La Cueva del Topo

El Hobbit

topo@lacuevadeltopo.com (El Topo) — Sat, 08 Dec 2012 20:22:00 -0700

Sacando un poco de tiempo entre las múltiples tareas que me han tenido alejado del Blog, es que me siento a terminar este post, que mas o menos empecé hace más o menos un mes. No deseo alejarme del
impulso original que me llevó a empezar este proyecto, pero desgraciadamente no dispongo del tiempo que tuve el año pasado y el anterior pues mis obligaciones en el trabajo aumentaron. Sin embargo casi todos los días voy colectando un poco de información y material que me ayudara a desarrollar temas futuros. Sobre el tema de esta ocasión, actualmente estoy leyendo nuevamente y no se cuantas van ya, el “ Señor de los Anillos “, esta vez lo estoy leyendo mas lentamente y utilizando un libro llamado “ Tolkien y el Señor de los Anillos“ del autor Colin Duriez, unos mapas y las notas de algunos “ Cuentos Inconclusos “ para tratar de asimilar algunos detalles de la geografía y el contexto de muchas cosas que se mencionan en el Libro.

Una reunión inesperada

Hablar hoy de un Hobbit es diferente que hace unos años por allá de 1992,
que tuve la oportunidad de conocer la obra de JRR Tolkien. Esto fue por medio de mi amigo y compañero de universidad, René Menjívar, quien me facilitó una copia de “ El Hobbit “, la cual tuve que compartir con mi también compañero de Universidad Franklin Aguilar ( el cual es 100 veces más fanático que este servidor en asuntos Tolkien-ianos).

Para ese entonces, el sueldo que tenia era una miseria ( hoy no ha cambiado gran cosa tampoco ), pero pude reunir en unos meses una platilla y así fue como compré mi primer libro de este autor para el mes de Febrero de 1993. Así fue como tuve mi “ Hobbit “ y poco tiempo despues la serie completa del Señor de los Anillos, el Simarillion Valaquenta y los cuentos inconclusos. Confieso que el Hobbit lo he leido unas 17 veces desde esa época y estoy esperando
que mi hijo mayor ( que ya puede leer ) me pida que se lo preste. A mi concepto libro es una de las partes mas importantes de la obra de Tolkien, no por la complejidad de la historia, pues se limita a una mísera historia de enanos, guerras, tesoros y dragones y que no tiene gran relevancia dentro del complejo mundo mitológico que en parte expone Tolkien en su Simarillion, los Cuentos Inconclusos y en el Señor de los Anillos.

Portada de la primera Edición 1937, Reino Unido

Me parece a mi que por medio de esta historia es que, en un lenguaje muy sencillo y con el objetivo de convertirnos en niños ( pues Tolkien consideró que esta era una historia para niños ), este autor logra
que sus lectores quieran conocer más de su mundo y por supuesto de los Hobbits.

El libro fue escrito por partes en las décadas de 1920 y 1930, y como dije anteriormente, en un principio sólo tenía el objetivo de divertir a los hijos pequeños de Tolkien. Pero el manuscrito en borrador llegó a manos de la editorial Allen & Unwin, los cuales pidieron a Tolkien que finalizara la obra y fue así como finalmente “ El Hobbit “ fue publicado el 21 de septiembre de 1937 en el Reino Unido.

Mapa de Thorin Escudo de Roble

Debido al éxito que tuvo y a las buenas críticas que recibió este libro fue que los editores pidieron a Tolkien una continuación, que sería “ El Señor de los Anillos “, su cambio a un tono alejado del infantil provocó que El Hobbit tuviera que ser modificado ligeramente para que ambas historias coincidieran mejor.

En una carta que envió al escritor estadounidense W.H. Auden en 1955, J. R. R. Tolkien recuerda como en un verano, cuando era profesor de anglosajón en el Pembroke College de la Universidad de Oxford, escribió la primera frase de El Hobbit durante la corrección de unos exámenes de literatura inglesa. Encontró un papel en blanco y escribió en él: «En un agujero en el suelo vivía un hobbit », sin saber ni siquiera de donde había sacado la idea. Antes de su muerte, Tolkien dijo que no recordaba la fecha exacta en la que escribió esta frase, ni siquiera el primer capítulo, ya que no lo organizó y fue escribiendo la obra según le iban surgiendo ideas. Michael, el segundo hijo de Tolkien, señaló 1929 como el posible año en el que su padre comenzó a escribir la obra, ya que conservaba algunas composiciones propias que estaban fechadas de dicho año y eran claras imitaciones de El Hobbit, el cual les fue leído a él y a sus hermanos según se escribía.

Generales de los Cinco Ejércitos

Durante un breve periodo de tiempo tras la invención de la primera frase, Tolkien no hizo nada más que elaborar el mapa de Thrór, donde describió la geografía en la que se desarrolla la mayor parte de la novela. No obstante, una vez iniciada la composición de la obra, los capítulos fueron escritos con fluidez y sin apenas correcciones hasta el punto en el que el dragón Smaug (que por entonces se llamaba Pryftan) muere. En esta primera versión, Gandalf era el nombre del enano rincipal y el mago se llamaba Bladorthin, palabra de origen gnómico (lengua que más tarde evolucionaría al noldorin) que significa «amplia tierra gris» y que posiblemente fuera un precursor de Mithrandir («peregrino gris» en sindarin).

Para escribir el viaje de la compañía desde Rivendel hasta el otro lado de las Montañas Nubladas, incluyendo la fuerte tormenta que ven, Tolkien se basó en sus vacaciones en Suiza en 1911. Años antes Tolkien había escrito una serie de poemas que recopiló bajo el título Cuentos y canciones de Bimble Bay y entre los cuales había uno, Glip, protagonizado por una criatura viscosa de ojos luminosos que roía huesos en una caverna y que sirvió de base para el posterior personaje de Gollum. El capítulo que trascurre en el Bosque Negro fue uno de los que más cambió con respecto a la versión publicada de El hobbit, ya que el pasaje en el río Encantado y la captura de los enanos por parte de los elfos del bosque no aparecen en esta primera versión.

Este es el Gollum que " imaginé " muchas veces antes de la Trilogía de Peter Jackson

Tolkien rebautizó al enano principal usando otro nombre de Völuspá, Eikinskjaldi, que, traducido como «escudo de roble», se trataba de un nombre propio y no un apodo como en la versión definitiva de la novela, mientras que el mago pasó a llamarse Gandalf, un nombre más apropiado por significar «elfo del bastón» en islandés. El nombre de Bladorthin se conservó para un misterioso rey que tan sólo es nombrado en una línea y no vuelve a aparecer en ningún otro texto de Tolkien.

“ Las lanzas que habían sido hechas para los ejércitos del rey Bladorthin (muerto tiempo atrás), cada una con una moharra forjada tres veces y astas con ingeniosas incrustaciones de oro, y que nunca habían sido entregadas o pagadas. “

«Información secreta», en El hobbit de J. R. R. Tolkien.

También cambió el nombre del dragón Pryftan por Smaug, pasado del verbo germánico primitivo smugan («meter por un agujero»), algo que consideraba «un mal chiste filológico». Originalmente había dispuesto que fuese Bilbo quien lo matara con la ayuda de Dardo y el anillo mágico, pero al querer ofrecer algo más espectacular fue finalmente el arquero Bardo quien lo mató. Tolkien abandonó la composición de la obra en este punto, dejándola inconclusa.

Smaug anteriormente llamado Pryftan, sobre el tesoro conversa con Bilbo

A finales de 1932, le prestó una copia de El hobbit a su amigo C. S. Lewis para que la leyera. También se la prestó a Elaine Griffiths, una ex-alumna y amiga de la familia que trabajaba para la editorial británica George Allen & Unwin por recomendación del propio Tolkien. En 1936 Griffiths le comentó a una ex-compañera de Oxford, Susan Dagnall, que también trabajaba en George Allen & Unwin, sobre la existencia de la obra y ella habló con Tolkien para pedirle prestado el libro. Una vez leído e interesada en él, Dagnall le pidió que finalizara la obra para poder presentarla en la editorial. Originalmente había previsto que la batalla contra los trasgos tuviera lugar durante el regreso de Bilbo a la Comarca y se llamara batalla de los Valles del Anduin, pero la situación se complicó cuando Tolkien se ocupó de la cuestión relacionada con la codicia que despertaba el tesoro y el hecho de que Esgaroth reclamara su parte para reconstruir la ciudad destruida, desembocando todo en la batalla de los Cinco Ejércitos.

El hobbit estaba acabado en verano de 1936, pero Tolkien no envió la copia hasta el 3 de octubre. Stanley Unwin, presidente de la editorial, pensaba que los niños eran los mejores jueces de literatura infantil, así que le dio la obra a su hijo Rayner, de tan solo diez años de edad, para que la leyera y le gustó tanto que decidió publicarla. Cuando recibió la prueba de composición en febrero de 1937, Tolkien encontró algunos pasajes que tenía que rectificar, ya que no había tenido suficiente tiempo para examinar con minuciosidad el manuscrito que envió a la editorial en un principio. Debido a esto y algunos problemas con las ilustraciones, la novela no sería publicada hasta septiembre.

De “ El Hobbit “ se hizo una versión para Radio, fue allá por septiembre hasta noviembre de 1968, que la emisora BBC Radio 4 emitió una adaptación radiofónica hecha por Michael Kilgarriff y producida por John Powell. Ésta fue dividida en ocho partes con una duración total de cuatro horas y un guión muy próximo al texto de la novela (en su edición de 1951). Contaba con el actor Anthony Jackson como narrador, Paul Daneman en el papel de Bilbo, Wolfe Morris como Gollum, John Justin como Thorin, John Pullen como Elrond, Peter Williams como Bardo y Heron Carvic como Gandalf. La serie fue puesta a la venta en formato casete en 1988 y en formato CD en 1997.

El 27 de noviembre de 1977, se estrenó en la cadena de televisión estadounidense NBC la primera versión fílmica de El Hobbit. La película, de dibujos animados, fue producida por Arthur Rankin Jr. y Jules Bass y tuvo un coste de unos tres millones de dólares estadounidenses, convirtiéndose para ese entonces en la película de animación para televisión más cara de la historia. El guión fue escrito por Romeo Muller, siendo bastante fiel a la novela, excepto en algunos puntos, como la desaparición del personaje de Beorn ( el Hombre Oso ). Además, algunas de las canciones de Tolkien fueron adaptadas por Maury Laws para la película. Si bien tuvo bastante éxito, algunos puntos, sobre todo de la animación, fueron criticados, como el aspecto gatuno del dragón Smaug o la apariencia de los elfos. El sello discográfico Walt Disney Records publicó un LP basado en el doblaje del audio completo de la película, que más tarde sería editado también por Buena Vista Records, alcanzando un buen éxito en ventas.

Allá por el año 2001 cayó en mis manos una copia de la versión en DVD de este libro la cual deseo compartir con uds, haciendo la salvedad de que recomiendo antes haber leído el libro pues la película se desarrolla muy rápido y una mente que no conozca la historia pasará por alto muchos detalles de la misma. En caso de que no tenga una copia del libro le hago llegar una de mi biblioteca en versión PDF. Para aquel entonces no existían las facilidades de conectividad del día de hoy, además de que la tecnología del DVD no era común aun en el ambiente de las PC, recuerdo como fue con varias herramientas pude copiar el DVD a mi disco duro, y fue hasta varios meses después
que logré con éxito trasladar la película ( originalmente de un DVD de 9 a un DVD de 4.7 gigas, que aun conservo como si fuera oro. Esto lo logre luego de mil foros y consultas cuando aun no existía el algoritmo de Google.

Descarga “ El Hobbit “ en versión PDF

y descarga los mapas que ayudarán a realizar el viaje

Descarga Soundtrack “ The Hobbit “ - 1977

Ficha Técnica de la Película

Título: El hobbit
Dirección: Jules Bass
Ayudante de dirección: Arthur Rankin
Guión: Arthur Rankin
Reparto: Orson
Bean, Richard Boone, Hans Conried, John Huston, Otto Preminger,
Cyril Ritchard, Brother Theodore, Paul Frees, Don Messick, John
Stephenson.
Duración: 77 min.
Idioma(s): Inglés ( sub esp )

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Radio Futura ( compilación )

(El Topo) — Sun, 06 May 2012 20:05:00 -0700

Formación Original

Santiago Auserón ( guitarra y voz )
Luis Auserón ( bajo )
Enrique Sierra ( guitarra )
Javier Pérez ( percusión electrónica )
Herminio Molero ( sintetizadores )

El grupo RADIO FUTURA ha sido reconocido por diversas emisoras de radio y revistas especializadas como mejor grupo español de la década de los 80, y mejor grupo español de los últimos 25 años, según la votación de RNE, Radio 3, realizada en el año 2004.

Allá por el año 1979, el artista Herminio Molero buscaba crear su propia banda, así fue que convocó a una audición para los interesados. Entre las personas que acudieron a las pruebas se encontraban: Enrique Sierra, ex guitarra de Kaka de Luxe; los hermanos de Zaragoza Luis y Santiago Auserón, Javier Pérez Grueso y finalmente el propio Molero. Así fue la primera formación del mìtico Radio Futura llamada inicialmente “ Orquesta Futurama”. Molero componía la música fusionando sonidos electrónicos con aspectos de la música popular española. Enrique ponía su toque de hard rock, y Santiago y Luis trabajaban en el enfoque y estructuración teórica de todo el material.

Por la influencia y capacidad innovadora de su obra, Radio Futura fue uno de los grupos más importantes en el pop español, y uno de los responsables del desarrollo del llamado Rock Latino. Innovaron el sonido
de la búsqueda de un lenguaje propio que incorporara elementos autóctonos, rítmica de sabores latinos y caribeños y una calidad
interpretativa que permite aprovechar la riqueza expresiva del castellano con líricas de gran calidad. Corría el año 86 si mi memoria no me falla así fue que en alguna de las emisoras juveniles ( la desaparecida radio uno ?? ) programaban algunos temas de esta banda ( la estatua del jardín botánico por ej ) con alguna regularidad, en esa época no habia descargas de internet ni quemadores de CD o menos tecnologìa DVD, asi fue que empece a grabarlas de la radio, y luego de algunos meses logré traer una copia de su disco debut “ Música Moderna “ en acetato, el cual por desgracia fue extraviado en alguna de las múltiples mudanzas. Unos meses después, no recuerdo quién, me facilitó una copia en cassete de “ de un país en llamas “. Estos dos tesoros que aun conservo luego fueron complementados años después en casa de Villar Salvatierra quien mantenía en casa una gran cantidad de música de su adorada tierra Española, y a quien pude copiarle varias cintas de audio allá hace unos doce años atrás de varios grupos como Mecano, La polla records, Gabinete Caligari, Kaka de Luxe, Nacha Pop (
representantes de la famosa Movida Madrileña ) y el legendario Triana entre otros.

Volviendo a Radio Futura, su obra en los inicios estaba orientada a encontrar un uso de la música que permitiese una nueva conciencia musical. Querían proporcionar al rock un aire más popular y callejero. Así, al poco tiempo de llevar ensayando, y debido a los contactos de Molero con la industria, aparece el primero de los álbumes bajo el sello Hispavox. “ Música moderna “ supuso un estallido en los medios, y el ambiente favorable precipitó el éxito de la banda, fue en el mes de octubre de 1979 cuando se dio su debut en Madrid y poco después en Barcelona, para esa ocasión fueron teloneros de Elvis Costello. y otros en los que iban de la mano de singulares cantantes comerciales de los que nunca más se supo. Fue memorable el concierto que dieron a principio de los 80 en la plaza mayor de Madrid junto a Mario Tenia y los Solitarios, y los Secretos.

Segunda formación

Santiago Auserón ( guitarra y voz )
Luis Auserón ( bajo )
Enrique Sierra ( guitarra )
Carlos Velázquez ( percusión )

Es en ese momento cuando surgieron las primeras rencillas entre los distintos miembros del grupo, cuando el relativo éxito obtenido con su primer disco los obliga a definirse en una líne más profesional, así como a definir su estilos e imagen; todo ello lleva a la separación de Herminio (el cual sólo concebía la música como un medio de comunicación, haciendo que se desprendiera un sonido forzado) y Javier, y a la mayor prominencia de Carlos Velázquez ( Solrac, su nombre dicho al revés), miembro del grupo ya durante la grabación de Música Moderna pero vetado por la compañía al no «dar la imagen» que ésta pretendía imponer: ése es el motivo por el no aparece en la foto de portada. A partir de 1981, es que nace el grupo que dejó su imborrable huella en el rock en español: los hermanos Auserón y Enrique Sierra, junto a Solrac, superaron la imagen de grupo títere de los intereses comerciales de la industria discográfica y entonces usando la combinación básica de voz, guitarra, bajo y batería, comenzaron a componer y ensayar nuevos temas que sentarían las bases de lo que años más tarde sería llamado «rock latino». A finales de ese año el grupo cuenta ya con varias maquetas que son continuamente pinchadas en la radio y tocadas por la banda en sus cada vez más frecuentes conciertos.

En esta época graban el single " La estatua del jardín botánico / Rompeolas ", cuya psicodélica cara A quedó, según ellos, un poco más redonda que el resto de las canciones de la época. El single fue producido por Jaime Stinus y supuso un relanzamiento para Radio Futura, pues poco después salió a la venta otro que contenía los temas "Dance usted" (en el que pretendían volverse a presentar como una humilde banda de baile) y el instrumental Tus Pasos. Con todo esto, la banda comenzaba a llenar las salas de los conciertos, ya no sólo de Madrid sino también del resto de España. El grupo había conseguido, durante estos dos años, desarrollar su idea de fusión con la música negra, en una fórmula apodada funky-punk, que sería la base para la búsqueda de las raíces propias de la tradición hispana.

El año 1983 fue un año de conciertos por toda España, por lo que el grupo se vio obligado a llevar una vida de carretera, lo que inspiraría muchas de sus próximas canciones. Para entonces el grupo tiene ya un enorme prestigio a nivel popular; manejan un repertorio no grabado en ningún álbum, pero escuchado por las principales emisoras de radio, por lo que todo el mundo conocía sus temas y tarareaba las letras en sus conciertos. Así que en otoño de ese año firmaron un contrato con el sello Airola ( con quien se mantienen hasta el final ) y así fue que grabaron su segundo disco “ La ley del desierto, la ley del mar “. En este primer disco «serio» se encuentran entre otras piezaas "Hadaly", "Escuela de calor", realizada a partir de retazos sueltos de textos sobre la ciudad en general y convertido seguramente en su tema más conocido, la versión instrumental de esta última, "La ley", "En Portugal", y la sublime "Semilla Negra", también uno de sus más famosos temas, entre otras.

La principal característica de este álbum es que se trata de un álbum conceptual con dos partes: la primera, «La ley del desierto», contiene sonidos secos y duros, mientras que la segunda, «La ley del mar», consta de sonidos deliciosamente acuosos.

Como tuvieron que esperar tres años hasta poder grabar este disco, aprovecharon la excelente oportunidad que les brindó la compañía discográfica Ariola y se encerraron en una casa de “ El Escorial “ para preparar un nuevo álbum que finalmente se llegá a grabar en Londres “ De un país en llamas “ que vió la luz en el año 1985. Por otra parte, el grupo decidió remezclar una de sus canciones, Semilla negra, y para ello solicitaron la colaboración de Raimundo Amador que introdujo una
guitarra gitana en el tema. El single se mezcló en Londres y así obtuvieron el primer maxi-español con un nivel internacional. Aquel mismo año, Solrac decidió abandonar el grupo por desavenencias con el resto de componentes.

Tercera formación

Santiago Auserón ( guitarra y voz )
Luis Auserón ( bajo )
Enrique Sierra ( guitarra ); Javier Monforte ( guitarra )
Carlos Torero ( percusión ) ; Oscar Quesada ( percusión )
Pedro Navarrete ( sintetizadores )

En 1986, el grupo experimentó nuevas modificaciones en cuanto a su sonido y a sus integrantes, así fue como se incorporaron Carlos Torero en la batería y Pedro Navarrete, un teclista salido del conservatorio de música que decidió pasarse al rock. Con esta formación en el años 1987 grabaron en Nueva York su disco “ La canción de Juan Perro “. En la Gran Manzana descubrieron que la música que les gustaba sonaba por todas partes así que contrataron a Daniel Ponce, un percusionista cubano, y a los Uptown Horns como sección de vientos. Ese álbum tuvo buiena aceptación en el público, pero no así con la crítica a la cual, no acabaron de convencer. Poco después, Enrique Sierra enfermó del riñón y tuvo que ser ingresado en el hospital, así que el grupo se vio obligado a buscar a un nuevo guitarrista, así fue como se integró Javier Monforte.
En 1988, una vez recuperado Sierra decidieron mantener a Javier y el grupo se quedó con seis componentes. A mitad de temporada, Carlos Torero fue sustituido por Oscar Quesada.

Por aquel entonces, el grupo andaba negociando con su compañía discográfica la posibilidad de grabar un disco en directo que finalmente no se hizo realidad hasta octubre de ese año. Antes editaron el single “ Paseo con
la negra flor “, una nueva versión de La negra flor en clave raggamuffin que sirvió para relanzar al grupo que no atravesaba uno de sus mejores momentos. Este tema fue creado como un homenaje a la ciudad de Barcelona y en concreto a La Rambla. El disco en directo se grabó los días 28 y 29 de octubre en Valencia, los dos últimos conciertos de su gira. El álbum apareció a principios del 89, en formato doble con once temas. Se llamó “ Escuela de calor. El directo de Radio Futura. “

Ese año, 1989, los planes del grupo giraban en torno a la grabación de un nuevo disco de estudio, para celebrar sus diez años de carrera, y una nueva gira. Sin embargo, Enrique volvió a caer enfermo y el grupo emprendió el tour con una formación en la que destacaba Ollie Halsall, quien falleció en 1992.

Ultima Formación

Santiago Auserón ( guitarra y voz )
Luis Auserón ( bajo )
Enrique Sierra ( guitarra )
Ollie Halsall ( guitarra )
Antonio Vázquez ( percusión )

En marzo de 1990, salió su disco “ Veneno en la piel “, con el que consiguieron su primer número 1 en España. El grupo se dedicó a la promoción de este LP y a buscar una nueva formación. De nuevo un quinteto, integrado por: Enrique Sierra, Ollie Halsall, Antonio Vázquez, Santiago y Luis Auserón. El tour "Veneno en la piel" fue el último de la banda y el día 30 de septiembre de 1990, en “ Las Rozas “ en la ciudad de Madrid, fue cuando Radio Futura se sube por última vez a un escenario. Así fue que la banda emprendió su último tour, “ Veneno en la piel “. la cual fue la gira más costosa de la banda puesto que contaban con más medios y se realizó en recintos más grandes, algo que no agradaba demasiado al grupo.

