tercer album del grupo "Inconscierto", que que contiene el material grabado en los "979 Unplugged" y que consta de 11 versiones 'en vivo' de los temas mas significativos para el grupo, mas un tema extra que no se habia incluido en ningun disco anterior. Este album marca el cierre de los primeros 10 años de trabajo de la banda, sirviendo ademas como un "punto y a parte" en la propuesta musical del grupo.

IC participa en el "Festival Internacional de la Juventud" en Panama, alternando con grupos de Europa, Africa, Norte, Centro y Sur America. La banda vuelve a aparecer con los temas "Se me puede olvidar" y "No podras" en el compilado de rock costarricense "Tiquicia Rock Volumen II", editado por el sello discografico BMG. En el 2002 se da la produccion del videoclip "Se me puede olvidar" en una post-produccion conjunta realizada por IC, D'Alessio y Asociados y BMG. Tambien este año la banda participa en la Teleton en Nicaragua y en muchos conciertos en Costa Rica como Cadena Mayor 2002, Hecho en Costa Rica, Tributo a Jose Capmany, Festival Internacional de las Artes, FIA 2002, Semana Universitaria UCR, entre otros.

Tiananmen ( Guatemala )

Luis Fernando Rojas
Juan Carlos Rojas

Se dice que Tiananmen es sui generis en Guatemala; en una multitud de grupos grunge, ellos logran un estilo particular y tocan su New Wave. Es innegable la influencia de The Cure, sin embargo Tiananmen logra utilizar la estructura y el ambiente de Smith para sus propósitos de una forma excelente. Hay un par de anécdotas sobre la gabación de "Mu": Para la canción "Como un Animal", se quería grabar el ladrido de un chucho pastor aleman, pero cuando lo metieron al estudio, se empezó a hacer sus necesidades ahi adentro, y lo tuvieron que sacar (por poco echan a los Tiananmen del estudio
también); para grabar el principio de "La Taza" también consiguieron una taza y la grabaron mientras se rompía. Para la canción "Al Tenerte Junto a Mi", Fernando (guitarra) se puso a grabar la voz una noche al calor de las copas y quedó para la posteridad así. Tambien existe un video de Tiananmen que debuta en MTV Latino con el video de la canción "Así de Fácil" en el programa Raizónica de MTV Latino. Se sabe que lo realizaron con un costo bajísimo, pero los resultados son de primera.

Influenza ( Guatemala )

No hay mucha información de esta banda , solo se que editaron un disco llamado Influenza.

Kaos ( Guatemala )

Igualmente no hay mucha información de la banda.

Videos

Bohemia Suburbana - Peces e Iguanas

Inconsciente Colectivo - Fragil

GUATEMALA FABULAS ATICAS MUROS LIBERTAD DE EXPRESION YA!

Dios es Ajeno / Bohemia Suburbana

El cassete esta rippeado a 192 Kbps y está en dos partes

Fragmentos de Conciencia Lado A

Track List

01 - Delfines - Bohemia Suburbana
02- El silencio - El Ático
03 - Avenida Central - Inconsciente Colectivo
04 - Animal – Kaos
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Etiquetas: Compilados, Fragmentos de conciencia

Alejandro Jodorowsky y " El Topo "

(El Topo) — Fri, 22 Aug 2008 00:06:00 -0700

Alejandro Jodorowsky (Apellido que traducido significa "Friega Cielos") Es un aclamado escritor, filósofo, dramaturgo, actor, poeta, director de cine, guionista de cómics y anime, instructor del tarot, psicomago y todo lo que te puedas imaginar, TODO, lo mas extraño es que casi nadie lo conoce...

Hoy deseo hacer un post a este extraordinario personaje al cual conocí hace algún tiempo ya, por medio de una de sus películas más aclamadas y que lleva el mismo nombre que el mote que tiene el autor de este Blog.

Nacido en Chile, de padres Judíos-Ucranianos-Japoneses-Franceses- Mexicanos. A los Veintitantos años, harto de no hacer nada provechoso con su vida, y las pocas posibilidades que le brindaba su país, dejo de vivir en Chile, no sin antes quemar su casa, y sus pertenencias como símbolo de purificación y reencarnación, y se fue levitando (literalmente) a México. Aquí, en su segundo hogar, empezó a dar rienda suelta a sus locuras y frikismo, probando un poco de esto y de aquello, ejerciendo tantos oficios como podía y como podían soportar su cuerpo, su alma y sus brazos (ah, en cuanto a eso, aquí un pequeño secreto: Tiene tantos brazos como Ganesh, pero son invisibles) expandió sus conocimientos (sobre alquimia, meditación Zen, psicología, adivinación, karate, yoga, artes marciales shaolin, y espiritualismo principalmente, cosas que realmente funcionan, no como la religión) elevó su espíritu y Chi a mas de 9000 puntos de poder, fue cuando alcanzo la paz interior y el nirvana.