A pesar de las intenciones de los componentes de la banda de seguir cada uno por su lado, seguían sujetos a compromisos contractuales con su compañía y en 1991 apareció Tierra para bailar, un disco con remezclas de las canciones más bailables del grupo, siguiendo la iniciativa del productor Joe Dworniak. El álbum reunía temas antiguos (Semilla negra, El tonto Simón), un inédito (El puente azul), y una adaptación de Caetano Veloso (Tierra). Así fue que hasta el año 1992 no se puede hablar de una separación definitiva y oficial de Radio Futura. Ese año apareció en el mercado una caja con todos los compactos del grupo, y con ella se incluyó el disco Rarezas que contenía temas descartados en antiguas sesiones, y algunas canciones que nunca se habían editado pero que el grupo había tocado en directo en algunas ocasiones. A partir de entonces, los componentes de Radio Futura emprendieron sus carreras en solitario.

De esta manera, en 1992, surge Juan Perro, en realidad, Santiago Auserón, que comienza una exitosa carrera en solitario, con “una música que conjuga el lirismo popular más aventurero y místico español y las tradiciones rítmicas africanas”, lanzando al mercado una recopilación de discos con temas, intérpretes y autores esenciales del “son cubano”. uan Perro lanza otros trabajos como Raíces al viento o La huella sonora, a la vez que ofrece conferencias de contenido filosófico y musical para diversas universidades y participa en el homenaje a Federico García Lorca en 1998, componiendo música e interpretando dos de sus poemas.

En 2003 salió a la venta, con el nombre de Caja de canciones, una caja con seis de los álbumes del grupo en edición mini-LP, con algunas modificaciones en dos de los trabajos (en Escuela de calor se sustituyó "Semilla Negra" por "Annabel Lee", y Tierra para Bailar se reestructuró, añadiendo las versiones de "Escuela de Calor" y "La estatua del jardín botánico" realizadas para Memoria del Porvenir, sustituyendo la versión de "Paseo con la negra flor" por la de ese mismo álbum y suprimiendo la remezcla de "Dance usted"), con un libreto con las letras de las canciones y los datos de cada disco. En 2004 fue editada una recopilación llamada Lo mejor de Radio Futura: Paisajes eléctricos (1982-1992) con dos discos de música y un DVD, con todos los videoclips y las actuaciones en TVE, además de la discografía oficial y el cómic que Max realizó para la canción "El canto del gallo". En ese mismo año apareció el disco Arde la Calle. Un Tributo a Radio Futura, con veinte temas de la banda interpretados por artistas actuales. Se extienden rumores de la posible región del grupo, pero Santiago Auserón sigue su carrera en solitario y su hermano Luis y Enrique Sierra trabajan en un proyecto conjunto llamado Klub, un proyecto de música de baile, con el cual editan un disco homónimo en 1999. Juan Perro lanza otros trabajos como Mr. Hambre, con temas como La charla del pescado o Los diez mandamientos, pero ya no en la misma sintonía cubana que los anteriores. Ya que éste tiene un claro esquema rock y Cantares de vela (2002) y La fábrica de Tonadas, cuenta con influencias jazzísticas. En 2005, Santiago Auserón se reúne con su hermano Luis con el nombre de su productora artística, La huella sonora, para hacer una gira que llamarán Las malas lenguas, donde adaptarán al español, clásicos del rock como Sunday Morning, de Velvet Underground, Heartbreak hotel, de Santana o Ballad of a thin man, de Bob Dylan.

Raíces al viento (BMG Ariola, 1995) y La Huella Sonora (BMG Ariola, 1997)
manifiestan la idea de que el son cubano es una puerta abierta a la evolución del rock hispano y como tal se construyen los temas. El tresero Pancho Amat y el percusionista Moisés Porro aportan la textura sonera de estos trabajos. La ruptura de pensamiento y lenguaje musical que supone la aparición de Mr. Hambre pone fin a la que hubiera sido la trilogía sonera de Juan Perro. Su compromiso con el son se ve aplazado ante la saturación comercial que sufre el mercado y Santiago otea por otros territorios.

Con Cantares de vela introduce pinceladas jazzísticas en la construcción de unos temas que cuestionan el estatuto de la canción popular contemporánea y su capacidad de recuperar la interpretación de la realidad. Las Malas Lenguas, es un proyecto de los Hermanos Luis y Santiago Auseron, este surgio tras la disolucion de Juan Perro y como una manera de compartir experiencias mas alla de Radio Futura. Se trataba de un grupo formado para cantar esas canciones que les habian influido desde siempre, asi que decidieron hacer versiones de viejos temas de Bob Dylan, Jimmy Hendrix, Elvis Presley, James Brown, Chuck Berry y muchos mas, el resultado una coleccion de clasicos grabados por dos leyendas del rock español.

Discografía Radio Futaura

1980 - Música Moderna

1980 – Divina ( Simple )

1980 – Enamorado de la moda juvenil ( Simple )

1982 – La Estatua en el Jardín Botánico ( Simple )

1983 – Dance Ud ( Simple )

1984 - La Ley del Desierto, La Ley del Mar

1985 - De Un País En Llamas

1987 - La Canción de Juan Perro

1989 - Escuela de Calor. El Directo de Radio Futura

1990 - Veneno En La Piel

1992 - Tierra Para Bailar

1992 - Rarezas: Radio Futura

1998 – Memorias del Porvenir

2004- Paisajes Electricos

Videos

Radio Futura - Escuela de calor

Radio Futura: La Estatua Del Jardin Botanico

Radio Futura - "Semilla negra"

Radio Futura - Dance usted

RADIO FUTURA - Enamorado de la moda juvenil

Radio Futura - Veneno en la piel

Fuentes de información y mi agradecimiento

Abrete Libro

Biografìa

El Blog de Elsa

Wikipedia

Enciclopedia del Rock en tu idioma( gracias al buen amigo Horacio Rivera ) por facilitar algunos links e
información, además se encuentran links a los ultimos trabajos de los integrantes de Radio futura )

Espacio de Chús: Leyendas del Rock, Pop y otros estilos

La nueva ola de los ochenta ( por los links de los singles )

La vida de José Alberto Iglesias de Caseros, Tanguito

(El Topo) — Sun, 29 Apr 2012 19:02:00 -0700

También conocido como Tanguito, Tango, Ramsés VII, Susano Valdéz, Donovan el Protestón y Drago, fue un músico del rock, casi desconocido en su época pero reverenciado en la actualidad. Se le considera pionero del rock Argentino, junto a otros grandes cantautores como sus amigos Moris, Pappo, Litto Nebbia, Óscar Moro y Luis Alberto Spinetta.

José Alberto Iglesias nació el 16 de Setiembre de 1945 en Ciudad del Libertador General Don José de San Martín, más conocida como San Martín, hijo de José Iglesias, quien vendedor ambulante de artículos de mercería en las ferias de Caseros y Santos Lugares, y Juana Correa, empleada doméstica y ama de casa. José Alberto tuvo una sola hermana, Carmen, quien era cinco años menor que él. En la escuela no le fue bien. Terminó a duras penas la formación básica o escuela primaria, desertó tempranamente de la educación secundaria y su intento de estudiar jardinería y paisajismo en la escuela del Jardín Botánico quedó en eso, en un intento.

Lo suyo no eran los libros sino la guitarra, el divague y el canto. A los 17 años, José se presentaba en los clubes de los barrios de Mataderos y Flores cantando, en su mayoría, versiones de temas ajenos de rock & roll. La oportunidad le llegó en 1963, cuando consiguió convertirse en el grupo Los Dukers de Mataderos, que por entonces ya habían conseguido grabar en el sello Music Hall. Por entonces, sus amigos del barrio habían empezado a llamarlo Tanguito porque bailaba muy bien el rock'n'roll y le decían, en broma, "bailate algo, Tanguito".

En medio de una intensa actividad con actuaciones en distintos clubes de barrio, llegó a compartir programaciones con agrupaciones como: Sandro y Los de Fuego, los Pick Ups y los Bobby Cats, conjunto en el que cantaba Giuliano Canterini conocido como Billy Bond. Tanguito debutó discográficamente como voz líder de Los Dukes en la primavera de 1963, con apenas 18 años, grabando un tema de Palito Ortega y Dino Ramos: “ Decí por qué no querés “, y uno propio: “ Mi pancha” . A fines de enero de 1964, apareció el segundo y último simple grabado por Tanguito con Los Dukes. El disquito incluyó: “ Carnaval Carnaval “ de Ball y Roger, en versión en español de Santos Lipesker, y Maquillada de Freddie Cora. Aunque los discos fracasaron, para Los Dukes las actuaciones en vivo iban muy bien: durante mucho tiempo brindaron 11 conciertos por fin de semana. Algunos amigos de Tango opinan que ese período fue el comienzo de la relación entre Tanguito y los estimulantes. Es muy posible que haya empezado a utilizarlos para ser capaz de resistir ese agotador ritmo de casi cuatro recitales por día.

Aca está una copia de este disco

1963 – 1964 Los Dukes: Canta Tanguito

Promediando el otoño de 1963, Tanguito se entusiasmó con una posibilidad de hacer
una grabación como solista, a partir de un contacto que un nuevo amigo suyo, Horacio Martínez, había logrado en el sello RCA Víctor. Entonces
renunció a Los Dukes. Pero no llegó a grabar en ese momento en RCA con el nombre artístico que ya había escogido; Ramsés VII. Lo que sí consiguió, por su amistad con Martínez, fue llegar a un lugar en el comenzaba a cocinarse la música que después se llamaría rock Argentino:
La Cueva de Pueyrredón.

La Cueva

Originalmente llamado La Cueva de Pasarotus, había sido un cabaret, conocido como Jamaica por un tiempo y luego como El Caimán. El sótano de Pueyrredón 1723 casi Juncal albergaba en el invierno de 1964 a un buen número de músicos de jazz que empezaba a mezclarse con jóvenes de menor edad que traían otra música en sus oídos, el rock'n'roll. Desde ese momento y hasta el cierre del local, en 1967, Tanguito compartió muchas noches con personajes como Moris, Javier Martínez, Alejandro Medina, Pipo Lernoud, Sandro, Billy Bond, Litto Nebbia, Miguel Abuelo, Horacio Martínez, Charly Camino, Carlos Mellino. En rigor, La Cueva pasó por distintas etapas. En la última, el grupo fijo que amenizaba el lugar era uno liderado por los rosarinos Litto Nebbia y Ciro Fogliatta, que luego se dio a conocer como Los Gatos.

Los días 7, 12 y 14 de diciembre de 1966, algunos músicos que frecuentaban La Cueva como Moris, Tanguito y Los Seasons (grupo del que formaban parte Alejandro Medina y Carlos Mellino), se unieron a otros como Bob Vincent y Susana, ante la iniciativa del periodista y poeta Miguel Grinberg, para celebrar una serie de conciertos titulados: " Aquí, allá y en todas partes", que tuvieron lugar en el Teatro de La Fábula de Agüero 444. En ese espectáculo, Tanguito cantaba, en un inglés sanateado, dos temas ya clásicos del primer rock'n'roll, Tutti frutti de Little Richard, y Perro feroz de Leiber y Stoller, ambos popularizados por Elvis Presley. Grinberg recuerda que Tanguito participó de esta experiencia con interés y responsabilidad, concurriendo a todos los
ensayos.

Aquí podría ubicarse el comienzo de la más feliz etapa de su vida relacionada con la música. Poco después de estos conciertos, en una de las innumerables noches de naufragio del grupo de amigos de La Cueva que terminaban inevitablemente en el bar La Perla de Once, ubicado en Jujuy y Rivadavia, frente a la plaza Miserere, Tanguito comenzó la composición de "La Balsa", tarea que completó Litto Nebbia.

La Perla del Once

Durante los tiempos de La Cueva y "De aquí...", el grupo de amigos solía recalar en el bar La Perla del Once (Jujuy y Av. Rivadavia, Plaza Once). Pipo Lernoud recuerda esas reuniones: "Se llegaba a La Perla al salir de La Cueva, caminando lo más derecho posible hacia la izquierda unas 20 cuadras. En ese lugar se armaba una cosa muy caliente. Todo el mundo traía su cuadernito, su libretita, sus papelitos donde tenía anotado algo: una canción o una frase que había leído. No era que nos sentábamos y nos quedábamos callados. Era todo el tiempo divague, conversar y mostrar lo que teníamos escrito".

Fue en el baño de ese bar, en una de las madrugadas de fiesta, conversación y música, donde Tanguito inició la composición de su pieza más recordada, que luego sería concluida por Litto Nebbia, "La Balsa". Posiblemente inspirado por el bolero La Barca, que poco antes había escuchado junto a Pajarito Zaguri. La afirmación anterior proviene de varios participantes del grupo, basándose en el similar sentido de los versos de ambas composiciones. La Barca reza: Hoy mi playa se viste de amargura / porque tu barca tiene que partir/ a cruzar otros mares de locura / cuida que no naufrague en tu vivir, mientras que La Balsa dice Tengo que
conseguir mucha madera / tengo que conseguir de donde pueda... / Y cuando mi balsa esté lista partiré hacia la locura / con mi balsa yo me
iré a naufragar.

El primer verso de La Balsa rezaba: "Estoy muy solo y triste en este mundo de mierda". Por presiones de la autocensura de los sellos grabadores, finalmente Nebbia adaptaría la frase inicial a "Estoy muy solo y triste en este mundo abandonado". Más tarde, Litto Nebbia concluyó la canción —dotándola de una melodía con un remoto aire a bossa nova— y la mostró a sus compañeros de Los Gatos Salvajes. El 19 de junio de 1967, Los Gatos grabaron "La Balsa" en una sesión tomada en carácter de prueba por el sello RCA. Anteriormente, el grupo había rendido un primer examen el 27 de abril, con el tema Ayer nomás de Moris y Pipo Lernoud (con letra modificada por Nebbia). El 3 de julio, el sello Vik, subsidiario de RCA, publicó el primer simple de Los Gatos con "La Balsa" y Ayer nomás. Veinte días después se cerró La Cueva, que venía siendo víctima de un despiadado acoso policial, con allanamientos cotidianos.

1967 – Los Gatos

La versión de Los Gatos de La Balsa se vendió estupendamente bien, unas 250.000 copias en escasas semanas, y en consecuencia, fue la única obra de Tanguito que le proporcionó ganancias debido a las regalías. Sumergido durante toda su vida en la pobreza, Tanguito salió, entusiasmado, a comprar pantalones, zapatos, botas, camisas, dos guitarras y una
cantidad asombrosa de discos. Una de las guitarras se la obsequió enseguida a otro colega músico aún más pobre que él. Quienes lo conocieron, no se sorprendieron por esa excentricidad. Tango solía andar de prestado, pedía dinero a menudo (y alguna que otra guitarra que no devolvía), “divagaba” todo el día: “era un personaje”, recordó con cariño cierta vez Moris. El negrito tenía otro tic: atribuirse temas de otros autores. Así, por ejemplo, la letra de Amor de Primavera es de Hernán Pujó y La Princesa Dorada es de Pipo Lernoud, aunque Tanguito –que las había musicalizado- se olvidaba” de mencionarlos cuando las cantaba...

El 21 de setiembre, por iniciativa de Pipo Lernoud, se concretó la presentación formal de los hippies de Buenos Aires, en una reunión celebrada en Plaza San Martín. En rigor, se trató de un intento de oficializar de alguna forma la existencia de los pelos largos, para detener la persecución de que ya eran objeto los jóvenes que lo usaban. Esa tarde, Tanguito cantó en el centro de una ronda. Interesados por la colorida novedad, algunos medios periodísticos se dieron por enterados de la existencia de los melenudos porteños. El programa Sábados Circulares que conducía Nicolás Mancera invitó a los hippies al estudio de Canal 13, y así Tanguito pudo cantar varios temas ante las cámaras. Entre ellos, La balsa. Ante el moderado éxito de esa presentación, otro periodista, Antonio Carrizo, concedió a Tanguito su primer y único contrato televisivo, para hacer algunas actuaciones en el programa "Sábados Continuados".

La princesa dorada

El 18 de enero de 1968, en días en que "La Balsa" era la canción más difundida y vendida del momento, Tanguito grabó dos temas propios en los estudios RCA, acompañado por la orquesta de Horacio Malvicino. Esos registros -La princesa dorada, escrito en colaboración con Pipo Lernoud, y "El hombre restante", coautoría con Javier Martínez- fueron los únicos que realizó profesionalmente como solista. El 4 de abril fue editado este sencillo que saliera bajo la autoría de Ramsés VII, y por el sello RCA - Víctor con los dos temas que Tanguito había grabado en enero. Pero sin apoyo de difusión de la compañía, y sin interés visible de su responsable porque se conociese suficientemente, la edición tuvo poco vuelo y fue un fracaso comercial. En ese momento podría ubicarse el final de sus días buenos.

1968 - La princesa dorada

La caída

A mediados de 1968, Tanguito entró en las drogas inyectables ( anfetaminas ). Hasta ese momento sólo había probado pastillas para no dormir y ocasionalmente marihuana. A esa altura de su vida, había cambiado sus amistades. Si bien mantenía cierto contacto con sus viejos compañeros de La Cueva, sus relaciones más estrechas las mantenía con gente que había conocido en el divague en las plazas y en los bares.

Tanguito grabó algunas canciones entre 1969 y 1970, en los estudios TNT donde Manal, Moris y Vox Dei, entre otros, estaban registrando sus primeros trabajos para el sello Mandioca conducido por Jorge Alvarez, Pedro Pujó, Rafael López Sánchez y Javier Arroyuelo. Tanguito era parte del staff artístico de Mandioca en forma tácita. Esos registros fueron hechos sin mayor cuidado con el único acompañamiento de su guitarra acústica, al parecer como boceto para que se pusiera en marcha la producción de un
álbum. Pero ese trabajo elaborado nunca se pudo hacer. Tanguito cantó acompañado de una simple guitarra, entre otros, su tema Natural. Juntándolo con Elena (de Manal), Muchacho (de Moris), Niño de color cariño (de Alma y Vida), Nunca sabrás (de Pappo) y Verdes prados (de Billy Bond), Mandioca produjo un compilado que salió a la venta a fines de la primavera de 1970. Según la crítica de aquella época y también de la actual, el tema de Tango es el más logrado de la placa, que se denominó "Pidamos peras a Mandioca".

1970 - Pidamos peras a Mandioca

Poco significó para Tanguito aquella inclusión en el disco. El vagabundeo y las detenciones fueron cada vez más continuos. La persecución policial fue despiadada con él, y por eso muchas veces sus huesos fueron a dar a la cárcel de Devoto, acusado de contravenir edictos Policiales como los de ebriedad, mendicidad y vagancia, y disturbios en la vía pública. Para fines de 1970, a la gravedad de su toxicomanía se había agregado un grado terminal de alcoholismo. Tanguito fue puesto en prisión numerosas veces por este motivo. En una de esas oportunidades, el poeta fue abandonado en una celda, y, a pesar de sus ruegos, se le negó ingerir alcohol. En consecuencia, cayó en un grave episodio de delirium tremens que le causó tan graves daños neurológicos que a partir de entonces nunca volvió a reconocer a sus amigos.

Era el principio del fin: Tanguito había iniciado el derrumbe definitivo que, menos de un año y medio más tarde, le costaría la vida. Su amigo Spinetta afirmó en una oportunidad: "Yo jamás me inyecté, pero sé que Tango es sinónimo de jeringa. Yo lo viví. Estábamos en mi casa y tenía que ayudarlo a picarse (inyectarse) porque era terrible. Por ahí hasta era peor si no se picaba, porque se moría tanto como picándose."

Después de numerosas detenciones, en febrero de 1971, llegó a ser presentado por la división Seguridad Personal de la Policia Federal como cabecilla de una banda de narcotraficantes. Su salud mental siguió esta pendiente declinante: preso en Devoto, fue internado varias veces en el Hospital Neuropsiquiátrico Borda, que había inaugurado un servicio de Drogadicción. Tanguito pasó muchos meses allí recluido, y fue tratado mediante electroshocks y shocks insulínicos. Finalmente, en mayo de 1972 fue declarado oficialmente demente y trasladado a la Unidad 13 del mismo nosocomio, una unidad penitenciaria donde se encierra a los criminales psicópatas y enfermos mentales.

Sin embargo, Tanguito logró fugarse de ese lugar una madrugada, y llegó finalmente a la estación Retiro para abordar un tren del Ferrocarril San Martín que lo hubiese trasladado a su casa en Caseros City. Ese día, 19 de mayo de 1972, a la hora 10:50 y por motivos nunca esclarecidos, Tanguito cayó o fue arrojado de la formación, acabando su vida destrozado por las ruedas del tren sobre el puente que cruza la Avenida Santa Fe. Tenía 27 años. La noticia de su muerte no fue recogida por ningún medio y el trágico episodio jamás fue investigado. Por lo tanto, no se conoce la causa real de su muerte. Pudo haber sido accidental, suicidio o incluso homicidio, ya que varios de sus amigos siguen afirmando que un policía lo arrojó del tren.

En 1973, el sello grabador Talent, heredero de Mandioca y también dirigido por Jorge Álvarez, publicó a modo póstumo las pruebas que Tanguito había grabado en 1970. El disco, titulado simplemente "Tango", fue —una vez más— mal distribuido y pasó sin pena ni gloria debido a su escasa calidad técnica y artística. Es notable el hecho de que, además de las canciones, se escuchan en el registro ruidos, toses y fragmentos de diálogos entre Tanguito y Javier Martínez. De hecho, el cantante de Manal dice, al comienzo del track correspondiente a La Balsa: "La compusiste en el baño de La Perla". La frase se repite muchas veces en la grabación, lo que llevó al sello a sufrir un grave problema con Nebbia, que interpretó que se lo quería apartar de la coautoría de la obra. El disco de vinilo sufrió una reedición en 1985 también con escaso éxito.

1970 – Tango

En el verano de 1993, junto a otros discos históricos del rock Argentino como 30 minutos de vida de Moris, el doble Manal de Manal, Desatormentándonos de Pescado Rabioso y Películas de La Máquina de Hacer Pájaros, apareció Tango en CD. La tirada de dos mil ejemplares se agotó de inmediato. En 1987, Marcelo Piñeyro se interesó por la leyenda de Tanguito para la que sería su ópera prima, y luego de marchas y contramarchas, consiguió hacer su película. Se llamó Tango Feroz, fue estrenada en el invierno de 1993, y esa es ya una historia conocida que tambien está publicada en este blog.

1993 - Tango feroz: la leyenda de Tanguito

El legado de Tanguito

Tanguito ha sido reconocido como una de las figuras más trascendentes e influyentes de la historia del rock Argentino. Miguel Grinberg afirmó que Tango fue el principal impulsor del pasaje de la lengua inglesa a la castellana en el rock Argentino, apoyado por sus letras líricas, sencillas y contundentes.

A pesar del poco suceso de sus grabaciones, la crítica de su tiempo lo alabó en el mismo sentido —en las escasas oportunidades en que se ocupó de él—. Así, por ejemplo, la revista "La Bella Gente", en su número 13 (diciembre de 1970) publica este comentario sobre Natural, el tema de Tango incluido en el compilado de Mandioca: "Tanguito logra aquí, posiblemente por primera vez, llevar al disco toda la autenticidad y el feeling con que solía cantar en las plazas de uenos Aires. Es la revelación de este disco: Natural es un tema simplísimo y muy hermoso: Tango —algo ronco, lo cual le queda muy bien- tiene un mensaje musical nuevo y algunas otras cosas para decirnos. Merece ser escuchado".

Los temas de Tanguito han sido interpretados numerosas veces por otros importantes artistas: La Balsa ha merecido muchas versiones; Amor de Primavera fue tocado muchas veces por Invisible y b>Natural se ha convertido en poco menos que un himno al amor, sobre todo después de la exitosa película de Piñeyro, como también El Despertar de un Refugio Atómico considerada también como un testamento póstumo del cantautor.

Anecdotario de un artista excéntrico

La vida de Tanguito se vio sobrecargada de anécdotas que demuestran su extraño espíritu y su retorcido sentido del humor: en cierta época se reconocía fácilmente porque caminaba por la calle vestido con una malla de baile y con un gorro de baño en la cabeza.

Su pobreza le impedía gastar dinero, pero no le prohibía darse ciertos gustos: según un sitio web que lo homenajea, "Muchas veces entraba a un bar, miraba chicas, hablaba y, cuando el mozo se acercaba, le preguntaba: `¿Tiene café?´ `Sí.´ `Ah, bueno. Gracias.´. Y se iba."

No se privaba de viajar en taxi, pero siempre carecía del dinero para pagar los viajes. Por consiguiente, al llegar a destino se bajaba y escapaba a la carrera. En más de una ocasión, por el contrario, entraba a la casa a la cual iba e visita y obligaba al anfitrión a abonar el viaje. Su costumbre de pedir dinero era de universal conocimiento, al punto de que sus amigos lo apodaban "Prestame cien pesitos".

Los taxis fueron su perdición, debido a que era muy distraído. Grinberg manifiesta: "El tipo (Tanguito) cobró la guita (lunfardo por "dinero") de La Balsa, que en esa época era una cantidad alucinante. Fue a una
disquería y dijo:`Déme el mejor grabador, el mejor tocadiscos, todos los discos que tenga...´, una montaña así de discos importados. Se metió en un taxi... ¡y cuando bajó se lo olvidó todo arriba!"

Estando sin un centavo, prometió a algunos amigos que haría que un policía le diera dinero. No le creyeron, pero Iglesias se acercó al oficial, le habló, y finalmente obtuvo lo que quería. Invirtió ese dinero en comprar un sandwich para sus amigos en La Perla del Once.

Una vez, al bajar de un colectivo de la línea 5, comprobó azorado que se había olvidado la guitarra en el asiento. Subiendo desesperado al ómnibus siguiente, hizo descostillar al conductor al ordenarle "¡Siga a ese colectivo!".

Hasta su forma de hablar era graciosa. Según Javier Martínez: "Tango era un personaje... Una vez unos policías lo pararon en Pueyrredón y Córdoba. Le preguntaron dónde vivía. Dijo: `Caseros City´. `¿Ocupación?´ `Musician.´ `¿A dónde se dirige?´ `Le Cave...´. Mezclaba todo...".

Tango se divertía, pero también sufrió. Su amigo Miguel Grinberg recuerda las bromas crueles a las que era sometido: "Tanto se habla del amigo Tango, y sin embargo yo lo recuerdo como uno de los tipos mas maltratados de La Cueva. Maltratado, ¿cómo lo puedo explicar...? Él vivía lejos, en Caseros, entonces andaba siempre con su bolsita, con las medias, una camisa blanca, con todas las cositas que llevaba. Y, bueno, era usual que le escondieran la bolsita en La Cueva. ¿Viste que en el secundario siempre hay un tipo al
que todos tienen de punto? Bueno, Tanguito era el punto de La Cueva. Yo me acuerdo, de noche, tarde, que se tenía que ir, y pedía la bolsa, pedía la bolsa. Y me acuerdo de dos o tres noches, de una ronda de ocho o diez tipos pasándose la bolsa como jugando al vóley, y con Tango en el medio, tratando de agarrarla y diciendo: `Che, por favor, me tengo que ir...´. Me acuerdo las verdugueadas de los cueveros hacia Tango.".

Moris relata, con respecto a la persecución policial que sufría su amigo: "Golpeó mi puerta un oficial de la policía. Me preguntó si era amigo de Tango, y por supuesto le dije que sí. El policía me dijo: `Mire, nosotros andamos buscándolo a pesar de que sabemos que en el fondo es un buen tipo. Lo suyo no es un problema personal: es un problema social´.".

Prácticamente el único rasgo negativo de la personalidad de Tanguito era su tendencia
a pedir y no devolver, y su voracidad por apropiarse del trabajo de otros. Siempre dijo que era el autor de la canción Errol Flynn, que estuvo muy de moda en 1968 y que en definitiva no era suya, sino de Moris, Pajarito Zaguri y Giannoni. Pipo Lernoud se queja: "La letra de
Amor de Primavera no es de Tanguito sino de Hernán Pujó. No figuró en el crédito porque Tanguito no lo puso, como tampoco me hizo figurar a mí
en La Princesa Dorada. Yo lo conocía como la puta madre (argentinismo por "muy bien"), pero nunca supe si se hacía el sota (el desentendido) o si era un turro (malicioso)... aunque fuera a un nivel muy lindo.".

Miguel Grinberg dice: "Era capaz de afanarte la viola". Decía: `A ver, prestámela que voy a tocar a lo de un amigo que vive a dos cuadras...´. Se iba, y cuando lo veías de nuevo y le preguntabas sobre la viola, te contestaba: `Ah, no, vos sabés que me la pidió un primo mío que se iba a Mendoza...".

Significado de algunos seudónimos

Algunos de los numerosos seudónimos utilizados por José A. Iglesias tienen curiosos orígenes:

Tango o Tanguito: Los hombres suburbanos —en tiempos de la adolescencia de Iglesias— solamente bailaban tango. Él, por el contrario, pasaba por ser un experto bailarín de rock. Por eso, sus amigos le pedían que bailara: "Bailate un tango, José. Un tanguito", y él bailaba un rock. La frase, repetida hasta el cansancio, quedó asociada con él, que pronto fue conocido por esos apodos.

Ramsés VII: Proviene de la admiración del músico por el faraón egipcio Ramsés II. La cifra "VII" ("séptimo") se debe a la inclinación que Tanguito sentía a componer en base a séptimas dominantes.

Donovan el Protestón:
De la costumbre de protestar constantemente, pero no en el sentido político sino por estar triste, solo o sin dinero. De allí también el primer verso de La Balsa.

Drago:
No se debe, como podría pensarse, a la planta de ese nombre, sino a un artefacto doméstico productor de soda, el Sifón Drago, obvia referencia a la prominente nariz de José Iglesias.

En el año 2009 se edita un CD ttulado: " Yo soy Ramsés ", estas grabaciones que Mario Pizzurno produjo de manera independiente. Fueron realizadas por el ingeniero Tim Croatto en octubre de 1967 en la primerísima base de los estudios TNT (Santa Fe 1050, piso 1; lugar que ya no existe).

Pizzurno ejerció el papel de devoto guardián de esas cintas hasta que las puso en manos del investigador musical Andrés Jiménez. Años después, Roque Di Pietro, del sello La Vida Lenta Discos, conoció a Andrés Jiménez gracias al periodista Alfredo Rosso.

¿El resultado? "Es Tanguito solo con su guitarra", cuenta Di Pietro, "haciendo canciones de las cuales se conocía su existencia pero nunca se habían escuchado (Sutilmente a Susana, Billy el náufrago), versiones de temas que sabemos bien (Amor de primavera, Esto va para atrás, de Moris) y también temas desconocidos.

Acá les dejo la anécdota mas detallada segun el amigo del blog fermatamolarvinilos

" En
la primavera del 2000, conocí a Mario Osmar Pizzurno, el mítico productor y director artístico de la RCA Víctor, a quien buscaba desde hacía tres años, tratando de obtener su testimonio para mi libro sobre el grupo uruguayo “Los Iracundos”. La entrevista fue en un bar del Abasto y ya los minutos finales me sorprendió que accediera a continuar los encuentros siendo que fue toda una odisea vencer su resistencia a hablar de su época de oro en el mercado discográfico argentino. Comenzamos a todos los martes en ese bar, y allí, una tarde me dijo: ‘Ve todos los artistas que tuve yo en lo RCA, de los únicos dos que guardé algo, fue de Los Iracundos y de Tanguito, del cual tengo unas cintas inéditas... Inmediatamente le pregunté sobre el origen de las mismas. Esto fue lo que me dijo:

“Cuando ‘La balsa’ comenzó o tener cierto éxito, me interesé por su co-autor y creo que le pedí al gordo Martínez que me lo ubicara....

Así conocí a Tanguito.

Era un personaje simpático, que tomó confianza y comenzó con uno serie de
pedidos: comida, cigarrillos y varias veces sumas de dinero que venían precedidas de una larga historia. Esto en muy poco tiempo, semanas... hasta que llegó el mangazo grande... y la promesa: “En pago, voy a grabarles unas canciones muy lindas que son mías (...) Esas cintas pertenecen a mi archivo personal y los conservo como un tesoro desde entonces (... -) ‘

El proceso para que Pizzurno me confiara las cintas no fue fácil y, sin haberlas escuchado, le presenté un proyecto de publicación, haciéndole hincapié en la importancia histórica del material. Paso un tiempo (alrededor de cuatro meses) hasta que me entrego dos cajas de la marca Ampex, con dos cintas sin identificación, pero que el me aseguraba que eran de Tanguito. Minutos después, en mi casa, pude reproducir en el aparato de cinta abierta las dos cintas del 7 ½ y pulgadas y descubrir con gran emoción una serie de grabaciones incunables. No lo podía creer, estaba escuchando, treinta y tres años después, temas que nos rescataban al mejor Tanguito, cuando todos los proyectos (para él y sus compañeros de ruta) recién comenzaban. De acuerdo a un cuaderno de anotaciones de Pizzurno, los doce temas fueron grabados el viernes 20 de octubre de 1967, en los Estudios TNT de la Avenida Santa Fe 1050.

“Tiene que haber sido de tarde -me comentó Pizzurno- porque a la mañana yo no la hubiera podido acompañar en el estudio”. En un nuevo encuentro, Mario Pizzurno me dio el OK para buscar algún interesado en editar las cintas.

Luego de cumplimentar una serie de requisitas indispensables en estos casos (firma de cesión de derechos mueble, etc.), me encontré con unos de los grandes documentos del rock entre mis manos y me lancé a la aventura. En un primer momento, hice contacto con Víctor Pintos (autor de uno de los libros existentes sobre Tanguito) y posteriormente, con la ayuda del periodista Alfredo Rosso, comencé una peregrinación por varios sellos. Finalmente se ubicó a las herederas (madre y hermana), la revista La Mano se involucró en el proyecto y hoy, a casi nueve años de aquella tarde en el Abasto, presentamos Yo Soy Ramsés.

Andrés E. Jiménez

Buenos Aires, Julio de 2009 "

Tanguito - 2009 - Yo soy Ramsés

Gracias como siempre a mis fuentes de información

La semilla del rock

La Historia del Rock Argentino

La Cofradía

Wilkipedia

Falabella

La carrera de Pajarito Zaguri

(El Topo) — Fri, 27 Apr 2012 19:46:00 -0700

Corre aproximadamente el año 1964 época en que muchos jóvenes de pelo largo se vuelcan hacia las playas más desconocidas y salvajes como una forma de reencuentro con la naturaleza para algunos o siguiendo alguna línea intelectual llegada desde el exterior, para otros, lo importante es que la juventud comienza a tomar partido por un cambio de vida. Una de las playas visitadas es Villa Gesell, lugar que sin proponérselo se volvería un referente juvenil, por allí deambulaba Pajarito Zaguri y sus canciones de protesta, lo que le traería problemas con el comisario de Villa Gesell, que le advierte "que se portará bien", lo que por aquellos días significaba no tentar a la suerte por lo que Pajarito ya no pisaría Villa Gesell. Mientras tanto, en Buenos Aires, la hoy recordada Cueva de avenida Pueyrredón seguía siendo un lugar sólo para aquellos fanáticos del Jazz ó músicos de este género. Aún se llamaba Passarotus. Las reuniones que un par de años después serían tan comunes, por estos días solo se daba entre los músicos de Jazz como Bernardo Baraj, Ricardo Lew, Jorge Navarro, el gordo Cáceres y Néstor Astarita. También había una pequeña avanzada de músicos de rock como Morís, Javier Martínez, Pajarito Zaguri y Pipo Lernoud que comenzaban a mezclarse con los músicos de Jazz.

Los Beatniks

Así empieza la historia de Alberto Ramón García (18 febrero 1941), más conocido como "Pajarito Zaguri", es un cantante que integró los primeros grupos que cantaban en castellano en La Cueva. En el año 1956 se junta con Moris para formar Los Shabaduba. Una década después, encabezan Los Beatniks, la banda que grabó el primer tema de rock argentino: "Rebelde" (1966).

El 2 de Junio de 1966 es considerada como la fecha de la primera grabación de rock argentino: en los estudios CBS Los Beatniks registran Rebelde, su único simple. Editaron 600 placas y solo se vendieron 200. Para conseguir promoción organizaron un escándalo con presencia periodística, tocando semidesnudos en una fuente del centro. Las fotos salieron en la tapa de la revista Así, y la edición fue censurada por el gobierno de facto de Onganía. Pasaron tres días en prisión, pero lograron amplia cobertura en los medios. Las pobres ventas y estas actitudes de los músicos que no gustaron a la compañía, determinaron el fin del contrato y la disolución del grupo. "Nosotros fuimos a Gesell a abrir un bar con Javier Martínez, Bob Vincent, Tanguito, Pipo Lernoud. Fuimos toda una banda que era impresionante y un escándalo. Ahí fue cuando Villa Gesell se transformó en algo fantasioso -realmente era más fantasía que realidad- porque nosotros lo único que hacíamos era bañarnos en el mar, comer puchero de batata y zanahoria y tocar la guitarra en un fogón en la playa. Pero la gente se alucinaba de que pasaba cualquier cosa. Mentira. No pasaba absolutamente nada"

En tanto Moris recordaba que los "parroquianos de la boite", quemaditos y sofisticados jugaban al sexo o al aburrimiento compartido. Pero igual nosotros hacíamos lo que queríamos y después nos íbamos al mar a pensar en las absurdas contradicciones de la vida". Terminada la temporada veraniega, el conjunto se disolvió. Javier Martínez, ya tenía la intención de armar un grupo de blues al que quería llamar Ricota a semejanza de Cream (Crema), y Moris, ya en Buenos Aires, se encontró con Pajarito Zaguri.

"Pajarito" me lo pusieron en el colegio primario, en el República de la India, entre Serrano y Thames. Como era el primero o el segundo de la fila, empezaron a llamarme " Pajarito". Después, en la época de Villa Gesell, estaba de moda Brigitte Bardot, y yo lo envidiaba a Bob Zaguri, que era
el novio de ella. Entonces, todo el mundo me empezó a decir "Pajarito Zaguri" y me quedó". "Yo tuve la idea de ponerles sandalias a Los Beatniks, de tener un pantalón de pana de diferente color cada uno, porque en esa época todo el mundo tenía que tener la misma pilcha para tocar. Era el ideólogo del grupo, el que decía cómo había que vestirse, dónde había que tocar, que tema había que cantar primero, cual iba en segundo lugar, y componía algunas ideas de letras. Pero Moris redondeaba todo con la música, con la composición". Moris contaba en 1976: " Cuando salió ya estábamos a apunto de separarnos, yo no quería seguir. Era un problema, en un conjunto había que consultarlo todo. Las letras, la forma de vestirse. las actitudes que se tomaban. Y, aparte, había un problema con Pajarito. Yo lo defendía a él. Los otros querían echarlo porque no tocaba bien la guitarra, tocaba medio mal. Yo decía que el Pájaro tocaba mal, pero tenía mucho carisma sobre el escenario, mucho ángel...blablabla...había siempre mil quilombos, y al final dije:"yo me voy a tocar solo".

1966 - Los Beatniks: Rebelde ( simple )

En 1968, tanto Moris como Pipo Lernoud y Javier Martínez estuvieron juntos en Villa Gesell, en plana época de Vietnam y el auge del pacifismo.
Sentían que había que darle una trompada a la sociedad... romper la Gran Careta Argentina. Mientras tanto, Pajarito pasó ese verano en Mar del Plata, ya que el comisario de la Villa lo había declarado una virtual "persona no grata".
Estuvo actuando en lugares como "El 51" y el diario El Mundo lo menciona en la sección Mar del Plata del 28 de diciembre; quot;Le dicen Pajarito y hace shakes en castellano, con letras que predican el amor libre y el rechazo de las costumbres burguesas".

El aspirante a músico salía con una chica de la zona y no tuvo mejor idea que capturarle el auto al eventual suegro: un Citroën. “Aprovechamos que el tipo estaba durmiendo la siesta y salimos a recorrer la villa –evoca–. El drama fue que se despertó y, al no ver el auto, hizo la denuncia.” Los agentes del orden, entonces, salieron a perseguir a la pareja y, en plena fuga, Pajarito se estrelló contra la puerta de una iglesia de la Avenida 3. “A la mierda con Jesucristo... ¡Éramos Bonnie and Clyde! Me bajé medio estúpido del auto y me tomé un Antón a Mar del Plata. Durante un año viví como un prófugo”, recuerda. Manejar no era para él. Al año, se estrelló otra vez sobre Libertador, frente al Zoológico, y abandonó sus inquietudes automovilísticas. “Dije no, basta. Me das una calesita y la choco”, se ríe. Zaguri jamás aprendió a manejar pero sí, de a poco y con mucho esfuerzo, a tocar la guitarra. Cuando acompañaba a Moris en Los Beatniks, su rol era más bien decorativo. Difusor y pujante. Ideológico. Fue el que puso la primera piedra en Villa Gesell, topografía originaria del rock argentino. Fue así: Mario Kaiser, uno de sus profesores de guitarra –el otro fue ¡Argentino Luna!–, fantaseaba con ponerse un boliche en la playa y pidió la concesión del terreno. “Se la dieron, pero jamás pusimos un palo para empezar la obra hasta que otro amigo levantó un balneario y nos pasamos todo el verano del ’65 ahí, haciendo nada. Estábamos nosotros, Carlos Gesell y los médanos (risas).” Cuando Zaguri volvió, pasó el dato en La Cueva y al verano siguiente estaban todos ahí. Javier Martínez, Moris, Rocky Rodríguez, Alejandro Medina, Alberto Abuelo. Eran las primeras horas del movimiento. La época del Juan Sebastián Bar. De “Rebelde” y “No finjas más”, que precederían a “La balsa”. “La gente estaba en otra, recién salía del Club del Clan y no alcanzó a entender nuestro mensaje. No sólo queríamos tocar sino demostrar que había valores, que teníamos cosas para decir y dar. Estábamos caprichosamente en contra de todo lo que pasaba, de todo. Incluso, con Javier Martínez le habíamos puesto Versus a un proyecto que nunca prosperó.”

Los Náufragos

Pajarito Zaguri comenta una historia en la cual dice que varios de los temas del primer LP eran en realidad de un disco solista de él, para el cual había podido elegir los músicos con total libertad. “ Ante la orden de grabar un LP y con la obvia intención de Francis de quitarnos protagonismo, nos vemos obligados a aceptar la inclusión de Pajarito Zaguri como séptimo integrante, quien era muy buen compositor pero con quien era muy difícil trabajar en vivo. En medio de la grabación Quique choca y casi se mata, por eso no está en la foto.
Apenas se recupera logramos desembarazarnos de Pajarito, quien fue integrante del grupo durante 60 días más o menos. Obviamente es mentira que lo hayan llamado del sello para grabar un disco solo ¿¡Con el grupo de acompañamiento y Quique cantando!? Y también es mentira que tuviese oportunidad de elegir nada. Hay dos versiones: la de Pajarito y la del resto. Todo lo de Pajarito es sanata, el no se fue del grupo, lo fuimos, si bien es cierto que sus temas son de lo mejor de ese LP. “

Su mayor éxito fue, probablemente, el disco que grabó junto a Los Náufragos, en 1969. Ese mismo año ganó el Festival de la Música Beat, organizado en el Teatro El Nacional. Pajarito se presentó con La Barra del Chocolate, su grupo soporte, e interpretó "Alza la voz".

Los Náufragos - 1969 - Otra Vez En La Vía

La aparición pública de Los Náufragos sucedía en la primavera de 1968, cuando lograron que en el sello CBS les grabaran su primer simple, obviamente con el nombre de "Los Náufragos". Este disco pasó absolutamente desapercibido (se vendieron 616 unidades) pese a ser probablemente el disco con la primera composición del rock Argentino. Se llamaba "Sutilmente a Susana" y fue un tema que el legendario "Tanguito" compuso a los 16 años, antes que a "La Balsa". Frente a semejante fracaso, el grupo se disolvió por unos meses hasta caer en la cuenta de que el contrato era por dos simples. Al reclamar esta segunda grabación, CBS se la otorgó; se grabó "Vuelvo a Naufragar ", después de esto " Otra vez en la vía ", " Yo en mi casa y ella en el bar", "Zapatos rotos", y allí comenzó una lista ininterrumpida de éxitos que aún hoy siguen escuchándose con inusitada frecuencia en toda Latinoamérica .

A sus primitivos integrantes, Gustavo Alessio, Guillermo Cimadevilla, Quique Villanueva, Carlos "Rocky" Nilson, y Roberto "Junior" Cesari, se le sumó un brass compuesto nada menos que por Gustavo Bergali (quien fuera presidente de la academia de jazz de Suecia), Rubén Barbieri (virtuoso trompetista) y Christian Kellens, trombonista belga integrante de grandes bandas de jazz internacional. En realidad " Los Náufragos " era un pasaje para que músicos de primer nivel pudieran divertirse y divertir muchísimo a su público en centenares de shows. Por la agrupación pasaron Jimmy Arce, Pajarito Zaguri, Gervasio Viera, "Fats" Fernández, Luis Cerávolo, Claudio Gabis, todos músicos que obviamente no podrían integrar una agrupación a veces fustigada por algunos sectores, que la tildaban de "comercial" por ser un grupo pop.

A partir de su 1º éxito (Vuelvo a naufragar), Los Náufragos comienzan a producir una saga de éxitos de inusitada relevancia en toda Latinoamérica, de tal manera que el año 73 la revista Cashbox los menciona como el grupo que mas simples en español había vendido en el mundo en toda la historia. Así es como en toda Hispanoamérica se siguen cantando sus temas grabados primero con Quique como cantante y luego con Gervasio Viera, este último de gran relevancia en Chile antes y después de su paso por el grupo. En al 76' el grupo disminuye sus actividades para retomarlas en los 90`de la mano de Marccelo Tinelli, para quien graban el tema "Gomazo" que se convierte en el tema más vendido en el año 93`. Actualmente el grupo se ha convertido en el referente más importante del pop argentino de la década del 70 y sus shows son constantemente requeridos en casinos y hoteles internacionales de gran parte de Sudamérica.