Vivió en México hasta que se hartó de tacos, tamales y mole (para un humano común esto tomaría un año; aunque para el terco maestro fueron veintitantos años), queriendo probar cosas mas agradables y con mas glamour, se fue a Francia a comer ancas de rana. Actualmente reside en Francia muy feliz (puesto que ha alcanzado la felicidad eterna).

Viviendo en Chile, Jodorowsky hizo un corto (La Cravate) de muy bajo presupuesto, sin audio ni color, la cual estaba perdida. En 2005 la cinta fue encontrada, pero Jodorowsky decidió "perderla" otra vez de tan mala que era (aunque le sorprende que a algunos les guste). Llegando a México sin nada de dinero ni bienes ("oh diablos, debí sacar el dinero antes de quemar mi casa en chile" se dijo a si mismo), se fue de limosnas, a trabajos mal pagados, hasta prestamos, y fue cuando pudo hacer su primer película: Fando y Lis, la cual contenía mucha violencia, blasfemia, sexo, y mensajes subliminales, al momento de ser exhibida por primera vez la película, la gente se volvió loca de remate (claro, junta violencia, blasfemia, sexo, con mensajes subliminales, y e aquí el resultado), empezaron a perseguir a Jodorowsky para lincharlo, fueron por todo México hasta que se cansaron, entonces Jodorosky decidió aprender artes marciales, para que no volvieran a atentar contra su vida. Con el dinero recabado de los mensajes subliminales, se dispuso a hacer una película con mucho más presupuesto que contendría mucha más violencia, blasfemia, sexo, y muchos más mensajes subliminales: EL TOPO.

EL TOPO, de la cual muchos aseguran que es su obra maestra, es un Western-Gore-Espiritualista muy aclamado, que se convirtió de inmediato en una película de culto internacional que le llevó a la fama internacional a pesar de la Violencia, Sexo, y Blasfemias asegurando y reafirmando que Jodorowsky es Jesucristo (de hecho, por eso llego a la fama la película). Tras el impacto Socio-Cultural que descarriló las riendas del mundo, el hippie mas loco de todos, John Lennon, ofreció su fortuna para que Jodorowsky hiciera una película aun mas mounstrosamente irreverente y llena de espiritualismo sobre el origen de toda la existencia de los MEGAMULTIUNIVERSOS que alcanzaría los cielos para darle un buen golpe al mismo Jesús y toda su orden eclesiástica: LA MONTAÑA SAGRADA. Tras el mediocre éxito de LA MONTAÑA SAGRADA, se dispone a hacer DUNE, pero todo le sale mal (El Karma es caprichoso de vez en cuando) luego hizo otras dos películas que no le salieron bien y ya ni para que seguir hablando de esto. Cansado de fracasos, hace SANTA SANGRE, pero tampoco resulta como espera, luego empieza a rodar la secuela de EL TOPO: LOS HIJOS DEL TOPO, pero tampoco tuvo suerte con este proyecto. Siendo Guionista de cómics hace historias muy raras, muy apegadas a las del estilo HEAVY METAL, muy buenas, pero muy raras. De vez en cuando haciendo equipo con otros pervertidos sexuales como Milo Manara y Moebius. Y cuando sus historias no contienen el sexo necesario, son tan extrañas que te hacen pensar en sexo sin necesidad de verlo.

El Topo

La película toma lugar en dos escenarios. La primera mitad, en un desierto sin nombre, involucra el viaje del protagonista y su hijo para derrotar a los cuatro maestros del duelo con pistola. Cuando El Topo encuentra a un maestro, éste le enseña una lección, luego de lo cual se baten a duelo, y El Topo hace trampa cada vez. El último maestro se mata a sí mismo, en una demostración de la poca importancia de la vida. La primera mitad termina con la traición a El Topo y su frustrado asesinato. La segunda mitad de la película toma lugar años después, luego que El Topo es rescatado por una banda de marginados deformes, salvándolo de la muerte. La banda conduce a El Topo a su comunidad subterránea, donde él, estando en coma, medita acerca de las cuatro lecciones por varios años.