La barra de chocolate

Es una más de las bandas beat que surgieron allá por La Cueva en 1969. Ese mismo año ganaron el Festival Nacional de Música Beat de 1969, con el tema "Alza la voz". Vendieron más de 40.000 simples en tres meses. Su único larga duración fue editado a fines de 1969 y fue dedicado a “ La Cueva” . También participaron en el B.A. Rock de 1970.

Formación

Pajarito Zaguri: voz

Ignacio Smilari: guitarra

Jorge Mercury: teclados

Miguel Monti: bajo

Quique Sapia: batería

"Sé que solo el presente es importante y valioso. Pero los momentos que nunca volverán, en los cuales uno fue feliz, quedarán archivados en el recuerdo y se podrán sacar a relucir cuando uno quiera. Por eso vuelco en esta larga ¨divagatta¨ los temas que compusimos cuando andábamos a la deriva (los que soñábamos con una expresión beat netamente Argentina en el contenido de sus letras) por La Cueva de Pueyrredón, Plaza Francia, el viejo café La Perla de Once, y otra plaza cualquiera. Total en esa época todas la plazas eran nuestras (único lugar donde descansábamos de la curiosidad burguesa y la desconfianza policial). Los temas que cantábamos con Litto Nebbia, Moris, Pappo, Miguel Abuelo, Javier Martínez y el máximo divagante ¨Tanguito¨. Todos nosotros sobre la tierra en total goce de sentirnos libres. En aquel entonces también la Tierra era nuestra. Tal vez en estos momentos ellos se acuerden de mí, no se...Pero ya he vaciado mi garganta de cantarlos, por eso los sigo cantando con el corazón. Todos, absolutamente todos, estábamos hermanados por el desamparo de nuestros naufragios divagatorios. Mil años sin dormir, ignorados, sin embargo esa orfandad nos provocaba placer como si fuera una suave droga de amor. En esta larga ¨divagatta¨ la música ocupa el lugar de aquellas conversaciones, a través de esta música aprendimos que todo sigue y nada se detiene.. Con el permiso de ustedes, y con el de La Barra quisiera dedicar esta larga ¨divagatta¨ a la vieja ¨Cueva¨ de la Avenida Pueyrredón.

Gracias": ¨Pajarito¨ Zaguri

Discografía La barra de chocolate

1969 - Vivir en las nubes (simple)

1969 - Alza la voz (simple)

1969 - La Barra del Chocolate

1970 - Voces de la calle (simple)

“ Estuve en el primer disco de La Pesada y después armé Piel de Pueblo y La Cría Rockal, que eran grupos muy buenos pero no famosos. Yo nunca toqué con músicos malos... el único malo era yo (risas). Fíjate que de uno de mis grupos –La murga del rock and roll– salieron varios músicos de Memphis y Dulces 16. Emilio Villanueva y el ruso Beiserman venían a casa a escuchar discos de Johnny Winter y BB King. Yo era un viejo rebelde, cuando ellos no habían salido del cascarón.” Manifiesta Pajarito luego de la Barra de Chocolate.

Pajarito Zaguri se reencuentra con Nacho Smilari, quien tuvo un paso por Vox Dei luego de la salida de Juan Carlos Godoy. Sobre una correcta y en momentos muy buena base de rock brindada por la dupla Calabró - Pedemonte, dan rienda suelta a la expresividad de la guitarra eléctrica con todo tipo de aditamentos. Generalmente Zaguri se encarga de la guitarra rítmica, pero los mejores momentos son aquellos en los que se animan al duelo de guitarras enfrentando sus solos. En dos de los temas participa Héctor López Furst en el violín, otorgando un toque de sutileza ante tanto rock duro. Zaguri se las arregla para darle expresividad a sus letras politizadas.

Integrantes:

Pajarito Zaguri: Voz y guitarra
Willy Pedemonte: Bajo
Nacho Smilari: Guitarra
Carlos Calabró: Batería

1972 - Piel De Pueblo - Rock De Las Heridas

Rockal y la Cría

Power trío formado por Pajarito Zaguri, el grupo edita un LP llamado: “ Salgan del Camino “ con marcadas influencias de Black Sabbath y toques de blues / rock el concepto del grupo era parecido a La Pesada con letras comprometidas con la realidad político-social del momento. Tocan en festival BA rock 2 pero no salen en el film.

Formación:

Pajarito Zaguri : guitarra y voz
Rocky Rodríguez: bajo
Luis de la torre: Batería

1972 - Salgan del Camino

Junto a La Murga grabó su disco debut en 1975, en el cual participó Pappo.
Esta placa casi ni tuvo apoyo de la compañía discográfica, por lo que pasó desapercibida.

1975 - Pájaro y La Murga del Rock and Roll

Formó una nueva banda de apoyo, La Blues Banda, integrada por León Vanella (guitarra), Néstor Vetere (bajo), Gabriel Jolivet (guitarra), Marcelo Pucci (batería) y Ciro Fogliatta (teclados).

Su segundo LP solista, "El rey criollo del rock and roll", también pasó desapercibido. «Pajarito Zaguri es una especie de personaje legendario que nunca tuvo éxito, pero que jamás se dio por vencido».

1984 - El rey criollo del Rock and Roll

En 1994 editó "En el 2000... (también)", «un disco del futuro, en el cual se dio el gusto de llamar a todos mis amigos con los que quería tocar».

1994 - En el 2000... (también)

2006 - El mago de los vagos

Cuarenta años después de ser uno de los instigadores de la movida local, Pajarito tomó vuelo nuevamente de la mano de un trabajo recopilatorio en el que incluye nuevos temas y “canciones del siglo XXI” cono él las llama. El mago de los vagos, nombre elegido para el material, está dividido en tres partes: Década del 80, Década del 90 y Siglo XXI.

Durante los distintos años puede verse como Pajarito, al comando de músicos de lujo (Alejandro Medina, Javier Martínez, Claudio Gabis, Moris, Blusero León y Raúl Mono Fernández), logra mutar desde una base de rock and roll y tintes bluseros a un sesionista de jazz. Temas como “Dame tu mejor canción” (en la que Zaguri le habla a su guitarra), “Un camión de rock and roll”, el clásico “Avenida Rivadavia” (Manal) y “Floresta” (un canto al mítico barrio porteño) son algunos de los pasajes que mejor pinta Zaguri en sus recorrida porteña y bohemia. No se trata de una vuelta esperada, es de por sí un regreso obligado. En tiempos de rock and roll fácil y revisionismo histórico, Zaguri tiene las herramientas necesarias para conformar a propios y ajenos. Como si se tratara de un Korneta Suárez de los 60, el rock barrial se vuelve historia y toma vuelos insuperables en la voz de un roquero con estrella propia.

El amigo Lucho Florimonti en su blog dedicado a Pajarito Zaguri resalta la siguiente nota:

Pájaro en el burlesque

En su último disco (El mago de los vagos - 2006) Pajaro nos cuenta - Luego del Obras ... tocan en varios lugares teniendo como maestro de ceremonias a Federico Manuel Peralta Ramos, un singular personaje de los programas televisivos de Tato Bores, habitue de la Manzana Loca... - Es de esa época esta grabación (1984) del Teatro Burlesque de Rodriguez Peña y Corrientes, sobre el cafe literario de la esquina pero con entrada por Peña, un sucucho (que como su nombre lo indica) era anteriormente un lugar de strip - tease (cabarulo, bah), alli se presento Pájaro. Grabado indefectiblemente en cassettes usados y en un grabador Crown de aquellos años, creo que al escuchar el sonido de la grabacion se darán cuenta, pero tambien creo, que al oir la versión de "No puedo darte mas que blues" (parte 1 y 2 porque se me acabo el cassette a mitad del tema) todo se olvida, un temazo del Pájaro interpretado por la voz menos parecida al clásico tono para el blues, pero si, con el sentimiento blusero que solo el puede darle. Más data: 2 de los músicos que lo acompañan, 10 años despues tocaron junto a Hubert Sumlin en el Samóvar, son Chupete Milone y Emilio Villanueva (o son 3 con Leon?).

temas 1 y 2 banda soporte "Sol de otoño" con Marcelo Codazzi y Blusero Leon. La banda de Pajaro son Codazzi en teclados, Leon en guitarra, Anibal Castiglione en bajo, Black Amaya en bata y Chupete Milone en armónica. Desde el tema 11 inclusive la bata la maneja Gustavo "mono" Villegas y se incorpora los vientos de Emilio Villanueva." Estos audios un poco retocados eliminando el Hiss y alguno otros ruidos y con menor Bitrate, pongo a disposición de Uds estos temas, una verdadera joya para los coleccionistas:

Pajarito Zaguri - 1984 - En Vivo en el Burlesque

Videos

LA BARRA DE CHOCOLATE "Alza la voz"

Gracias a las diversas fuentes de información, fue un poco complejo tratar de armar algo coherente pues la información esta muy dispersa

La historia del Rock Argentino

Anuario 1969

Los Salieris de Freddy

El Arcón de los Recuerdos

Sitio oficial de los Náufragos

Los inconseguibles del Rock Argentino

Tango Feroz: La Leyenda de Tanguito.

topo@lacuevadeltopo.com (El Topo) — Fri, 27 Apr 2012 10:43:00 -0700

Corría el año de 1994 cuando recuerdo que anunciaron en la cinemateca de Estudios Generales de la UCR, que se iba a proyectar una película Argentina que hacia referencia a la Represión que se dio a finales de los 60s, así fue que varios compañeros fuimos a " tanda de 7 ", lo que significaba que luego del cine ibamos a hacer una sobremesa a algunos de esos lugares como los que describe Hank Buwkoski en muchos de sus relatos. No recuerdo como terminó la cosa, pero si debió ser con alguna caja de vino barato deajo de un árbol ( como por ejemplo el Guayabo`s Bar ahi por el Colegio Calasanz ), o alguna promoción 3x2 de creveza " de a parao ". Lo que si recuerdo fue la impresión que me causó esta película, en la cual se narra la vida de José Alberto Iglesias Correa ( Tanguito ), pionero del Rock Argentino. En este mismo Blog ya había hecho referencia a muchos de los hechos de la vida real en los que se vio envuelto este personaje, el cual simboliza el espíritu que se vivió en las épocas de la represión. Deseo aclarar que en este post se va a tratar el tema de la película, pero no es mi interes polemizar si corresponde a la realidad, o a un mundo de ficción, por varios motivos entre ellos el hecho de que vivo en otro país, en donde no tenemos la capacidad de entender este tipo de temática, además de que los hechos ocurrieron en una época en la cual su servidor no habia nacido aún, y por último, se trata de entender que es una película y no un documental.

La película muestra a un Tanguito entregado a la música, pero sumido en conflictos personales. Trata sus problemas con las drogas, su amor apasionado por su musa y amante, Mariana, su amistad con Moris Birabent, las ansias de Libertad, el ser auténtico y aferrarse a sus valores y creencias, por ejemplo. Para muchos que lo conocieron,Tanguito fue un personaje mucho más incoherente e ingenuo que el hombre con valores y metas mas claros de lo que se muestra en la película, según cuentan sus biógrafos y sus amistades mas cercanas quienes lo conocieron en vida, como el Flaco Spinetta. Además hubo varias complicaciones en la realización del film por la negativa de Litto Nebbia a ceder el tema " La Balsa " todo un símbolo para la mayoría de los Argentinos, que había originalmente compuesto junto con Tanguito.

Sinopsis de la Película

Título: Tango feroz: La Leyenda de Tanguito.

Dirección: Marcelo Piñeyro

Música: Fernando Ballesteros

Reparto: Fernán Mirás, Cecilia Dopazo, Antonio Birabent, Héctor Alterio, Imanol Arias

País: Argentina

Año: 1993

Género: drama histórico-musical (basado en hechos reales)

Duración: 124 min

Productora: Instituto Argentino de Ciencias Audiovisuales (IACA)

En Junio de 1993 se estrenó la película Tango Feroz, la opera prima del director Marcelo Piñeyro, que es en realidad una versión libre inspirada en un período de la vida de Tanguito y en los tiempos originarios del Rock Argentino. El filme no contó con una gran campaña publicitaria, lo que se hizo fue ofrecer en diversas Universidades Argentinas la oportunidad de ver "Tango Feroz" a mitad de precio para los estudiantes, consiguiendo más de 25.000 espectadores, que con el boca a boca, despertado por el interés del tema que trataba esta cinta, hizo que la gente fuera en masa a las salas de los biógrafos a ver la película. Rápidamente, Tango Feroz levantó una polvareda de controversias y críticas: para algunos no es “seria” ni retrata la historia tal como fue. Sin embargo, gran cantidad de público hispanoparlante (la película se presentó en varios países) la recibió con entusiasmo. Además se trató del primer film Argentino sonorizado con la tecnología Dolby Stereo.

Litto Nebbia, exintegrante de Los Gatos, no quiso sumarse al proyecto de Piñeyro por mantener diferencias con lo que se narraba. Por su parte, Moris, tras unos ajustes, colaboró con la producción de la película. Más allá de los desplazamientos ciertos –por ejemplo, y según los testimonios de quienes lo conocieron, la personalidad del “real” Tango estaba casi en las antípodas del personaje interpretado por Fernán Mirás- la película permitió que muchos jóvenes tuvieran siquiera un primer contacto ficcional con aquella historia.

Además, varias de las canciones que se interpretan en la película –Presente de Vox Dei; El oso, de Moris; Me gusta ese tajo de Pescado Rabioso - comenzaron a circular entre los adolescentes y permitieron desempolvar algunas de las creaciones de los años 60 y 70.

La actitud de Tango, en la película, es la búsqueda de la verdad y libertad, a costa de rechazar traicionarse a cualquier precio. Verdad y libertad, esas “grandes palabras” usadas y mal usadas tantas veces y que sin embargo son necesidades fundamentales del ser humano. Tango dice que " no sabía hacer nada bien salvo tocar ", pero quizás eso fuese suficiente. Cuando se tiene un objetivo no se necesita ir a otros sitios. Aquí no hay medias tintas para Tango, o se reniega de todo lo renegable o se cae en la traición. Cuando Rosito decide asociarse, su socio sólo piensa en ganar dinero y beneficiar secundariamente a Tango. Después de que este fue despreciado por Tango confiesa a solas con Rosito que “siempre lo hace sentirse como un hijo de puta”. El compromiso de Tango hace también ver a los demás sus miserias antes escondidas por el dinero, la comodidad, o cualquier otra traición. El personaje que interpreta Imanol Arias.Ángel, el prisionero Vasco que se encuentra con Tango en la cárcel. Ángel representa el descenso a las alcantarillas y a las miserias del ser humano, en este caso de Tango. Afrontar directamente las miserias humanas pero también poder liberarse al hacerlo. Con él Tango confiesa que nunca ha tenido padre, que se subía a los trenes y lo buscaba. Él es un perdedor al igual que Ángel que desde que nació no ha tenido otro camino que el que lo ha llevado a la cárcel. Cuando Ángel se suicida explicando postumamente que “ ellos me dieron treinta años, yo me di diez.” Lo que también hace es indicarle un lugar en el que al fin podrá estar tranquilo porque todo lo que había hecho hasta ese momento siempre se había torcido a causa de los demás o lo demás, directamente o indirectamente.

Al mismo tiempo la historia de Tango es un símbolo de la situación social de la juventud en una Argentina agitada por aquellas épocas. Su historia está incluida en los ecos de las protestas estudiantiles. Una imagen me parece que fue bien lograda es la de los conciertos. pues el ir a ver a Tango, se hace un pretexto, es un paréntesis en sus vidas, un momento de verdad apartado de las mentiras de " la mierda de la gran ciudad " que hay fuera de la sala.

Junto a la relación que se desarrolla con Mariana se da en paralelo la evolución de Tango. Mariana fue testigo y referente de lo que le va pasando hasta el último paso de su vida, que es el que no tiene otro remedio que dar solo. Mariana es una joven estudiante universitaria de filosofía que procede de otro estrato social distinto al de Tango. Su familia es acomodada y si ella decide enfrentarse a la policía es por unos motivos no idénticos a los de Tango. Aunque quiere a Tango por lo que ella misma confiesa que es ser “la persona mas libre que conoce”, su compromiso es muy grande pero no completo. El límite lo marca Tango cuando le pregunta si tendría un hijo con un “negrito” como él. El silencio de Mariana marca el lugar en el que se queda del viaje. Ella es la última persona que termina por decepcionarle dentro de un universo de gente que renuncia a su humanidad en beneficio de la comodidad. Los universitarios, que poco a poco van renunciando a sus impulsos juveniles de protesta; el personaje de Sbaraglia que de estar intentando captar los momentos que pasan por su cámara para la eternidad acaba sometido al mundo de la publicidad por dinero; los policías dedicados al abuso de la autoridad y a la manipulación; los médicos que se dedican a destrozar a Tango buscando problemas físicos dónde hay problemas espirituales; el comisario que no quiere otra cosa más que corromper a Tango convirtiéndolo en un chivato, porque para él esa es la realidad de la vida; los directivos musicales que están empeñados únicamente en conseguir dinero a costa de corromper el trabajo de Tango… Todo esto va completando un universo de traiciones.

Dentro de la trama de la película luego de salir de la cárcel, Tango es mal informado por el personaje de Sbaraglia que no se atreve a decirle que le han destrozado su canción para usarla como hit musical. Tango primeramente se alegra al creer que pese a estar en la cárcel su música, que es lo verdaderamente importante para él, sigue libre. Después de correr hacia la tienda de discos comprueba que han arruinado su trabajo, deformándolo para ser un éxito comercial con otras voces, ritmos y letras. Tango, lógicamente aquí enloquece, y comienza a golpear los “altoparlantes” del centro hasta que es detenido. Le han cerrado su última escapatoria. Esto es un presagio del final. " El Mandala " es otro de los centros del film. El legado de Ángel. Un lugar físico que en realidad, es un lugar del espíritu. El último recurso para no perderse como persona.

Finalmente lo que queda son unos momentos de eternidad reflejados en la grabación de Pedro (Sbaraglia) que al final de la película se muestra en un flashback. Precisamente en esos momentos Pedro decía que lo que allí quedaba grabado quedaba para siempre. Y eso es lo que finalmente pasó. Unos momentos de eternidad frente a la desaparición final. En lo personal me parece que se obvió mucho de su relación con las drogas que fueron un elemento por desgracia muy importante en la vida de Tanguito, o la muerte que se produjo al escaparse del psiquiátrico y ser arrollado por un tren ( lo cual se muestra en imágenes no explícitas dentro del filme en una forma muy metafórica).

Banda de sonido

Independientemente de la parte artística de la película o su faceta biográfica, lo que mas me gustó fue su banda de sonido, la cual logré importar gracias a Alberto, de MusicBox ( un Argentino que importaba música directamente y por pedido, el cual recuerdo siempre que se sorprendía por el tipo de discos que solíamos encargarle mi amigo Charly Vitro Rhei y su servidor, no se me olvida el gesto que hizo un día que llevamos 8 discos de Spinetta de un solo ). Este Soundtrack lo escuchamos en mi casa bastante seguido y me hace gracia oir a mi hijo de ocho años cantar " El amor es mas fuerte ".

En la película, Ulises Butrón es la voz de Tanguito en las canciones que éste aparece cantando - interpretado por Fernán Mirás -, entre el las el hit " El amor es más fuerte". Los temas en los que no aparece cantando Tanguito, son "Presente (El momento en que estás)", cantada por Fernando Barrientos y "El oso", cantada por Antonio Birabent, hijo de Moris, su autor, quien también interpreta al personaje como actor.

Hubo complicaciones en la realización del film por la negativa de Litto Nebbia a ceder el tema La Balsa, nombre original con el que se pensaba denominar al film. La negativa de Nebbia a ceder el tema "La Balsa" fue lo que obligó a Piñeyro, a modificar todo el concepto inicial de la película, pasando de ser la biografía de José Iglesias "Tanguito", a una versión libre, sobre un rockero apellidado Cruz, un tipo ético, que iba al frente y con ideas claras... muy distinto al Tanguito original, que era un tipo retraído, sensible pero algo incoherente, que tocaba en una "Cueva". "La idea era mostrar como fueron los 60, no la vida textual de Tanguito" dijo el director. Sin embargo pueden adivininarse algunos "conocidos"... Pipo Lernoud, poeta y fotografo....tiene algo en comun con el personaje de Leo Sbaraglia....que finalmente se dedica al cine publicitario. El manager que siempre los cagaba, y con algunos tics refinados...se lo puede relacionar con Jorge Alvarez...La negativa de Nebbia a ceder sus temas para el film, le dio mucha bronca a Piñeyro, quien aprovechó por endiosar a Tango, y dejar mal parados a los transeros (Nebbias), que "ablandaron" la letra de " El amor es mas fuerte / La Balsa "...

Cuando en realidad todos estuvieron de acuerdo en hacer esa concesión, y Tanguito cobró una gran cantidad de plata por los derechos de autor de un tema del cual solo compuso el primer verso "Estoy muy solo y triste en este mundo de mierda". El resto de la letra y la música la hizo claramente Litto, quien mostró nuevamente su nobleza al incluirlo como autor de una frase feliz e inspiradora.

Al respecto Litto Nebbia declara: " A mí no me convencés de nada con lo que no esté de acuerdo: ni loco iba a participar de un guión así, en el que aparece un personaje con mi nombre sin que me hayan preguntado nada. En realidad, lo que en verdad haría falta acá es que alguien haga una película seria y comercial, en el buen sentido de la palabra, que cuente la historia tal cual como fue. Que se llame " La balsa ", si quieren, pero que cuente realmente lo que pasó, porque la verdad es que fue una historia muy divertida y valdría la pena contarla bien. Hay anécdotas increíbles de esa época, como cuandoAlmendra llevó la tapa de su primer disco y los tipos de la compañía les dijeron todo bien, la vamos a poner y, en cuanto se cerró la puerta, tiraron a la basura esa tapa. Después el disco no salía porque no estaba la tapa, y Spinetta la tuvo que dibujar de nuevo a las apuradas. O la época del primer disco de Los Gatos Salvajes, cuando íbamos a la compañía con los pelos largos, a ver si se había vendido un poquito el disco, y el director artístico de la compañía nos decía que no fuéramos tan seguido porque no queda bien que vean gente como ustedes por acá. Dos meses antes del éxito de La balsa, cuando tuvimos que tocar de relleno en un boliche de Barrio Norte y el dueño del boliche nos decía que por favor nos escondiéramos en la cocina porque le arruinábamos el clima, y dos meses más tarde, cuando nos volvimos famosos, el mismo tipo vino a pedirnos autógrafos... La verdad es que, en la canción hispanoparlante, no hay ningún país donde se haya hecho lo que se hizo acá, y hay muchas cosas que realmente pasaron y que se pueden contar, pero nadie se la banca".

No, no eran 4 lucas eran 400 pesos...

"Es una historia larga. Dos años atrás recibí un telegrama de SADAIC que solicitaba mi autorización para que La balsa apareciera en el film. Algo extraño, ya que los procedimientos habituales son distintos. Siempre es la producción, quien, antes de comenzar a rodar, se comunica con el autor de la música a utilizar. Esto no sol se hace por la aprobación artística, sino también para arreglar la parte económica. Traté de comunicarme con los productores para saber de qué se trataba el filme. Recibí los dos primeros libros cinematográficos y encontré que la descripción de la época era inexacta e inflada.