Cuando despierta, "renace" con la ayuda de los marginados, y se va en busca de la libertad de los deformes desde su prisión subterránea. Con la ayuda de su novia enana y su hijo ya mayor, El Topo cava una salida de la cueva, viendo que los de su comunidad son asesinados por los habitantes de un pueblo cercano. Montando en cólera, El Topo los asesina y pone gasolina sobre sí mismo y se enciende, una vez que ha aprendido todo lo que podía sobre la vida. El hijo de El Topo y la novia sobreviven el calvario y cavan una tumba para sus restos, la cual más tarde se transforma en una colmena llena de miel (símbolo religioso de un hombre sagrado).

Se especula que El Topo se habría de reencarnar, a través de su novia embarazada, en una secuela aún no realizada.

Interpretación

La película es a menudo interpretada como una metáfora del Antiguo y Nuevo Testamento. Los cuatro maestros representarían los cuatro grandes profetas del Antiguo Testamento (Isaías, Jeremías, Ezequiel y Daniel) y El Topo a Jesucristo.
En una secuencia introductoria animada se describe a El Topo como alguien que ha experimentado el proceso descrito en la alegoría de la cueva, encontrada en La República de Platón.
La escena final, en la cual El Topo se enciende fuego a sí mismo, comparte una imagen similar a la foto de un monje budista que se quemó a sí mismo en las afueras de la embajada de Estados Unidos, durante la guerra de Vietnam como una forma de protesta.

Otra faceta de Jodorowsky: Psicomagia y psicogenealogía

Posiblemente su peculiar creación de una forma de psicoterapia es lo más sorprendente, escandalizador y malinterpretado de toda la obra de Jodorowsky. Estas técnicas son una mezcla de psicología, tarot y chamanismo, la filosofía, la vida y, sobre todo, conocer a mucha gente, tanto expertos como farsantes; "para mí la psicomagia es como una derivación de la poesía, del teatro... de todo lo que he hecho".

La psicomagia parte de la premisa de que el inconsciente acepta los actos simbólicos como hechos. Con lo que un psicomago puede "recetar" actos simbólicos para influir en el inconsciente y, si está bien aplicado, curar ciertos traumas. La psicogenealogía parte de la premisa de que determinados traumas y comportamientos inconscientes se transmiten de generación en generación, por lo que, para que un individuo tome consciencia de ellos y pueda desligarse de los mismos, es necesario que estudie su árbol genealógico.

Jodorowsky afirmó hace tiempo categóricamente que cualquier persona que se declarase psicomago o propusiera consejos de psicomagia era un mentiroso, y que hasta ese momento sólo él, su hijo Cristóbal Sol y su esposa Mariana Costa podían ejercer la psicomagia. Según él, no existía ninguna escuela de psicomagia que hubiera autorizado, y volvía a afirmar que los que anunciaran esta escuela o eran ingenuos o eran astutos comerciantes.

En una entrevista que él mismo hizo a Santiago Segura, éste dijo que lo que más admiraba de él era esto, que sólo él, su hijo y su esposa podían ser psicomagos, a lo que Jodorowsky le respondió que él también podía ser psicomago si quería. Desde hace tiempo Jodorowsky dice que esa afirmación ha dejado de ser cierta, pues mucha gente muy formada se ha empapado con su pensamiento. Esa advertencia de Jodorowsky iba destinada a evitar que falsos "videntes", "brujas" o "sanadores" se aprovechasen de la gente. Sin embargo, a menudo fue interpretada de una manera más polémica.

Adjunto una copia del libro “ Psicomagia “ al final del post para que aquellos amantes de la lectura hagan un sacrificio y entren en este loco mundo descrito por Jodorowsky ( recomendado para aquellos que aman la cultura general ).

Filmografía de Alejandro Jodorowsky

La Cravate (1957, Francia) (cortometraje)
Fando y Lis (México, 1968)
El Topo (México, 1970)
La montaña sagrada (México, 1973)
Tusk (India, 1980)
Santa sangre (México, 1989)
El ladrón del arcoiris (Gran Bretaña, 1990)
Los hijos del Topo (2009) (anunciada)
King Shot (2009) (anunciada)

Ficha Técnica de “ El Topo “

Título original: El topo
Director: Alejandro Jodorowsky
Guión: Alejandro Jodorowsky
Productor: Juan López Moctezuma, Moshe Rosemberg, Roberto Viskin
Música: Alejandro Jodorowsky, Nacho Méndez
Fotografía: Rafael Corkidi
Montaje: Federico Landeros
Diseño de producción: Alejandro Jodorowsky
Dirección artística: José Durán
Intérpretes: Alejandro Jodorowsky (El Topo), Brontis Jodorowsky (hijo de El Topo), José Legarreta (hombre moribundo), Alfonso Arau (bandido), José Luis Fernández (bandido), Alf Junco (bandido)
Duración: 125'
País: México
Idioma: Español
Mezcla de sonido: Mono (Klangfilm)