Además aparecía un personaje llamado Litto y un grupo Los Gatos para nada veraces. Por eso me negué a que apareciera el tema y cualquier mención a mi grupo y a mi nombre..." "...intentaron convencerme enviándome a la mamá de Tanguito, una mujer de más de 70 años. El argumento fue que si yo no accedía no iban a pagarle a ella un dinero que habían establecido por usar la biografía de su hijo. Tampoco acepté..." "...cuando me ofrecieron que sólo apareciera en La Balsacantada por cualquiera no acepté por que querían pagarme 400 pesos Esto es: lo que queda del mínimo autoral impuesto por SADAIC tras descontar un 25% de editorial, el 50% para la madre de Tango y encima los gastos administrativos. Me parece que es muy poco para la canción más vendida del rock nacional..."

Extraído del libro "Tanguito, el amor es más fuerte" de Marcelo Gobello.

Por estos problemas fue que la producción convocó a Ulises Butrón para que compusiera el tema central de la película y a David Lebón para los arreglos de todas las canciones.

Aca dejo este gran disco a 192 KBps rippeado del original .

Temas:

01- El amor es mas fuerte02- Presente

03- El oso
04- Tango feroz
05- Amor de primavera
06- Natural
07- Me gusta ese tajo
08- El amor es mas fuerte
09- California somnolienta ( Califonia Dreamin )
10- Soplando en el viento
11- Hasta siempre
12- Malevaje
13- Bar billares
14- Tema de los padres
15- Tema de tango y pedro
16- Tres razones
17- El Mandala

Descarga Banda Sonora

La descarga de la Película es gracias a la colaboración del amigo erzk0 a Taringa quien la Rippio de la TV

Parte 1

Parte 2

Parte 3

Parte 4

Password: http://lacuevadeltopo.com/ ( lo mejor es escribir el pass y no copiarl pues a veces se copian espacios en banco y luego el archivo no abre )

Tanguito es uno de los mitos más reconocidos del Rock Argentino. Símbolo de los largos “naufragios” y “divagues” creativos, Tango no fue el tipo frontal y decidido que mostró el cine, pero sí un personaje singular, un pibe de barrio con una vida ardua y sinuosa, que dejó una historia atravesada por la leyenda. Personalmente me causó una gran emoción poder observar de nuevo esta película, ya que acá en mi país en niniguno de los videos a los que he ido a buscarla ( muchos por cierto ) se puede conseguir la película para alquilar, igualmente desde hace varios años que la busqué por torrent y tampoco tuve éxito, deseo compartirlas con Uds. amigos, se que la van a apreciar y que la Banda Sonora tambien será muy bien recibida por los lectores del Blog, el cual estrena post en esta nueva etapa del mismo.

Mi agradecimiento y algunos sitios para visitar

REBELDE

Wikipedia

Juham Salvo de Extramuros Año II, No 5

Alejandro Jozami de CineCLub Melies

ERZKO de Taringa

Alejandro Jodorowsky y " El Topo "

(El Topo) — Fri, 27 Apr 2012 10:26:00 -0700

Alejandro Jodorowsky (Apellido que traducido significa "Friega Cielos") Es un aclamado escritor, filósofo, dramaturgo, actor, poeta, director de cine, guionista de cómics y anime, instructor del tarot, psicomago y todo lo que te puedas imaginar, TODO, lo mas extraño es que casi nadie lo conoce...

Hoy deseo hacer un post a este extraordinario personaje al cual conocí hace algún tiempo ya, por medio de una de sus películas más aclamadas y que lleva el mismo nombre que el mote que tiene el autor de este Blog.

Nacido en Chile, de padres Judíos-Ucranianos-Japoneses-Franceses- Mexicanos. A los Veintitantos años, harto de no hacer nada provechoso con su vida, y las pocas posibilidades que le brindaba su país, dejo de vivir en Chile, no sin antes quemar su casa, y sus pertenencias como símbolo de purificación y reencarnación, y se fue levitando (literalmente) a México. Aquí, en su segundo hogar, empezó a dar rienda suelta a sus locuras y frikismo, probando un poco de esto y de aquello, ejerciendo tantos oficios como podía y como podían soportar su cuerpo, su alma y sus brazos (ah, en cuanto a eso, aquí un pequeño secreto: Tiene tantos brazos como Ganesh, pero son invisibles) expandió sus conocimientos (sobre alquimia, meditación Zen, psicología, adivinación, karate, yoga, artes marciales shaolin, y espiritualismo principalmente, cosas que realmente funcionan, no como la religión) elevó su espíritu y Chi a mas de 9000 puntos de poder, fue cuando alcanzo la paz interior y el nirvana.

Vivió en México hasta que se hartó de tacos, tamales y mole (para un humano común esto tomaría un año; aunque para el terco maestro fueron veintitantos años), queriendo probar cosas mas agradables y con mas glamour, se fue a Francia a comer ancas de rana. Actualmente reside en Francia muy feliz (puesto que ha alcanzado la felicidad eterna).

Viviendo en Chile, Jodorowsky hizo un corto (La Cravate) de muy bajo presupuesto, sin audio ni color, la cual estaba perdida. En 2005 la cinta fue encontrada, pero Jodorowsky decidió "perderla" otra vez de tan mala que era (aunque le sorprende que a algunos les guste). Llegando a México sin nada de dinero ni bienes ("oh diablos, debí sacar el dinero antes de quemar mi casa en chile" se dijo a si mismo), se fue de limosnas, a trabajos mal pagados, hasta prestamos, y fue cuando pudo hacer su primer película: Fando y Lis, la cual contenía mucha violencia, blasfemia, sexo, y mensajes subliminales, al momento de ser exhibida por primera vez la película, la gente se volvió loca de remate (claro, junta violencia, blasfemia, sexo, con mensajes subliminales, y e aquí el resultado), empezaron a perseguir a Jodorowsky para lincharlo, fueron por todo México hasta que se cansaron, entonces Jodorosky decidió aprender artes marciales, para que no volvieran a atentar contra su vida. Con el dinero recabado de los mensajes subliminales, se dispuso a hacer una película con mucho más presupuesto que contendría mucha más violencia, blasfemia, sexo, y muchos más mensajes subliminales: EL TOPO.

EL TOPO, de la cual muchos aseguran que es su obra maestra, es un Western-Gore-Espiritualista muy aclamado, que se convirtió de inmediato en una película de culto internacional que le llevó a la fama internacional a pesar de la Violencia, Sexo, y Blasfemias asegurando y reafirmando que Jodorowsky es Jesucristo (de hecho, por eso llego a la fama la película). Tras el impacto Socio-Cultural que descarriló las riendas del mundo, el hippie mas loco de todos, John Lennon, ofreció su fortuna para que Jodorowsky hiciera una película aun mas mounstrosamente irreverente y llena de espiritualismo sobre el origen de toda la existencia de los MEGAMULTIUNIVERSOS que alcanzaría los cielos para darle un buen golpe al mismo Jesús y toda su orden eclesiástica: LA MONTAÑA SAGRADA. Tras el mediocre éxito de LA MONTAÑA SAGRADA, se dispone a hacer DUNE, pero todo le sale mal (El Karma es caprichoso de vez en cuando) luego hizo otras dos películas que no le salieron bien y ya ni para que seguir hablando de esto. Cansado de fracasos, hace SANTA SANGRE, pero tampoco resulta como espera, luego empieza a rodar la secuela de EL TOPO: LOS HIJOS DEL TOPO, pero tampoco tuvo suerte con este proyecto. Siendo Guionista de cómics hace historias muy raras, muy apegadas a las del estilo HEAVY METAL, muy buenas, pero muy raras. De vez en cuando haciendo equipo con otros pervertidos sexuales como Milo Manara y Moebius. Y cuando sus historias no contienen el sexo necesario, son tan extrañas que te hacen pensar en sexo sin necesidad de verlo.

El Topo

La película toma lugar en dos escenarios. La primera mitad, en un desierto sin nombre, involucra el viaje del protagonista y su hijo para derrotar a los cuatro maestros del duelo con pistola. Cuando El Topo encuentra a un maestro, éste le enseña una lección, luego de lo cual se baten a duelo, y El Topo hace trampa cada vez. El último maestro se mata a sí mismo, en una demostración de la poca importancia de la vida. La primera mitad termina con la traición a El Topo y su frustrado asesinato. La segunda mitad de la película toma lugar años después, luego que El Topo es rescatado por una banda de marginados deformes, salvándolo de la muerte. La banda conduce a El Topo a su comunidad subterránea, donde él, estando en coma, medita acerca de las cuatro lecciones por varios años.

Cuando despierta, "renace" con la ayuda de los marginados, y se va en busca de la libertad de los deformes desde su prisión subterránea. Con la ayuda de su novia enana y su hijo ya mayor, El Topo cava una salida de la cueva, viendo que los de su comunidad son asesinados por los habitantes de un pueblo cercano. Montando en cólera, El Topo los asesina y pone gasolina sobre sí mismo y se enciende, una vez que ha aprendido todo lo que podía sobre la vida. El hijo de El Topo y la novia sobreviven el calvario y cavan una tumba para sus restos, la cual más tarde se transforma en una colmena llena de miel (símbolo religioso de un hombre sagrado).

Se especula que El Topo se habría de reencarnar, a través de su novia embarazada, en una secuela aún no realizada.

Interpretación

La película es a menudo interpretada como una metáfora del Antiguo y Nuevo Testamento. Los cuatro maestros representarían los cuatro grandes profetas del Antiguo Testamento (Isaías, Jeremías, Ezequiel y Daniel) y El Topo a Jesucristo.

En una secuencia introductoria animada se describe a El Topo como alguien que ha experimentado el proceso descrito en la alegoría de la cueva, encontrada en La República de Platón.

La escena final, en la cual El Topo se enciende fuego a sí mismo, comparte una imagen similar a la foto de un monje budista que se quemó a sí mismo en las afueras de la embajada de Estados Unidos, durante la guerra de Vietnam como una forma de protesta.

Otra faceta de Jodorowsky: Psicomagia y psicogenealogía

Posiblemente su peculiar creación de una forma de psicoterapia es lo más sorprendente, escandalizador y malinterpretado de toda la obra de Jodorowsky. Estas técnicas son una mezcla de psicología, tarot y chamanismo, la filosofía, la vida y, sobre todo, conocer a mucha gente, tanto expertos como farsantes; "para mí la psicomagia es como una derivación de la poesía, del teatro... de todo lo que he hecho".

La psicomagia parte de la premisa de que el inconsciente acepta los actos simbólicos como hechos. Con lo que un psicomago puede "recetar" actos simbólicos para influir en el inconsciente y, si está bien aplicado, curar ciertos traumas. La psicogenealogía parte de la premisa de que determinados traumas y comportamientos inconscientes se transmiten de generación en generación, por lo que, para que un individuo tome consciencia de ellos y pueda desligarse de los mismos, es necesario que estudie su árbol genealógico.

Jodorowsky afirmó hace tiempo categóricamente que cualquier persona que se declarase psicomago o propusiera consejos de psicomagia era un mentiroso, y que hasta ese momento sólo él, su hijo Cristóbal Sol y su esposa Mariana Costa podían ejercer la psicomagia. Según él, no existía ninguna escuela de psicomagia que hubiera autorizado, y volvía a afirmar que los que anunciaran esta escuela o eran ingenuos o eran astutos comerciantes.

En una entrevista que él mismo hizo a Santiago Segura, éste dijo que lo que más admiraba de él era esto, que sólo él, su hijo y su esposa podían ser psicomagos, a lo que Jodorowsky le respondió que él también podía ser psicomago si quería. Desde hace tiempo Jodorowsky dice que esa afirmación ha dejado de ser cierta, pues mucha gente muy formada se ha empapado con su pensamiento. Esa advertencia de Jodorowsky iba destinada a evitar que falsos "videntes", "brujas" o "sanadores" se aprovechasen de la gente. Sin embargo, a menudo fue interpretada de una manera más polémica.

Adjunto una copia del libro “ Psicomagia “ al final del post para que aquellos amantes de la lectura hagan un sacrificio y entren en este loco mundo descrito por Jodorowsky ( recomendado para aquellos que aman la cultura general ).

Filmografía de Alejandro Jodorowsky

La Cravate (1957, Francia) (cortometraje)

Fando y Lis (México, 1968)

El Topo (México, 1970)

La montaña sagrada (México, 1973)

Tusk (India, 1980)

Santa sangre (México, 1989)

El ladrón del arcoiris (Gran Bretaña, 1990)

Los hijos del Topo (2009)

King Shot (2009)

Ficha Técnica de “ El Topo “

Título original: El topo

Director: Alejandro Jodorowsky

Guión: Alejandro Jodorowsky

Productor: Juan López Moctezuma, Moshe Rosemberg, Roberto Viskin

Música: Alejandro Jodorowsky, Nacho Méndez

Fotografía: Rafael Corkidi

Montaje: Federico Landeros

Diseño de producción: Alejandro Jodorowsky

Dirección artística: José Durán

Intérpretes: Alejandro Jodorowsky (El Topo), Brontis Jodorowsky (hijo de El Topo), José Legarreta (hombre moribundo), Alfonso Arau (bandido), José Luis Fernández (bandido), Alf Junco (bandido)

Duración: 125'

País: México

Idioma: Español

Mezcla de sonido: Mono (Klangfilm)

El Topo se estrenó en diciembre de 1970 en el Elgin Theater de New York hasta junio del '71 en la función de medianoche de los viernes y los sábados y tuvo a los críticos de los periódicos más importantes de esa ciudad discutiendo acerca de si debían o no opinar acerca de ella con los mismos parámetros de una película normal. Estudiantes, adictos al LSD y los que gustaban de películas mentalmente estimulantes la promocionaron de boca en boca. Uno de los espectadores de El Topo fue John Lennon quien enloqueció por la película, convenció a su manager para comprarla, la distribuyó por Estados Unidos y consiguió financiamiento para el nuevo guión de Jodorowsky, La Montaña Sagrada.

En el casting de esta película el Jodo le pidió a Lennon que actuara, pero el cantante no podía. Es aquí cuando Jodorowsky utiliza el método Arica un mes antes de comenzar a rodar junto a todo su reparto, una mezcla de yoga, zen y sufi junto a conocimientos de Tarot, filosofía, I ching y dosis libres de LSD y otras drogas, como hongos alucinógenos y demases. Luego de eso, los actores principales junto a Jodorowsky y su esposa pasaron una semana junto a un maestro zen japonés meditando sin dormir.

Adjunto para los que tienen interes en la pelicula el Soundrack de la misma

Soundtrack - El Topo

y además los enlaces para bajar esta película rippeada directamente del DVD

El Topo

Parte 1

Parte 2

Parte 3

Parte 4

pass: http://lacuevadeltopo.com/

Libro Psicomagia

Fuentes de información enlaces interesantes y mi agradecimiento

Inciclopedia

Wikipedia

Iveldie: Cinema Escondido

Al Aire de Nuevo

topo@lacuevadeltopo.com (El Topo) — Thu, 26 Apr 2012 20:49:19 -0700

luego de un largo periodo de inactividad del Blog he decidido regresar para impulsar una nueva etapa de la Cueva del Topo. Estuve ocupado con otros proyectos que me consumieron mucho mas tiempo del que creí, y había subido cerca de 500 archivos con links rotos a Megaupload. Con nuevas ideas y un poco mas de tiempo voy a dedicarme a reponer de nuevo toda la musica, libros y películas que no estén disponibles, este proceso me llevará varios meses, por lo cual les pido paciencia....

en estos últimos meses han desaparecido la mayoría de los sitios que me inspiraron a abrir mi blog en un inicio como por ejemplo

Aguas claras de olimpo

El arcón de los Recuerdos

El Mago de Agua

La Cofradía

La enciclopedia del rock en tu idioma

Los inconseguibles del rock

y otros mas que no incluyo en la lista....

como reconocimiento a todos estos anónimos de la internet..solo me queda decir

Larga vida al Rock and Roll !!!

Billy Squier - 1995 - 16 Strokes: The Best of

topo@lacuevadeltopo.com (El Topo) — Sat, 12 Feb 2011 14:48:23 -0700

En medio del ajetreado trabajo y horario, esta vez deseo compartir con Uds uno de esos discos que por allá hace unos cuantos años me pasó mi primo virtu@lponcho. Este músico es uno de mis consentidos ochentosos. De hecho compré hace unos años una Fender Modelo Squier, creyendo que el era a este músico a quien se dedicaba el modelo. Que ignorancia la mía, pero al final jamas me arrepentí, pues Fender es mi marca preferida de instrumentos. Volviendo al Disco, este lo rippié a 320 en aquel entonces ( creo que 1998 ) y hoy lo comparto con Uds. Es una compilación de grandes éxitos del año 1995. No suelo postear discos de estudio pero este creo que vale la pena pues es bastante raro por acá al menos. Espero lo disfruten.

Tracklist

1. Stroke

2. In the Dark

3. My Kinda Lover

4. Emotions in Motion

5. Everybody Wants You

6. She's a Runner

7. Rock Me Tonite

8. All Night Long

9. Eye on You

10. Love Is the Hero

11. Don't Say You Love Me

12. Don't Let Me Go

13. She Goes Down

14. Tied Up

15. Facts of Life

16. (L.O.V.E.) Four Letter Word

Link de Descarga

pass: http://lacuevadeltopo.com/

Links
Sitio WEB Billy Squier

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Luis A: Spinetta - 1973 - Presentación Artaud, Teatro Astral

topo@lacuevadeltopo.com (El Topo) — Mon, 24 Jan 2011 13:45:11 -0700

El fin de semana pasado estuve muy atareado con cosas propias de mi trabajo y visitas en casa, sin embargo no quería dejar pasar un acontecimiento muy importante, al menos para mi. Ayer 23 de Enero fue el cumpleaños de uno de mis músicos preferidos: Luis Alberto Spinetta.

Así pues el maestro llego a la edad de 61 años, desde acá le deseo muchos años más de vida para seguir compartiendo su obra, que disfruto tanto como hace años.

En esta ocasión voy a compartir con Uds un recital que es uno de mis favoritos, si bien el sonido no es de lo mejor, se puede apreciar bien la música sobre todo el sonar de la guitarra. Lo que me parece importante de reseñar es la interacción del Flaco con el público. El recital corresponde a uno de los dos que se realizaron en el Teatro Astral, específicamente al realizado el 28 de Octubre de 1973, para la presentación oficial de Artaud, el último disco oficial de Pescado Rabioso, pero que es en realidad el Primer trabajo de Spinetta como solista. Así pues comparto con uds esta grabación que es un concierto en el cual Spinetta toca la guitarra, y que corresponde a uno de los discos considerado como el mejor de la historia en el rock Argentino.

Setlist

01. Introducción
02. Me Gusta ese Tajo
03. Dulce 3 Nocturno
04. La Cereza del Zar
05. Mi Espíritu se Fue
06. Ella Flota por mi
07. A Estos Hombres Tristes
08. Barro tal vez
09. Nena, tu Cabeza va a Estallar
10. Credulidad
11. Todas las Hojas son del Viento
12. Bajan
13. La Sed Verdadera
14. Cristálida

Descarga

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Trauma

(El Topo) — Sun, 26 Dec 2010 14:38:00 -0700

Formación Actual

Adrián González: Voz
Ricardo González: Batería y Coros
Juan Carlos González: Bajo
Alex Quirós: Guitarra

A mediados de 1989 Ricardo González en la batería y Alex Quirós en la guitarra, empezaron con este proyecto. A partir de allí participaron juntos en fiestas, festivales de la canción que se organizaban tanto en el Colegio al que pertenecían, como en su comunidad y en otros colegios del área metropolitana, ganando reconocimientos por su música. Al terminar la época colegial, siguieron con el proyecto pero ya con la mira puesta en sacar adelante algo más en serio, más profesional. Buscaron nuevos integrantes y resultaron estar más cerca de lo esperado. Adrián González y Juan Carlos González, vocalista y bajista respectivamente, se sumaron a la banda.

Adrián ( Pani )

En 1993 el grupo ya logra darse a conocer en todo el territorio nacional, sobre todo por su presencia en diferentes medios que reconocieron el valor en la decisión de no tocar covers, muy populares entonces. Gracias a esa difusión y a la calidad que demostró Trauma en presentaciones en bares y escenarios del medio rockero de entonces fue que José Solano, músico y productor de Marsol Records (sello independiente nacional), se interesó en el grupo y tras producirles en 1996 el EP Trauma con 6 temas, firma un contrato por tres producciones. La primera de ellas: El Cid, se logra colocar en los primeros lugares de la radio rockera del momento: 90.7 Universal y Radio U Juvenil, con temas como Trauma, Si Tu No Estás Aquí (vídeo clip realizado por RV producciones) y por supuesto El Cid, considerada por muchos como uno de los himnos del rock nacional.

Alex ( Sandy )

Después del trabajo promocional de El Cid, Trauma se retiró temporalmente del medio para concentrarse en su trabajo de composición y en la búsqueda de su nuevo sonido como parte de su inquietud por evolucionar musicalmente de cara al nuevo milenio.

Como parte de esta serie de cambios, entra al grupo el guitarrista Cristian Chacón, aportando un sonido todavía más fuerte y agresivo. Fueron meses de madurez, de crecimiento como músicos, y de aceptación de una realidad complicada para el rock nacional. Lejos de darse por vencidos toman todos estos ingredientes y lanzan una nueva producción: Ciudad Sin Nombre (1999).El disco resultó muy diferente a su anterior producción, contando con un sonido más contemporáneo y más acorde con las corrientes rockeras del momento sobre todo en Estados Unidos.

Ricardo ( Kike )

En el 2002 participan con una versión acústica de El Cid en el disco de BMG, Tiquicia Rock 2, contando con la valiosa colaboración de Pato Barraza en las vocales. El grupo también es tomado en cuenta para el disco compilatorio Rock Fest, donde participan con Si Tu No Estás Aquí.

En el 2003 la banda se prepara para la producción de su tercer disco, una recopilación de algunos de sus éxitos en versión acústica en vivo. Para mediados del 2003 son confirmados como banda invitada para conciertos en Costa Rica de Mago de Oz y Rata Blanca. A finales del 2003, la banda termina la grabación de Sesiones Acústicas, incorporando además un nuevo integrante al grupo, el bajista Alberto Durán (ex Slavon) debido al retiro de Juan Carlos González por motivos de salud.

El año 2005 telonearon a HammerFall en el mes de mayo, Trauma fue el encargado de abrir este evento y como siempre lo hizo con mucha clase y calidad. Cumplieron con su cometido interpretando sus canciones más conocidas, las cuales contaron con la aprobación del público, el cual les reconoció su presentación.

En el 2006 fueron los teloneros del único concierto que en Tiquicia ofreció Ronnie James Dio el 22 de Julio.

Cristian ( Pecas ) exguitarra

Recientemente realizaron la presentación oficial de Descargas de poder , el 7 de diciembre pero Trauma con 12 tracks. A Trauma siempre se la ha puesto en las filas del hard rock , y sobrevivir en ellas no ha sido fácil para el grupo, pero en este Descargas de poder la banda se mete un poco en el mood del progresivo pero sin llegar a quedarse de lleno en el género. La composición de este álbum recae, especialmente, en Alex Quirós, quien además ha estado y está trabajando como productor de otros proyectos nacionales. En las líricas del Descargas de poder tiene mucho que ver Adrián González, el cantante de Trauma quien tiene una voz impresionante, mientras que Alberto Durán quien no había aportado canciones para otros discos ahora también da lo suyo.

En setiembre del 2008, realizaron un concierto para celebrar su 18 aniversario y lanzar el video de su sencillo, "Descargas de poder''. En el 2010 lanzan su sexta producción "Trauma real". El Trauma Real es un disco en vivo, en directo; es la presentación que hace cuatro años atrás hizo la agrupación tica de heavy metal, al abrir el único concierto que en Centroamérica dio el recién desaparecido Ronnie James Dio. Fue el 22 de julio del 2006 en el Costa Rica Tennis Club. Un día inolvidable para la avanzada del heavy metal de altos rangos, que ahora vive Costa Rica. Y Trauma se había preparado con cuidado; aquel no era un “chivo” más que “matar”, era lo más grande que en su hoja de vida quedaría escrito.

Había tocado como telonero para Hammerfall, Rata Blanca y Mägo de Oz, pero compartir tarima con el hombre que había sustituido a Ozzy Osbourne en Black Sabbath, el hombre que con Rainbow, Elf y su propia banda, DIO, podía borrar cualquier antecedente. Además, era un concierto importante para Trauma por dos razones. Una, porque a la banda que conforman Pani González, Sandy Quirós y Kike González regresaba el bajista Juan Carlos González, que había dejado los escenarios tras haber sufrido un infarto. Y, por otro lado, la banda que acompañaba a DIO era de alto calibre: el bajista Rudy Sarzo (Quiet Riot, Ozzy, Whitesnake), el tecladista Scott Warren, el baterista Simon Wright (AC/DC), y el guitarrista Craig Goldie.

Fue grabado por el ingeniero de sonido Óscar Marín, ganador de tres premios Grammy por las producciones del panameño Rubén Blades Tiempos y Mundo. El Trauma Real fue mezclado por Alex Sandy Quirós, guitarrista y coproductor del grupo. La mezcla se realizó entre marzo y noviembre del 2009, en Estudios Marsol 3:16. Sandy Quirós había grabado al ex-Iron Maiden Paul Di Anno.

Actualmente los chicos de Trauma preparan detalles finales de "7" para su lanzamiento a finales de este 2010.

Discografía

pass para los discos : http://lacuevadeltopo.com/

1996 - Trauma EP

1997 - El Cid

1996 - En vivo en Radio U ( 13 - 7 - 96 )

1999 - Ciudad sin nombre

2003 - Sesiones acústicas

2007 - Descargas de Poder

2010 - Trauma Real

Videos

TRAUMA (CR)- Si tu no estás aquí

Fuentes de información

Sitio WEB Marsol

89 Decibeles

Metálicos

Periódico la Nación

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Bruno Porter

(El Topo) — Sun, 26 Dec 2010 14:07:00 -0700

Formación

Mauricio Pauly (Bajo y Voz)
Gabriel Montagné (Guitarras)/1991-1997
José Ospino (Batería)
Mauricio “ Tuco “ Quirós (guitarras)/1997-99

Recuerdo perfectamente por allá de Junio 1995, que se empezaba a hablar en la escena nacional de un “ nuevo grupo “ con sonidos extraños, unas líricas más voladas que Spinetta y una serie de comentarios sobre el sonido de la batería, inmediatamente traté se asistir a un recital de estos desconocidos llamados “ Bruno Porter “, así fue como finalmente coincidí con ellos en el concierto de Caifanes en un bar de Escazú que si no me falla la memoria se llamaba “ Órale “, allí pude por primera ver oír y observar a estos extraños desconocidos, el grupo me sorprendió pues tenían una madurez que no es propia de grupos tan jóvenes, el poder del bajo y los riffs de la guitarra contrastaban con el sonido de la batería que a lo lejos parecía estar incompleta. Recuerdo esa noche haber disfrutado de un concierto increíble, luego empecé a asistir a sus shows, así fue como los volví a ver en la Finca en Cartago, luego el año siguiente en, La Maga, La Bodega, en el Rockfest 96, en el teatro Skené, en Casa Matute, finalmente los escuché en el Festival de las Artes 97 y en la semana U de ese año, el cual también fue mi ultimo año en la Universidad.

“ Bruno Porter “ fue un grupo que tuvo sus primeros aleteos con una banda de colegio llamada “ Hielo Caliente “, integrada por : Gabriel Montagné en la guitarra, Juanca Sanabria ( Cuanja ) en la guitarra, Arturo Merino en la batería, Ignacio Rodríguez en el bajo y Mauricio Pauly como cantante. Esta banda realizó algunos conciertos en su colegio, en la cárcel de menores y finalmente en la Plaza de la Democracia en 1991. Su repertorio constaba principalmente de covers de Mötley Crüe y grupos por el estilo así como algunas piezas originales. Para el año 1992 hicieron su primera grabación casera de baja calidad, llamada " Po ". Solo sacaron 25 copias, fue grabado en 1992 en la finca de Cuanja en San Josecito de Santo Isidro de Heredia, cuando Cuanja y Gabriel eran todavía guitarristas del grupo. “ Po “ trae 13 canciones de las cuales 8 son originales y en inglés.

… “ grabamos este casett en ese idioma pues esta nos parecía la única forma de conquistar Hollywood. Tiempo después se nos desantojó Hollywood y empezamos a componer en español. La versión de Puntarenas-City que algunos de ustedes han escuchado en el casett sapo viene originalmente en el Po. La grabación duró una semana y fue hecha en el 4-track que le acababan de regalar a Gabriel para navidad, a esto se debe la dudosa calidad técnica de “ Po”. la dudosa calidad interpretativa se debe a las altas dosis de una bebida que inventamos a base de café y chocolate en polvo disueltos en coca-cola caliente.”…

El 9 de junio de 1995, debutaron en el Teatro Carpa. En 1996 lanzaron su primer álbum en cassette: “ Los huesos de un pequeñísimo sapo, o ya es otoño para el osito negro” el cual se agotó en poco tiempo. Las primeras cinco canciones de esta producción las grabaron en vivo el 1ero de Setiembre de 1995 en el Museo Juan Santamaría en Alajuela. Las demás canciones se grabaron en los estudios Link y en Audioarte.

... “ La historia de los “ huesos “ se inicia desde el instante en que serios trastornos gástricos, y de abstracción en el momento de pensar, cedieron contagiosa y evolutivamente en tres jóvenes niños de 16 años a los cuales les habían regalado, ya para entonces, algunas guitarras y tambores de variado tipo. A ese problema decidieron llamarle Bruno Porter. A la música la llamaron a gritos, y con humillantes ruegos la hicieron finalmente llegar al ya fallecido y capitalino Teatro Carpa, en el cual, el 9 de junio de 1995, hicieron su exitoso debút, y dejaron de ser desconocidos para un considerable grupo de personas que creció y creció exigiéndole a Bruno algo que concretaría a principios del 96: sacar un casét que titularían “los huesos de un pequeñísimo sapo, o ya es otoño para el osito negro” y agotarían para noviembre de ese año. “ ....

... “ Las primeras cinco canciones de este casette las grabamos en vivo el primero de setiembre de 1995 en el Museo Juan Santamaría en Alajuela. Este concierto fue el primer intento de Bruno de salir de San José. Todo estaba tan listo, veníamos de una buenísima racha de conciertos desde el debut, y ya nos sentíamos interprovinciales. Alquilamos luces gigantescas, alquilamos un equipo potentísimo, técnicos gigantescos y un 4-track potentísimo. Ansiosos, esperamos la emocionante llegada de nuestro alajuelenses fans. Cuando salimos al escenario, las butacas nos tenían reservada una sorpresa agradabilísima: nadie. 30 personas de San José (amigos y mamás(ós)). Cabe la posibilidad de que existieran dos alajuelenses ahí en ese momento. Valientes, tocamos. Nuestras gigantescas luces se volaron la caja de fiuses tres veces, decapitando al concierto, al público, a nosotros y a la grabación. Tres veces. Quedaron cinco piezas grabadas completas y decentes, donde no se notaba ni la fiebre y el dolor de rodillas de Ospino, ni los antibióticos en la garganta de Mauricio.”

“ Ricardo Nieto (Nietardo Rico) tiene un estudio de grabación Link. Ahí se terminó de componer y se grabó, en dos horas y media, Glenda. En esta versión en estudio, Pauly quedó tres veces, Gabriel quedó dos veces y Ospino quedó media. La otra mitad la programó Ricardo. Carlos Domínguez (Domingo Carlínguez) tiene un estudio Audio Arte. A Carlos Domínguez lo queremos mucho. El es el responsable de convertir el concierto de Alajuela en una grabación del Concierto de Alajuela y magistralmente ascenderla a una grabación potentísima. Nunca supimos como hizo para lograrlo en un 4-track. A Carlos Domínguez lo queremos mucho. En Audio Arte grabamos “bombo matíz”, donde Ospino quedo totalmente. A Ricardo Nieto también lo queremos mucho.”

En 1996 participaron en el Rock Fest. Luego firmaron un contrato con los estudios Primera Generación de Guatemala y Dideca Internacional. En Octubre de 1996 iniciaron la grabación de su primer disco compacto en los estudios Link.

En 1997 terminaron de grabar “ Chuis parece árbot “. En Agosto de ese año participaron en el Rock Fest 97 en el Teatro Melico Salazar. En el mes de Setiembre hicieron una presentación en la Alianza China junto a la banda Evolución.

En 1998 participaron en el disco " Híbrido a presión " que reunía lo mejor de Centroamérica con el tema “ Intermitar”, por lo que viajaron a México en Abril para dar un concierto con las demás bandas del disco. Ese concierto se efectuó el 4 de Abril, en el Teatro Miguel Ángel Asturias (Ciudad de México). El 31 de Mayo se presentaron en Rock Fest en el Teatro Melico Salazar. En Mayo viajaron a Guatemala para seguir con la presentación del Híbrido a presión. En el mes de Agosto sale el tan esperado disco “ Chuís parece árbot ” con 17 temas.

Sin embargo, Bruno Porter se desintegró a finales de ese año, debido a la salida de Pauly de Costa Rica hacia Estados Unidos para estudiar música.

Videos: Bruno Porter - Salon K

Bruno Porter – Ponga

Bruno Porter – Odrec

Bruno Porter - Langonicamente cedo

Discografía

pass para todos los discos: http://lacuevadeltopo.com/

1992 - Po

1995 - Los huesos de un pequeñísimo sapo o ya es otoño para el osito negro

1996 - Colegio Secular Carlos Darwin ( Concierto en la Maga )

1997 - sábana soiled ( Semana U )

1997 - En vivo ( Grabación Punto de Garage Radio U )

1997 - Bien ( simple )

1997 - Constelaciones y Alarma-Almohada

1997 - Chuis Parece Arbot

1998 - Pila de la melaza ( lanzamiento del disco Chuís parece árbot )

pass para todos los discos: http://lacuevadeltopo.com/

Agradecimiento a:

Wilkipedia

Site viejo Bruno Porter

Ranchonotorius

A todos los blogueros que me insipiran a rescatar joyas del baul de los recuerdos.

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Feliz Navidad 2010

topo@lacuevadeltopo.com (El Topo) — Fri, 24 Dec 2010 16:50:59 -0700

Primero que todo deseo agradecer a los lectores del Blog por sus visitas y comentarios. Durante los últimos 18 meses mi carga de trabajo aumentó notablemente, lo cual impidió que mi tiempo para dedicar a este proyecto fuera el que deseaba. Esto sumado a una serie de cambios, como la migración hacia Linux, el proyecto de compra de casa, y 2 blogs que mantener ( con unas 100 000 visitas entre ambos ), ha hecho que compartir material con uds en este sitio no haya sido tan frecuente.

Es por esto que a partir de hoy el Blog del Topo y El Pirata de Piratas se unen y convergen en esta cueva, en donde se harán referencias a discos particulares, conciertos, bootlegs y no solo Disco-biografías. Esto sumado a noticias de la Escena Rock, Biografías, Libros, Cine, Fotografía y otras artes.

Deseo agradecer a todos aquellos que a lo largo de estos años se han mantenido como lectores del Blog por la experiencia que me ha hecho crecer como persona. Para celebrar estas fechas especiales traigo hasta uds un gran disco del Estadounidense Brian Setzer. Para el año 2002 este músico editó su primer proyecto Navideño llamado " Boogie Woogie Christmas ", esta es la segunda parte de esta entrega que recibe el nombre de " Dig That Crazy Christmas ".

El disco grabado para la " Surfdog Records " es una colección de 13 temas navideños al estilo " Big Band " y " Swing " de los cuales hay dos originales de Setzer para el disco. Este trabajo salió a finales de Octubre del año 2005 con motivo de la temporada Navideña bajo la producción de Dave Darling quién había sido el productor con los " Stray Cats ".
Les dejo este gran disco para que lo disfruten

Lista de Temas:

1. "Dig That Crazy Santa Claus"
2. "Angels We Have Heard on High"
3. "Gettin' in the Mood (For Christmas)"
4. "White Christmas"
5. "Let It Snow! Let It Snow! Let It Snow!"
6. "'Zat You Santa Claus?"
7. "Hey Santa!" 8. "My Favorite Things"
9. "You're a Mean One, Mr. Grinch"
10. "Cool Yule"
11. "Jingle Bell Rock"
12. "Santa Drives a Hot Rod"
13. "What Are You Doing New Year's Eve"

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Invitación al Costa Rica Blues Fest

topo@lacuevadeltopo.com (El Topo) — Fri, 26 Feb 2010 09:11:06 -0700

Estos días para variar, he estado un poco enredado con el trabajo pero no puedo dejar pasar la oportunidad para hablar de este evento, pues este género musical tiene ( según yo ) pocos seguidores en el país, o al menos no es gente a la que le guste figurar como el montón de " pseudorockeros " que van a los conciertos de cuanto grupo venga a CR, sin ser seguidores del grupo, o tener al menos algún disco original comprado en una tienda ( POSERS !!! ).

Blind Pigs participará en el Festival

Este festival de Blues es el tercero que se realiza en el país y contará con la participación de destacados músicos de la escena Nacional como los míticos " Blind Pigs " a quienes tengo rato de no escuchar, pues ando algo retirado de los escenarios, o a mi Colega y excompañero de universidad Tomás de Camino y su grupo " Automata " quien además del Blues ha incursionado en el Country. El cual deberá recordarme particularmente como un defensor del " Phalus Impudicus " lo cual nos causó una pequeña desavenencia.

Autómata

Igualmente se presentará el novel grupo " Chepe Blues ", los caribeños " Three for Blues " y la legendaria " Blue Devils " .

Three for Blues

Participan también grandes músicos internacionales como la cuasi-leyenda del blues americano " Texas Johnny Brown and the Quality Blues Band " y " Electric Storm " ( antes Carlos Lopez Band ), entre otros.

Texas Jhonny Brown

Los precios de las entradas van de los 13 000 a los 16 000 colones y el evento se reallizará en el " Club cubano " a partir del medio día este 27 de Febrero.

mas info

Sitio Oficial

http://www.crbluesfest.com/

The Hellecasters

topo@lacuevadeltopo.com (El Topo) — Fri, 19 Feb 2010 20:30:54 -0700

No recuerdo hace cuanto tiempo ( pero si fue bastante ) que mi primo
virtualponcho, como era habitual me pasó una copia de un CD que había
conseguido. Tanto el como su servidor somos fans de Fender y el me
estaba recomendando a unos guitarros de la onda country que tocaban
Fender. En su momento pensé que eran unos mas de los twiit, twiit que
abundan por ahí, pero escuchando el CD pude apreciar que se trataba de
verdaderos maestros de la guitarra, que ejecutaban en los típicos riffs
de Fender verdaderas obras de arte. Así fue como conocí los a
Hellecasters, eran tiempos en que los quemadores de CD apenas lo hacían
a 2X, y los discos en blanco andaban por el precio de los 3 a 4 dólares
( de aquella época, probablemente 1994 ),

Esta banda originaria de Nashville, Tensesee en los Estados Unidos, originalmente formada por los siguientes músicos:

Will Ray

Nacido en 1950 y nativo de Richmond, Virginia, empezó ( como muchos
músicos ), desde muy pequeño con la influencia de “ The Beatles “,
Cream y “ Grateful Dead “ entre otros. Se inició con bandas como “
Dry Ice “, “ Mace “, “ King Cotton “ y “ The Cold Harbor Band “.
Para el año 1983 se va a vivir al este de California en donde se dedica
tiempo completo a la música. Ray ha participado con bandas como “ Tin
Star “, “ Candye Kane & the Armadillo Stampede “ y “ Wylie &
The Wild West Show “, y luego con grandes músicos como “ Carlene Carter
“, “ Steve Earle “, “ Tom Jones “, “ Solomon Burke “, “Joe Walsh “ y “
Michael Nesmith “,

John Jorgenson

Nacido en 1956, en Madison, Wisconsin, de una familia de músicos,
Jorgenson sue marcado por una sesión de televisión de 1964 de “ The
Beatles “, Hasta los 12 años tiuene su primera guitarra y empezó a
tocar profesionalmente a los 14 años. Una de sus primeras bandas fue “
Rocking Pneumonia “.    Ya para cuando era un joven de 20 años
trabajaba tiempo completo y en forma simultánea en Disneylandia, en
donde tocaba el clarinete con “ The Main Street Maniacs “, mandolina
con “ the Thunder Mountain Boys “ y guitarra con “ The Rhythm Brothers
“.

Jorgenson ganó el título de the "Guitarist of the Year" tres veces
consecutivas, el cual es otorgado pos la “ Academy of Country Music's “
en los Estado Unidos, también participó en Desert Rose, que era la
banda de apoyo de Elton John).

Jerry Donahue

Nace en 1946 en Manhattan, New York, hijo del saxofonista Sam Donahue
y la actriz Patricia Donahue. Donahue creció en Los Angeles, cuando
era muy joven tomo clases de guitarra clásica, siendo muy jocen fue
influenciado por Gerry McGee con quien tomo clases de banjo. Donahue
ha manifestado que fue influenciado por Amos Garrett principalmente
pero también destaca a Chet Atkins, Duane Eddy, “ The Shadows “ , “ The
Ventures “, Clarence White, Danny Gatton, Albert Lee, Tommy Emmanuel y
Robben Ford. Donahue se mudó a Reino unido donde toco con “ Poet
And The One Man Band” , “ Fotheringay “ y “ Fairport Convention “.
Tambien ha grabado o servido de apoyo con músicos como “ Joan
Armatrading” , “ Gerry Rafferty “, “ Robert Plant “, “ Elton John “, “
The Proclaimers “, “Johnny Hallyday “, “ George Harrison “, “ Cliff
Richard “, “ Chris Rea” , “ Warren Zevon “, “ Bonnie Raitt “, “ Hank
Marvin “, “ Roy Orbison “, “Nanci Griffith “ y “ The Yardbirds “,

Historia de la Banda

Para el año 1990 John Jorgenson y Jerry Donahue tuvieron la idea de
juntar en una banda el sonido de varias armonías de guitarra.   Así fue
como contactan a Will Ray ( quien se encontraba en la producción de un
álbum de música Country llamado “ Hollywood Roundup “. La ideo
original era juntarse con los guitarristas Billy Gremner y Jeff Ross
para un show en vivo.   Jorgenson entonces sugirió que lo hicieran como
un trío para esa “ única ocasión “ en el “ Palomino Club “ de Ronnie
Mack’s Barndance. Así fue como se pusieron a ensayar y unas semanas
mas tarde aparecen bajo el nombre de los “ Hellecasters “.   La gente
aceptó a la Banda, y solicitaban nuevos shoes, sin embargo el
compromiso de los músicos con sus otras bandas les dificultaba las
apariciones en público, las cuales eran muy esporádicas.   Así fue que
en Abril de 1991, un año después el productor Michael Nesmith les
ofreció un contrato con Pacific Arts Records.     El nombre de la banda
se origina pues se empezó a rumorar que los músicos “ sonaban como el
infierno “ con sus Telecasters.

El grupo edita su primer disco para el año 1993. El albúm “ The
Return of the Hellecasters ", se convirtió en un éxito entre la comunidad
de músicos y fue premiado como “Best Album” y “Best Country Album” por
la “ Guitar Player Magazine “ ese mismo año.

Un año después editan con la mmisma casa productora “ Escape from
Hollywood “ el cual tiene un estilo diferente a su primera producción,
de este disco destaca el tema de “ Inspector Gadget “. El disco
recibió buena crítica y su venta fue bastante aceptable.

“ New Axes to Grind, the Hellecasters “ es su tercer album el cual sale
para el año 1998 bajo su propia discográfica “ Pharaoh Records “.

Para el año 2000 lanzan su video en vivo “ Live...Raw...in Germany “
el cual se grabó en Baden-Baden, Germany cuando estuvieron en un show
de TV.

“ Essential Listening “ es su cuarta producción la cual sale para el año 2003 en la productora “ Hightone Records “.

Discografía

pass para los discos

http://lacuevadeltopo.com/

1993 - The
Return Of The Hellecasters

1994 -
Escape from Hollywood

1998 -
Hell 3 New Axes to Grind

2002 -
Essential Listening Vol 1

Sitios para visitar

Sitio Oficial de la Banda

http://www.hellecasters.com/

MySpace

http://www.myspace.com/thehellecasters

Videos

The Hellecasters - Inspector Gadget

The Hellecasters - Back on Terra Firma & Sweet Dreams

The Hellecasters - Menage: The Beak/The Claw

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Feliz Año 2010

topo@lacuevadeltopo.com (El Topo) — Thu, 31 Dec 2009 15:05:34 -0700

A todos los queridos amigos lectores del blog deseo pedirles una sincera disculpa por tener un poco abandonado el mismo... he estado reponiendo varios de los links que se encuentran caídos y recopilando algunos materiales para futuras publicaciones. Este año el trabajo aumentó y gracias a Dios tuve muy poco tiempo libre y mas trabajo, y el poco tiempo lo tuve que distribuir en algunas labores de casa. Para este año voy a organizarme más y mejor y trataré aunque sea de armar una publicación mensual, pues tengo dos blogs más que mantener.

Gracias por todo lo que he compartido con uds y por todas las palabras de agradecimiento y aliento que recibo.

Un abrazo a todos desde el país mas grande del mundo: INTERNET

Investigando y reponiendo Links

topo@lacuevadeltopo.com (El Topo) — Thu, 27 Aug 2009 14:44:15 -0700

A este Topo no se le ve últimamente en la blogósfera, esto debido a que han aumentados mis responsablilidades en el trabajo, lo cual alivia un poco la situación que se encuentra tan dura, pero me mantiene alejado en parte de esto que tanto amo y disfruto.