El Topo se estrenó en diciembre de 1970 en el Elgin Theater de New York hasta junio del '71 en la función de medianoche de los viernes y los sábados y tuvo a los críticos de los periódicos más importantes de esa ciudad discutiendo acerca de si debían o no opinar acerca de ella con los mismos parámetros de una película normal. Estudiantes, adictos al LSD y los que gustaban de películas mentalmente estimulantes la promocionaron de boca en boca. Uno de los espectadores de El Topo fue John Lennon quien enloqueció por la película, convenció a su manager para comprarla, la distribuyó por Estados Unidos y consiguió financiamiento para el nuevo guión de Jodorowsky, La Montaña Sagrada.

En el casting de esta película el Jodo le pidió a Lennon que actuara, pero el cantante no podía. Es aquí cuando Jodorowsky utiliza el método Arica un mes antes de comenzar a rodar junto a todo su reparto, una mezcla de yoga, zen y sufi junto a conocimientos de Tarot, filosofía, I ching y dosis libres de LSD y otras drogas, como hongos alucinógenos y demases. Luego de eso, los actores principales junto a Jodorowsky y su esposa pasaron una semana junto a un maestro zen japonés meditando sin dormir.

Adjunto para los que tienen interes en la pelicula el Soundrack de la misma con fotos del interior del acetato

Soundtrack - El Topo

y además los enlaces para bajar esta película que amablemente subió el amigo Bombona en Taringa.

El Topo

parte 1
parte 2
parte 3
parte 4
parte 5
parte 6
parte 7
parte 8

Libro Psicomagia ( Alejandro Jodorowsky )

Videos Alejandro Jodorowsky ¿Quién es? Alejandro Jodorowsky, Psicomagia - 1ª Parte Alejandro Jodorowsky , Psicomagia - 2ª Parte Alejandro Jodorowsky , Psicomagia - 3ª Parte Alejandro Jodorowsky, Psicomagia - 4ª Parte Alejandro Jodorowsky , Psicomagia - 5ª Parte Alejandro Jodorowsky , Psicomagia - 6ª Parte. Fin.

Fuentes de información enlaces interesantes y mi agradecimiento

Inciclopedia

Wikipedia

Iveldie: Cinema Escondido

Etiquetas: Alejandro Jodorowsky

Vuelve Zona García

(El Topo) — Sat, 16 Aug 2008 12:30:00 -0700

Gracias a Dios que el susto duró poco gracias a las previsiones del autor que se mudó y que tenia desde hace rato la opcion en caso de emergencia. El Blog vuelve con todo ese material del " Bigote Bicolor " que vale oro, es un alivio que existan sitios de culto como este..., por mi parte acá desde tiquicia les deseamos todo el éxito del mundo a nuestros colegas Blogueros que pueden visitar en esta dirección:

http://www.zonagarcia.blogspot.com

Gracias al amigo Carlos Carella por la caricatura y a los compañeros de otros Blogs, especialmente al Maestro Sandokan y a Theo.

Rockera: La historia del Rock y el Cine

(El Topo) — Sat, 09 Aug 2008 15:46:00 -0700

este interesante programa trató sobre la relación que ha existido a lo largo del tiempo entre el cine y algunas películas, el programa fue conducido por Johnny Coto y tuvo como invitado a Roberto Orozco. A lo largo del programa se puede recorres una linea de tiempo, casi literalmente desde los inicios del Rock allá por 1955 hasta mediados de los años ochenta. En el mismo se hace mencion de algunas películas como:

Blackboard Jungle ( Semilla de Maldad ) - 1955

American grafitti - 1973

Easy Rider - 1969

Midnight Cowboy - 1969
Rumble Fish - 1983

The Wall - 1982

Igualmente se realizaron una selección de temas de algunos de las bandas de sonido de estas peliculas en donde se pueden escuchar algunos temas como los siguientes:

Rock around the Clock - Bill Haley & The Comets

Hound Dog - Elvis Presley

Surfin Safari - The Beach Boys

Jhonny be Goode - Chuck Berry

Born to be Wild - SteppenWolf

Pusher - SteppenWolf

Everybody's Talkin' - Harry Nilsson

Don't Box Me In - Stewart Copeland and Stan Ridgway

Algunos de los Soundtracks de estas películas los puede descargar acá

Rumble Fish

Easy Rider

American Grafitti

parte 1

parte 2

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The Wall

CD 1

CD 2

También esta el audio del programa ( el cual seguiré posteando ) para que puedan escucharlo

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Etiquetas: Rockera