Deseo aclarar sin embargo que los topos no siempre salen a la superficie, y pasan semanas en sus madrigueras, hasta que de epente se ve lo que han estado haciendo, en mi caso no me he mantenido ocioso, he estado tratando de mantener el espírutu original del blog, el cual lejos de ser un sitio de descarga de audios, es una referencia para el trabajo de muchos artistas, principalmente músicos, sin embargo también otras artes como el cine y la literatura. En estos meses mi produccion ha sido escasa sin emabargo deseo aclarar que la recopilacion de materiales ha sido una labor constante a lo largo del año.

En estos días me he dedicado a reponer los links que se han roto ( que son muchísimos ) y en la mayoría de los casoa me he dado a la tarea de mejorar el material, tanto en la calidad como en la cantidad, en muchos casos verán que he incluido los artes de muchos discos.

Así que mis amigos, este topo solo ha estado trabajando bajo la superficie pero nunca ha dejado de trabajar en pro de buscar cada ves mejoers y mas buenos posts.

Esperen pronto mas de mi trabajo

Cita con las raíces del Rock Tico

topo@lacuevadeltopo.com (El Topo) — Wed, 08 Jul 2009 16:22:09 -0700

No es el estilo ( ni lo será ) de este blog el postear información sobre conciertos, pero en esta ocasión merece la pena, por la magnitud de la actividad.

En días pasados recibí del Maestro Roberto Ferroque con una invitación a un mega evento ( no por lo grande, sino por lo importante ), por desgracia y por compromisos adquiridos anteriormente en mi trabajo no me será posible asistir a esta cita con las raíces del Rock Tico. En esta ocasión se darán cita tres grandes agrupaciones... en esta actividad que se ha denominado " Rock Os 2009 ". Igni Ferroque, La Silla Eléctrica y Hebra,las leyendas del Rock Costarricense.

Sábado 18 de julio

Bar Rock Vyrus ubicado 100 oeste de Spoon San Pedro.

entrada ¢3,000.00.

Reservaciones al 2280 5890 o 2280 9134.

A partir de las 9 pm se volverán a oír los sonidos de las bandas de rock que empezaron a sonar allá en los años 70's, en lo que fue la tercera generación de grupos rock en Costa Rica. Este evento traerá al grupo de rock más importante de los años 70 como lo fue "La Silla Eléctrica", quiénes cerraran esta noche rockera al lado de Igni Ferroque y Hebra. Si alguien puede ir y envarme unas fotografias del evento para publicar en el Blog, se los agradeceré mucho.

Domingo 19 de julio

Latino Rock Café
: Frente a bomba La Primavera en el barrio La California

Entrada: ¢2,000.00

Reservaciones: 2222 4719

Este día a partir de las 4 pm se darán cita bandas de rock original costarricense y DJ's que animarán la fiesta de cumpleaños de Roberto "Ferroque" Ruiz quién este año ha sido pieza clave en el enlace entre las bandas nuevas, y el tocar por causas como " Canciones por la Vida " a favor de la Asociación Lucha Contra el Cáncer Infantil y la ayuda a la preservación de la Península de Osa, de este último concierto fueron de las bandas escogidas para representar a Costa Rica en Boston, adonde tendrán un periplo de 5 fechas a partir del 27 de agosto.

Las bandas que se unirán a este evento son: Neotopía, Igni Ferroque, Espinoza y Tresmo y Freceuncia Urbana, quiénes cerrarán la participación de las bandas. Antes y después de las bandas se oirán algunos DJ's como Mario Miranda.

Enlaces de interés

www.facebook.com/robertoferroque

www.CancionesPorLaVida.org

www.RainForestAid09.com

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Los Toreros Muertos

topo@lacuevadeltopo.com (El Topo) — Sun, 12 Apr 2009 22:07:22 -0700

No recuerdo exactamente como fue que empecé a escuchar a los Toreros Muertos, probablemente como cualquier cristiano por estos lares, con la famosa “ Aguita Amarilla “ la cual recuerdo corear bien ebrio en alguna de las semanas U,. cuando aun se vendía cerveza dentro del campus y cuando uno de los puntos de convergencia era en “ el chancho con chaleco “ o bien en “ La Taberna “, los cuales son locales que solo quedan en la memoria de unos pocos.

Esto debe ser a finales de los inolvidables 80 allá por 1988, y fue ( supongo ) gracias a eso que empecé a tener por este grupo de música “ irreverente y transgresora “ que luego llegue a admirar más al conocer mejor su trabajo.

Como era costumbre en aquellos tiempos y por estas tierras, aún y cuando el grupo tuvo un gran éxito comercial, no era muy común encontrar sus discos en las tiendas, fue allá por 1989 que según recuerdo alguno de mis compañeros de estudio me pasó su disco 30 “ años de éxitos “, y un par de años más tarde logré comprar el cassete original de “ Mundo Caracol “. Aunque me gusta más el sonido del rock más pesado “ los toreros “ supieron ganarse mi simpatía y llegué a escucharlos bastante, pues tenía también algunos audios sueltos que grabé en diversas ocasiones en diferentes programas de música rock en español ( que eran muy poco comunes ) en alguna de las radioemisoras nacionales.

Hoy y luego de varios meses logré recopilar el trabajo completo de los Toreros y deseo compartirlo con Uds.

Formación:

Pablo Carbonell ( voz )

Many Mouré (bajo)

Guillermo Piccolini (teclados)

Este grupo de pop fue un grupo de la “ movida madrileña “, y su cerebro fue el polifacético cantante, dibujante y cineasta Pablo Carbonell. “ Toreros Muertos “ comenzó siendo una broma y llegó a situarse entre las principales bandas españolas de pop de la segunda mitad de la década de los ochenta. Carbonell había sido un asiduo del Rock-Ola y vivió muy de cerca los primeros ambientes mods del Madrid de principios de los ochenta. Por aquel entonces, junto al también humorista Pedro Reyes, formó el dúo cómico Pedro y Pablo, una actividad que pronto llevó a ambos desde el parque del Retiro hasta los platós televisivos del programa infantil “ La Bola de Cristal “.

En 1986 Carbonell conoce al bajista Many Moure y al teclista Guillermo Piccolini, con los que formaría grupo en aquel mismo momento. Poco después, tras unas divertidísimas actuaciones por diversos locales de la capital de España, captan la atención de una discográfica que inmediatamente les ofrece la grabación de un disco. Pero, antes de que éste salga a la venta los Toreros Muertos ya eran conocidos en España gracias a su actuación en la cuarta edición de la Fiesta del Estudiante y la Radio, retransmitida en directo por Radio 3 (RNE) y Televisión Española. Una escasa semana después actúan en Oviedo como teloneros de “ Los Rebeldes “ y organizan una de las peleas más divertidas que jamás hayan existido entre artistas y público; los seguidores del grupo catalán abuchean al trío, y Carbonell, vistiendo una camiseta en la que había pintado a mano: “ Tengo 22 años ”, invitó a éstos a que bombardearan el escenario con todo lo que tuvieran a mano. “Vamos amiguitos, no os cortéis, que Dios también os ama aunque que tengáis patillas y tupé”, dijo. El resultado fue un aluvión de botellines, navajas y todo tipo de objetos contundentes que arrasó literalmente con el juego de luces del escenario y que acabó con Pablo, Guillermo, Many y algunos fans y borrachos (o ambas cosas) en comisaría.

Y es que Moure y Piccolini eran virtuosos músicos argentinos, curtidos en anteriores aventuras musicales, que supieron acoplarse a la perfección al complejo y sicotrópico mundo interior de su multimediático cantante hasta las últimas consecuencias.

Su debút discográfico llegó por fin de la mano de la disquera Ariola, que les editaría en 1986 el maxi single “Yo no me llamo Javier”, antesala de lo que poco después será su primer álbum “30 años de éxitos” trabajo en el que Pablo Carbonell muestra otra de sus facetas, la de excelente dibujante.

"30 años de éxitos" fue producido por Javier López de Guereña y Andreas Prittwitz, que contaron con algunos de los más importantes músicos del momento. No se escatimaron medios para poner en órbita a "Los Toreros Muertos", y el álbum de presentación no solo obtuvo el éxito esperado por artistas y directivos, sino que supero las previsiones más optimistas.

En 1987, los Toreros Muertos parodian los cursos de inglés y se ríen de la solidaridad internacional en el álbum “Por Biafra” y siguen los conciertos en directo por España. Este disco fue producido por Carlos Díaz y Carlos Martos, e incluía temas básicos en la corta, pero intensa, carrera del grupo, como el popular "On the Desk".

Su popularidad se impulsó en América Latina hacia (1988), cuando participaron junto a otros artistas como Los Prisioneros, Miguel Mateos, Timbiriche, José Feliciano, Yordano, Océano y los colombianos Compañía Ilimitada y Pasaporte en un mega evento de 12 horas de duración llamado Concierto de Conciertos que se llevó a cabo el 17 de septiembre de 1988 en Bogotá, Colombia en el estadio Nemesio Camacho "El Campin".

En el año 1989 publican “Mundo caracol” con el mismo equipo de producción que su disco anterior, en él hay una canción dedicada a un falangista, asunto con el que Carbonell pretende zanjar en clave de humor ciertos rumores de mal gusto sobre su pasado ideológico.

Lo último disco de la banda es “ Toreros muertos Cantan en Español” , editado en el año 92 y producido por Piccollini. Poco después, aburridos unos, e inmersos en crisis existenciales otros, deciden disolver el grupo. Pablo Carbonell, tras unos años de ausencia en público, regresó como humorista y reportero a los platós de televisión. Por su parte, Many Moure emprendió nuevas aventuras musicales, al igual que Guillermo Piccolini, que formó el provocador y escatológico combo Pachuco Cadáver.

Recientemente se hizo un recopilatorio en DVD y realizaron una serie de conciertos por España.

Discografía

Pass para los discos: http://lacuevadeltopo.com

Bares Bares Maxisingle ( 1985 )

30 Años De Éxitos (1986)

Por Biafra (1987)

Mundo Caracol (1989)

Toreros Muertos cantan en Español (1992)

Canciones Irreverentes Recopilatorio ( 1992 )

Los Toreros Muertos Antologia (2007)

Pass para los discos: http://lacuevadeltopo.com

Caifanes

topo@lacuevadeltopo.com (El Topo) — Mon, 16 Mar 2009 18:37:10 -0700

Han pasado muchas cosas desde mi último post por eso este año podrán notar que he tenido una escasa producción, las causas son múltiples. Primero la escogencia de una distribución adecuada y la migración hacia Linux, además el daño del disco duro principal de mi Computadora de escritorio, el nuevo horario de trabajo y las vacaciones de la familia. Todo esto me alejo un poco del tiempo libre que es el que utilizo para escribir, sin embargo no estuve ocioso y tengo una cantidad interesante de material y otros proyectos para compartir, todo a su tiempo. Este post lo empecé hace rato pero me tomó bastante tiempo el encontrar el material de forma de poder compartir algunas rarezas que se que muchos fans sabrán apreciar, pues yo personalmente las he disfrutado, y mucho, a pesar de que el sonido no es de lo mejor, pero en los próximos meses trataré de hacer una restauración de los audios que aparecerán más adelante, por ser documentos de valor histórico.

Hablar de “ Los Caifanes “ es un poco complejo, pues representan un “ Grupo de Culto “ y para muchos lo mejor que ha dado el rock Mexicano, yp particularmente me siento muy lejos de atreverme a decir algo de esa magnitud, sobre todo, dentro de la ignorancia que nos caracteriza en este pedazo de tierra, respecto al conocimiento del verdadero Rock Mexicano, pues apenas se conocen unos pocos grupos como el Tri, Café Tacuba, Molotov, Porter y otros pocos, pero más hacia la onda POP y música comercial, que dentro del ROCK, a pesar de que el mercado mexicano está muy cercano al tico.

Lo que si puedo decir es que probablemente Caifanes es el grupo Rock que al menos en Costa Rica tuvo un éxito sin precedentes cuando aún estaba “ vivo” , y no tuvo que esperar a morir para convertirse en una Leyenda. Mis primeros recuerdos me llevan al año 89, en que recuerdo “ Viento “ sonando en alguna emisora de las muy pocas que sonaban música rock en español. Así fue como para el año 90 en algún lado tuve la oportunidad de comprar el primer disco ( Volumen I o El Álbum Negro ) en un cassete que aún conservo como si fuera de oro. Ahí tuve la oportunidad de escuchar varias canciones que me traen muchos recuerdos como “ La Negra Tomasa “ y “ Perdí mi ojo de Venado “. Mi gusto por Los Caifanes fue creciendo conforme aparecieron más trabajos, así fue como para el año 1990 y 1992 pude comprar también los Cassetes originales de sus discos “ El Diablito “ así como mi álbum preferido “ El Silencio “. Para su último trabajo en estudio tuve la oportunidad de que una antigua estudiante de último año de Bachillerato ( Zuleka Goñi ) me grabó en un cassete directo de un CD “ El Nervio del Volcán “, por lo que no tuve la necesidad de comprar el original.

Durante muchos años estos fueron casi que obligados de escucharse al menos una vez a la semana en mi antiguo walkman SONY, que solía acompañarme casi 24 H diarias.

Preámbulo

Saúl Alfonso Hernández Estrada, nace en la Ciudad de México, un 15 de enero de 1964, desde pequeño se vio influenciado por la música que escuchaban sus familiares más cercanos. Esto incluía grupos y estilos muy diversos entre los cuales se pueden destacar: Los Rolling Stones, John Lennon, Janis Joplin, Jimi Hendrix en el movimiento Rock hasta “ Los Panchos “,la Sonora Santanera y José José, por mencionar algunos en el movimiento de música Latina. Durante los primeros años de su niñez, Saúl pierde a su madre.

Deimos es uno de los satélites de Plutón, sin embargo este era el nombre de la primera banda de Rock de Saúl. Al respecto deseo compartir esta pequeña anécdota:

“ Cuando Deimos, el grupo, se formó, la primera pregunta que nos hicimos fue: ¿Qué tocamos?... - Saúl alcanza a decir: Yo tengo canciones. Los demás se limitan a responder: …. “ pus tráelas “, y es así como de un día para otro el grupo Deimos se hace de un repertorio. “

De esta forma es como nació Deimos, la cual fuera su primera banda y que se mantuvo de 1979 a 1981. Los integrantes eran Saúl Hernández ( en el bajo y la voz ), José Navarro ( en la batería ) y Salvador de la Fuente ( en la guitarra ). Fue en esta banda que Saúl conoce a Ramón Tomas, quien tocaba en un grupo llamado Auroc. Lo primero que hizo Ramón fue mostrarle su trabajo a Saúl. Aquella amistad terminaría por traer al mundo a un grupo bautizado “ In Memoriam” . En este proyecto se mantiene su compañero y amigo José Navarro en la batería, Saúl en el bajo y la voz y Ramón en la guitarra.

Un par de años después al desaparecer “ In Memoriam “, Saúl se encierra por un tiempo y conoce a “ Leoncio Lara “, que como él anda buscando nuevas compañías, y juntos forman su siguiente proyecto llamado “ Frac “. Así fue como de 1983 a 1984 se consolida Frac, compuesta por Saúl Hernández en el bajo y la voz, Manuel Lino en la guitarra, Hernán Larralde en la batería, Leoncio Lara "Bon" en la guitarra y la voz. De este grupo solo existe registro de un tema llamado "Inquietudes Desairadas" que salió con motivo de una recopilación de triunfadoras del Festival Rock Peerless en el año 1988.

Por otra parte los otros músicos que forman la otra parte de esta historia militaban en “ Las Pistolas de Platino “. Este grupo estaba conformado por Jorge Palacios (voz), Salvador “Sabo” Romo (bajo), Alejandro Marcovich (guitarra) también, Alfonso André (batería) y Aleks Syntek (teclados).

El guitarrista Alejandro Marcovich había tenido anteriormente su grupo llamado Leviatán entre 1983 y 1984, junto a Arean en el bajo y Octavio Natera en la batería. Sin menospreciar la trayectoria y el trabajo de ninguno de los músicos, es este músico quien ( personalmente me parece ) me parece que ( independientemente del Ego ) aportó más al sonido de Caifanes, aún y cuando es Sabo Romo quien más me ha influenciado en su particular sonido en el Bajo.

Las Insólitas Imágenes de Aurora (1984 - 1985)

Hacia 1984, el cineasta argentino Carlos Marcovich ( el hemrano de Alejandro ) necesitaba medios económicos para solventar la producción de una película, y lo único que se les ocurrió, fue organizar una fiesta, llevar un grupo y cobrar la entrada. Así se lo plantea a su hermano Alejandro, el cual le recomendó a Alfonso André para la batería y Saúl Hernández para que tocara el bajo y además cantara. Es así que este “ efímero grupo “ se puso a ensayar y rápidamente montan una serie de covers y algunos materiales originales, debutando el 17 de marzo de 1984 como “ Las Insólitas Imágenes de Aurora ”; nombre tomado de un cuento escrito por Saúl llamado “Entre las Insólitas Imágenes de Aurora”.

De esta forma no sólo empiezan a tocar en lugares como Rockotitlán, High Tower y El Jabalí, sino en colonias populares como Iztapalapa, Santa Fe, etc., alternando con algunos grupos del subterráneo como Mistus.

El 22 de Mayo de 1986, con la ayuda del guitarrista Marcelo Arámburo y Jaime “Oso" Pavón, el grupo graba un demo en vivo en Rockotitlán. Esta cinta sale a la venta en el mes de abril de ese mismo año conteniendo las siguientes canciones: El Safari, Rosa, Claudia, La Vieja, Pero nunca me oye y Hasta Morir con el slogan de “Aborto engendrado en nuestro segundo aniversario”.

Las Insólitas Imágenes de Aurora (1985 - 1986)

Rápidamente este conjunto logra una química que se notaba en el particular sonido en vivo, y rápidamente empiezan a reunir una gran cantidad de seguidores, lo cual llevó a incrementar a sus integrantes para darle más detalles a las canciones. Es así como “ Las Insólitas “ pasan de ser un trío a un grupo que incluía a Saúl Hernández (guitarra y la voz), Alfonso André (batería), Alejandro Marcovich (guitarra), Alejandro Giacoman (teclados), Armando Martín “Pecas” (bajo), Alberto “Beto” Delgado (Saxofón).

- "Las Insólitas... se formó involuntariamente. -dice Alejandro Marcovich-. Yo tocaba en un grupo llamado Leviatán, y Saúl tenia un grupo que se llamaba Frac con Leoncio (Bon, el de los enemigos del silencio). Nos conocíamos, a mí me parecía chistoso como cantaba él, casi no conocía su trabajo. Mi grupo tronó y el de él continuaba; y cuando mi hermano estaba estudiando cine, le dejaron hacer un corto metraje, por lo que para conseguir dinero, hizo una fiesta. Necesitaba un grupo que jalara gente, pero al mismo tiempo, no podía ser uno conocido que le cobrara mucho. Entonces me propuso que armara algo para la ocasión. Carlos, mi hermano, conocía a Alfonso y me dio su teléfono para que le hablara e hiciéramos algo. También me sugirió que le hablara a Saúl. Alfonso respondió inmediatamente. Saúl lo dudó un poco y dos días antes de la tocada, dijo que sí. Ensayamos 12 horas cada día y montamos un repertorio para la fiesta: algunos “covers” absurdos como el “ cha cha cha “ de “Los marcianos” mas canciones de Saúl y canciones mías. No teníamos intención de nada, ni formar un grupo, solo queríamos sacar la tocada y adiós. Pero por lo mismo, lo único que nos importo, fue desfogarnos y divertirnos.

… Entonces salió una forma de hacer música que ninguno conocía ni esperaba, porque cada uno era súper intenso dentro de sus propios grupos. Todos nos sorprendimos y mucha gente que estaba en la tocada, nos dijo que deberíamos seguir, y al día siguiente, cada cual se quedo reflexionando en su casa. Le hable a Alfonso y le dije: “Te gustaría continuar eso? ”, y él, bien tímido, me contestó: “ Pues sí ".

Como Saúl no tenia teléfono, me fui a su casa ese domingo en la mañana. Estaba dormido. “Vengo a hablarte de esto...”, y me dijo: “No,… que mi grupo...”, que no se que.

Entonces le dije: “Piénsalo, y a los pocos días, me respondió que sí.

Terminó con su grupo y empezamos con “ Las Insólitas ”...

Fue una magia que supero nuestra voluntad".

Las Insólitas... se convirtieron en un grupo de culto y duro de 1984 a 1987. "De nuevo, empezábamos a pelearnos mucho - agrega Marcovich -, como debe de ser, y al mismo tiempo, no ganábamos lana. Salieron “playbackazos” con otros artistas, con toda la pena del mundo, a los cuales le entraban hasta Saúl y Alfonso, porque era la única manera de ganar dinero, y luego salieron tocadas de verdad, por ejemplo, con Lara y Monarrez, a las que Saúl ya no le entró, pero Alfonso y yo si seguimos. Esto, de alguna manera, empezó a resquebrajar al grupo.

“Nos perdimos un poco en eso y vino el truene”.

Alejandro se unió a la banda que acompañaba a Laureano Brizuela y unos años más tarde. Mientras que Alejandro tocaba con Laureano, Saúl empezó a planear un ambicioso proyecto: Caifanes.

Los Caifanes

Cuando rompió el grupo, Saúl se recluyo en su casa y empezó a pensar en Caifanes; el nombre ya lo tenía, así como la idea de formar un grupo en el cual hubiera la posibilidad de hacer algo distinto. Un amigo le presentó a Diego Herrera y juntos se encerraron en casa de Saúl a ensayar, las primeras canciones que montaron incluían: Mátenme porque me muero, Amanece, Cuéntame tu vida y Será por eso.

“ Sabo “ Romotocaba con Memo Briseño y en un concierto le propusieron que se les uniera, lo cual aceptó de inmediato. El mismo propuso a Juan Carlos Novelo, el baterista de Memo a que los acompañara es este proyecto, y al mismo tiempo, Diego propuso a Santiago Ojeda, y ésa fue la primera alineación de Caifanes

Su primera presentación fue el 11 de abril de 1987 en Rockotitlán. La expectación creada en el underground rockero mexicano fue tanta que mucha gente se quedó fuera del recinto. Pero para esta ocasión Novelo no pudo ir. Así fue como se vieron casi obligados a una nueva organización del incorporando a "El Gato" Jorge Arce, baterista de Ritmo Peligroso, en reemplazo de Novelo.

Después de su presentación aquel 11 de abril, Jorge Arce se vio forzado a abandonar a los recién formados Caifanes por su por su incompatibilidad con los tiempos entre los dos grupos en que militaba. Es así como Alfonso André ( quien había acompañado a Saúl desde “ Las Insólitas “ se uniría a la banda a partir de su tercera presentación en vivo, igualmente Santiago Ojeda se integró a Botellita de Jerez reduciendo al grupo en un cuarteto integrado solamente por Sabo Romo, Saúl Hernández, Alfonso André y Diego Herrera.

Tuvieron la idea de hacer un disco independiente y distribuirlo, pero el dinero alcanzó solamente para cuatro canciones y quedó en un "demo". Una estación de radio empezó a recibir "demos" y a trasmitirlos, los chicos llevaron el suyo y así fue como empezó a sonar “ Los Caifanes “ en la radio, con Mátenme porque me muero.

Lo curioso es que eran un grupo que no existía, porque cuando llevaron el "demo", todavía no tacaban en vivo, lo hicieron antes. Tuvieron una racha de tocadas medio extrañas y la primera vez que se impactaron, fue entre la 5ta. y la 6ta. tocada: los invitaron a abrirle un concierto a Miguel Mateos. Cuando salieron, la gente se sabía las canciones.

Fue así que la oportunidad llegó, cuando Ariola convocó a las dos bandas que estaban provocando "eco" en la escena "Under" de la época en la Ciudad de México, a abrir el concierto de Miguel Mateos el 31 de Octubre de 1987, Caifanes y Neón eran esas bandas. Lugar en donde por cierto, se encontraba Oscar López, productor de Miguel Mateos, quién a su vez, estaba midiendo el poder de convocatoria de ambas agrupaciones, y en donde Caifanes salió triunfante sobre Neón, y Miguel Mateos, no vaciló en darles su apoyo incondicional. El resultado, la grabación de un primer LP bajo la dirección y realización del productor Oscar López, también productor del argentino.

Caifanes accedió a firmar con RCA Ariola, a cambio de que también Maldita Vecindad firmara y así ocurrió. Para noviembre de 1988 Maldita Vecindad se encontraba grabando en los Estudios PolyGram lo que sería su primer material.

Para la grabación de su primer disco oficial la formación de Caifanes era Saúl Hernández en la guitarra y voz, "Sabo" Romo en el bajo, Alfonso André en la batería y Diego Herrera en los teclados. Caifanes (a veces nombrado también “ Mátenme porque me muero “, “ Volumen 1 “ o “ Disco Negro “ ) salió a la venta en agosto de 1988 y el sencillo Mátenme porque me muero fue su primer éxito, seguido por Viento y La negra Tomasa, una versión de una cumbia escrita por el músico cubano Guillermo Rodríguez Fiffe. El disco mostraba claras influencias del grupo británico The Cure. Gustavo Ceratti participó como músico invitado en la grabación del álbum tocando la guitarra en La bestia humana.

En el verano de 1989 tras llenar dos días consecutivos el Auditorio Nacional, teniendo como teloneros a Maldita Vecindad y a Fobia; el grupo prepara canciones para lo que sería su segundo material; temas como « Detrás de ti » y « Antes de que nos olviden » ya eran habituales de la agrupación por estas fechas ( ésta última fue con dedicatoria a los caídos de Tlatelolco el 2 de octubre de 1968 ).

En una presentación del grupo en un "Bar", se encontraba el ex-compañero de grupo de Saúl y Alfonso en "Las Insólitas Imágenes de Aurora", Alejandro Marcovich. Hernández tuvo un encuentro con éste en donde comentaron asuntos sobre los proyectos de cada uno, y en donde. Hernández le comentaba el gran peso que le causaba el ser guitarrista y vocal de una agrupación. Por su parte, Marcóvich recomendó:

"-¿Por que no buscas a un guitarrista que te apoye?"-

A lo que Hernández respondió: "¿Y por que no tu?".

En septiembre de 1989, el guitarrista Alejandro Marcovich se integra al grupo; su presencia resultó notoria desde un principio y su estilo fue fundamental en lo que comenzaría a ser el sonido de Caifanes.

Con una formación sólida, como quinteto, se dirigen a Nueva York a grabar su segunda placa, de nuevo bajo la dirección de Oscar López en colaboración con Gustavo Santaolalla, Daniel Freiberg, y Caifanes.

El resultado de este trabajo fue el Volumen II, mejor conocido como “ El Diablito “ (esto se debe a la inclusión de la imagen de un diablo, que recuerda una tarjeta de lotería, acompañado por una leyenda que dice justamente El diablito).

Después la grabación de un próximo material discográfico, en donde se barajaron nombres de productores como Phil Manzanera, Don Was, Gustavo Santaolalla, Adrian Belew, y Brian Eno. Finalmente se dirigen a Wisconsin a grabar con Adrian Belew.

En 1992 se edita El Silencio, de este álbum se incluye gran parte del repertorio clásico de Caifanes, como: «No dejes que...», «Miércoles de ceniza», «Nubes», «Nos vamos juntos» y «Piedra», en este último, Saúl cuenta su adicción a las drogas. Antes de que saliera El Silencio, The Cure estaba en México y se propuso a Caifanes abrirle pero se rehusaron puesto que primero querían presentar El Silencio antes de hacer otra cosa. Cuando este disco salió a la venta el grupo ya era un éxito en México, Centroamérica, algunos países de Sudamérica y entre la comunidad hispana de Estados Unidos. En agosto de 1992 llenaron por completo el Hollywood Palladium de Los Ángeles.

En 1993, la agrupación parecía cada vez más sólida, pero Sabo Romo y Diego Herrera se encargan de desmentirlo. Con dicho concierto en el Palacio de los Deportes, Sabo Romo, se despidió de la agrupación arguyendo problemas personales y económicos, después argumentaba que ya no había esa "Magia", y esa armonía dentro del grupo; además que la vida privada del músico se había puesto en descuido. Diego Herrera lo seguiría poco tiempo después, al concluir esa gira.

Al llegar 1994, Caifanes queda reducido a un trío conformado por Saúl, Alfonso y Alejandro acompañados en el bajo por Federico Fong y en los teclados por Yann Zaragoza.

Juntos dan forma al último álbum de los Caifanes, El nervio del volcán. Se eligen como sencillos las canciones «Afuera», «Miedo», «Aquí no es así» y «Ayer me dijo un ave». Su presencia en los medios de comunicación crece y es seguida muy de cerca por los noticiarios de MTV Latino, para quien realizaron un Unplugged, y donde se documentaron tanto el creciente éxito internacional del grupo (por ejemplo, en esos días abrieron el concierto de los Rolling Stones en la ciudad de México y participaron en el festival WOMAD, organizado por Peter Gabriel, rechazaron después, la invitación de asistir al festival de Woodstock).

Las crecientes diferencias entre Saúl Hernández y Alejandro Marcovich, llevarían a la disolución del grupo, (en una entrevista a MTV Latinoamérica, en Bogotá, Saúl le pregunta a Alejandro: ¿Qué tenemos

en común? y éste responde: ¿El número de cromosomas?).

Caifanes ofreció su último concierto el 18 de agosto de 1995 en la ciudad de San Luis Potosí, pese a toda la cantidad de desmentimientos hacia la prensa el grupo inevitablemente llego a su fin. Durante este último recital, Carlos Marcovich, cineasta y hermano del guitarrista, trataba inútilmente de juntar a Saúl Hernandez y a Alejandro Marcovich al terminar dicho concierto; fue una lucha de "egos" en la que se llegó a rumorar que Marcovich y Hernández incluso llegaron a los golpes.

Al final de dicho recital se pudo escuchar la canción "Sabor a Mi", de la mano de Alejandro Marcovich; fueron las ultimas notas de la tan característica guitarra Ibanez de Marcovich, su hermano, Carlos, ante la expectación de la multitud, anunció el fin de Caifanes.

Tras la desintegración del grupo, Saúl Hernández se dedica a recuperarse de un mal en las cuerdas vocales, e invita a Alfonso André, a un nuevo proyecto que posteriormente sería lo que hoy es Jaguares.

Alfonso, en ese momento se encontraba tocando en La Barranca con Federico Fong (bajo) y José Manuel Aguilera (guitarra) y propone a Saúl incorporarlos a la nueva banda.

El Estilo de Caifanes

Aunque en un principio la música de Caifanes parecía ser simplemente una versión en español de la música de The Cure, la inclusión de «La negra Tomasa» en el repertorio del grupo no era casual:

Hernández y Romo tienen raíces en colonias populares de la ciudad de México. Sin embargo, Caifanes no volvió a apropiarse tan marcadamente de un estilo musical distinto del rock; por el contrario, incorporó elementos de la música popular mexicana en el esquema general de éste.

Si bien en El diablito la mayor parte de las canciones puede ser calificadas simplemente como rock, las letras comienzan a tomar elementos populares (como la integración total del dicho « De noche todos los gatos son pardos » en la canción homónima) y con « La célula que explota » se marca en gran medida el estilo clásico de Caifanes: letras demandantes y poéticas y música a caballo entre el rock y la música mexicana. La presencia de Alejandro Marcovich, a partir de este disco se vuelve fundamental en el sonido del grupo, a tal grado que para muchos fanáticos la diferencia principal entre Caifanes y Jaguares consiste en el estilo del guitarrista.

« La célula que explota » construida como una balada rock con arreglos de mariachi, es la primera de una serie de amalgamas. En “ El Silencio “ las fusiones tocan de nuevo la música con una fuerte cadencia rítmica que en México se tilda de guapachosa («Nubes», «Hasta morir», «Para que no digas que no pienso en ti»), pero también la banda («Piedra»), e incluso aparece una versión de un son veracruzano, «Mariquita», donde se combinan las tradicionales jaranas con las guitarras eléctricas de Marcovich. Por último, en El nervio del volcán experimentaron con rítmicas indígenas («Afuera»), dieron un toque de bolero a las percusiones de «Ayer me dijo un ave» y construyeron «La llorona» sobre el vals tradicional del mismo nombre.

Discografía

pass patra todos los discos: http://lacuevadeltopo.com/

1983 – FRAC - Inquietudes desairadas ( Sencillo )

1986 - Las Insólitas Imágenes de Aurora - En vivo desde el Rockotitlan

Parte 1

Parte 2

1986 - Las Insólitas Imágenes de Aurora - Demos

Caifanes - Demos

1988 - Caifanes - Volumen I

1989 - En vivo en Mexicali

1989 - En vivo en Rockstock

1989 - En vivo Ferrocarilero

1990 - El Diablito

1992 - El Silencio

1993 - En vivo en Mexicali

1994 - El Nervio Del volcán

1994 - En Vivo (Gira el Nervio del Volcán )

Parte 1

Parte 2

1994 - En vivo Teatro Metropolitan

Parte 1

Parte 2

1994 - MTV Unplugged

1997 - La Historia ( Recopilatorio Doble )

Parte 1

Parte 2

pass patra todos los discos: http://lacuevadeltopo.com/

Videos

Caifanes- Matenme Por Que Me Muero

Viento - Caifanes

Caifanes-"Miercoles de Ceniza"

Caifanes - Sombras en tiempos perdidos ( Rockstock 1992 )

Caifanes - La Célula que explota ( Rockstock 1992 )

Caifanes - Afuera

Mi agradecimiento y fuentes de Información

Los Dioses Ocultos

Las insólitas imágenes de Aurora

Al Amigo Sarabia de Tripod

Wikipedia Saúl Hernández

Wikipedia Caifanes

A los amigos del Foro de Jaguares

Al Amigo Juan Carlos Reyna

Los amigos de JaguaresLive

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Una Lamentable Noticia

topo@lacuevadeltopo.com (El Topo) — Fri, 09 Jan 2009 18:46:42 -0700

Estuve visitando algunos blogs amigos y me dí cuenta gracias al amigo Marcelo B de los Inconseguibles del Rock Argentino que había muerto el músico uruguayo Gonzalo Farrugia, quien fuera en vida un destacado baterista en algunas de las míticas Bandas de rock Suramericano de los años setenta, como Psiglo, Crucis y más tarde PorSuiGieco. Desde este Blog queremos rendir un pequeño homenaje a tan destacado músico.

Su carrera musical empezó en una " Banda de amigos del Barrio " llamada " Los Sailors " que hacian covers de los Beatles y Creedence, luego estuvo en otras bandas como " La Muela del Juicio " y " Danger " haciendo covers en bailes y cuevas alla a finales de los sesenta en el Uruguay.

Para inicios de los años setenta sustituye a Carmelo Albano en la Batería de Siglo, que luego llegaría a llamarse Psiglo, con la entrada del vocalista Ruben Melogno quien venía de una agrupación llamada Ovni 87.

Así para julio de 1972 lanzan su primer single, con un formato poco comercial, " Gente sin camino " supera los seis minutos de duración en una época que la duración máxima para un tema que la radio difundiera era tres minutos. Sin embargo " En un lugar un niño " logra la difusión masiva.

El grupo tapiza la calle 18 de julio con carteles que dicen "Los que aún no han comprado el Primer simple de Psiglo están para el Psiquiatra" y el resultado de esta estrategia fueron unas ventas excelentes. El 13 de agosto de 1972 realizan un concierto en el Teatro Solís.

En diciembre del mismo año se edita el segundo single, este supera las ventas del anterior y llega a ser disco de oro. En enero de 1973, se organiza un baile en el club Atenas en el local de la U.J.C. y al finalizar Gonzalo Farrugia levantó un cuadro con una foto de Lenin, con lo que el entusiasmo de los jóvenes se exacerba.

El 24 de febrero son invitados a participar en el Festival de la Solidaridad Chile-Vietnam en el Estadio Centenario, junto con Alfredo Zitarrosa, Víctor Heredia, Vera Sienra, Sindykato, Quilapayún, Dean Reed y Camerata.

También participaron como invitados en las sesiones de grabación de otros artistas como Jesús Figueroa (ex cantante de Opus Alfa), y en el segundo disco larga duración de León Gieco.

La organización del "Seminario de Música Latinoamericana" les da su reconocimiento al invitarlos al evento que se realizó en la falda del Cerro del Toro de Piriápolis en diciembre de 1972. Entre enero y marzo del 73 completan la grabación del primer larga duración, con el cuarteto de cuerdas del S.O.D.R.E. participa en el tema " Catalina" ; y Nelson Pito Varela (saxo) y Eduardo Giovonazzo (trompeta) en " Es inútil " como invitados.

El 12 de agosto de 1973 se realiza el segundo concierto, en el mismo lugar y exactamente un año después del primero. Allí se les hace entrega del disco de oro. Este recital es transmitido por canal 12 en forma de especial de la banda "Telesuceso del Psiglo" se llamó. Todavía en 1973 en una casa alquilada por ellos montan una oficina, Farruglia da clases de batería y tocaban en todos lados (siete u ocho bailes por fin de semana).

Grabaron 2 singles y dos LP antes de que el golpe de estado silenciara a casi todo el movimiento cultural uruguayo.

En 1993 en un evento que congregó a 6000 personas en la Estación Central de Trenes de AFE en Montevideo demostraron su convocatoria y la aceptación de un público multigeneracional, vuelven a escena para alegría de generaciones que se habían alimentado del mito de la banda. En 1999 vuelven a reunirse en un evento homenaje a Ruben Castillo en La Factoría.

Sin embargo la Historia de Farrugia en la musica Rock no termina con Psiglo, en 1975 Daniel Frenkel dejó la banda Crucis y Farrugia lo reemplazó. Según una entrevista, Gustavo Montesano y Pino Marrone se encontraron con Farrugia en un colectivo y de ahí tomaron contacto para finalmente sumarlo al grupo.

Editaron dos álbumes, Crucis en 1976 y Los Delirios del Mariscal en 1977. Una de las características más destacables de la banda era que los temas registrados en sus discos eran grabados en vivo. La banda tuvo presentaciones existosas en los teatros del país y en Estados Unidos. Luego de volver de su gira por Norteamérica y tras una serie de conflictos personales entre ellos, decidieron separarse imprevistamente.

Los 4 integrantes de esta banda tenían una gran técnica y calidad musical. Por los años en que ellos tocaron lograron un gran sonido de estudio. Tuvieron producción en los Estados Unidos, algo impensado para un grupo latinoamericano de aquella época.

En el año 2004 en un tributo a Crucis a cargo de la banda Pulso, se reunieron luego de 30 años, Gustavo Montesano y Gonzalo Farrugia. De ese gran reencuentro nació la idea de reunir a la banda y organizar una gira, hecho que llevarían a cabo sin Marrone ni Kerpel quienes descartaron la idea de una posible reunión.

Si bien el proyecto no carecía de apoyo promocional de parte de las compañias discográficas, no se pudo concretar debido a desacuerdos económicos y comerciales.

La carrera de Farrugia se destacó por estar en dos de las Bandas más importantes dentro del Movimiento de Rock Progresivo, a la altura de King Crimson, Pink Floyd, como son Psiglo y Crucis, espero que su alma tenga paz y deseo agradecer el legado de música que nos dejó este gran músico.

Videos

gonzalo farrugia en la bata

CRUCIS

Psiglo - En un lugar un niño

CRUCIS en vivo 1995

Topo

topo@lacuevadeltopo.com (El Topo) — Wed, 24 Dec 2008 13:55:33 -0700

Mi primer contacto con el Rock español empezó hace unos 22 años atrás escuchando algunos grupos como Ángeles del Infierno, Barón Rojo, Radio Futura, Obus y Asfalto. De ésta última banda recuerdo los nombres de José Luis Jiménez y a Lele Laina, que se habían separado tras la grabación del primer LP de Asfalto y habían vuelto luego a formar parte de la Banda, pero no recuerdo o preciso nada más. Fue unos años más tarde ( allá por 1995 ) que me enteré que existía un grupo de rock Español que tenía el mismo apodo que su servidor ( TOPO ), y me interesé por averiguar más del asunto, sin embargo resulta que en aquella época, era bastante difícil de conseguir música o información sin la existencia de la Internet por lo que me limité a saber que era un grupo de Rock de la “ época de Oro “, que además que en su disco Marea Negra habían participado Miguel Ríos y Joaquín Sabina. Lo único que conseguí fue una copia en Cassete de Pret a Porter que me pasó algún compañero de los primeros años de Universidad ( sin precisar el nombre ).

Años mas tarde y ya con el desarrollo de Internet y la tecnología P2P pude acceder vía torrent a los primeros tres discos de Topo, luego de haber conversado vagamente unos años atrás con Villar Salvatierra ( quien fuera mi suegra ) la cual me precisó algunos detalles más de este grupo.

Hace un par de meses logré conseguir la Discografía Completa del Grupo, lo cual me impulsó a realizar este post, el cual finalicé luego de un largo periodo alejado de la WEB por cuestiones de trabajo y poco tiempo libre para escribir pues me dedique a leer un poco y a plantear un par de proyectos personales.

Formación Original

José Luis Jiménez: bajo, y voz.
José Anselmo Laina (Lele Laina): guitarra, voz
Víctor Ruiz: teclados
José Mariano Barrios (Terry Barrios): batería

La historia de Topo inicia cuando José Luis Jiménez y Lele abandonan la agrupación Asfalto a mediados de 1978, de esta forma y con la intención de mantenerse juntos Lele llamó a Terry Barrios; el cuarto componente sería Víctor Ruiz.

Sus dos primeros discos fueron editados bajo el sello “ Chapa Records “ con la producción de Teddy Bautista. Su primer LP de titulo homónimo al grupo, contenía piezas como "Vallecas 1996" o "Mis amigos dónde estarán". Con este disco se colocaron en la primera línea del rock español rápidamente.

A pesar de ello la compañía, lejos de apoyar incondicionalmente la música de sus bandas, mostró que sólo buscaba formas de enriquecerse rápida y fácilmente. Con estas premisas, un año después, impulsan al grupo a realizar un disco más orientado al sonido "New Wave ", que sonaba en Gran Bretaña. Así sale para este año su segunda producción llamada “ Prêt à porter “. Incluso cambiaron su aspecto utilizando para las fotos del disco camisas modernas y otras vestimentas que no les sentaban en su estilo tradicional, su sonido intentaba parecerse a “ The Police “ y el resultado final no terminó de convencer ni a los rockeros ni a los chicos “ nuevaoleros “.

Hay un tema que merece rescatarse de este álbum, la versión del "Bring it on home to me" de Same Cooke, un tema que viene de la época de Asfalto y que tradujeron titulándolo “ Traéme tu amor ó Trae a casa tu amor para esta ocasión “ , es el único del disco que sigue aguantando incluso hoyen los directos de Lele y Jose Luis y gracias al cual consiguieron grandes elogios por sus elaborados arreglos e increíbles voces. Con este disco el grupo fracasa estrepitosamente en las ventas y hace que Topo, gracias a Dios, abandone la discográfica.

Para el año 1982 firman con el sello CBS y editan su tercera producción "Marea Negra" el cual es un disco con un sonido que suena más a las raíces del grupo, con una nota de rock urbano, con grandes composiciones y unos espectaculare sonidos en la guitarra y el Bajo. Para éste álbum contaron con la producción de Carlos Narea.

El resultado es un gran disco de Rock Urbano, letras de denuncia social, inteligentes y atemporales, muy buenos arreglos instrumentales interpretados por José Luis, otras por Lele y con Terry Barrios cantando al final del disco y participando con su potente voz en partes de algunos temas, los tres realizan esos perfectos juegos vocales y coros característicos. Potente sonido que permite escuchar y distinguir a la perfección todos y cada uno de los instrumentos, guitarras siempre bien armonizadas, unas veces duras, otras mas melódicas, teclados justos y precisos para rellenar huecos y que resaltan en los momentos propicios, el bajo, siempre audible, no se limita a llevar el ritmo sino que produce preciosas melodías al igual que la batería potente la mayoría de las veces y suave cuando es necesario.

El disco contiene temas como “Cantante Urbano”, que cuenta con una segunda parte en la última referencia discográfica de TOPO (“La Jaula Del Silencio”). Además destacan la balada “ Colores “, y la canción de protesta “Los Chicos Están Mal” entre otras.

Para finales de 1984 Terry, Lele, y Víctor abandonan el grupo, quedando solamente José Luis, rápidamente son sustituidos por Luis Cruz (Guitarra), Kacho Casal (Batería) y Pablo Salinas (Guitarra y teclados), esta formación fue plenamente aceptada y sería la que grabara en 1986 "Ciudad de Músicos". Editado a través del sello Snif, de Julio Castejón, este elepé mantiene a Topo a muy buen nivel creativo y les permite seguir funcionando.

El disco parte con un tema que pretendía estar en la pretendida y fallida Ópera Rock de la que se alimentaba el primer disco de ASFALTO. Un temacon el que José Luis hace gala de su grandiosa voz. De esta producción destacan los temas "Todos A Bordo", "Hay Un Amigo, la balada en "Quieren Matar Mi Canción", Días De Cine", y ""Golpe A Golpe". Este trabajo tiene el 100% del sello TOPO, que marcan para aquel entonces la vuelta al ruedo de la banda.

El 30 de octubre de 1987 se presentarían en “ Canciller “ con motivo de la grabación de su disco en directo "Mis amigos están vivos", concierto en el que participarían todos los músicos que habían pasado por la banda, y donde sonarían todos sus himnos. En el concierto participaron ilustres invitados como J.C. Molina (Ñu), M.A. Collado (Santa) o el propio Julio Castejón.

Al año siguiente Topo entra en estado de criptobiosis, paralelamente José Luis y Lele abren una nueva etapa en Asfalto hasta, más o menos el año 1995.

Tras la salia de Topo en 1984 Terry Barrios había sido parte de la formación de la Banda “ Casablanca “ ( antiguo MAMUT ), con quienes luego de cambiar su nombre graba varios discos en varias etapas diferentes. También estuvo en “ Labanda “ donde conoce a Jorge “ Flaco “ Barral, Víctor Ruiz y Leonel Vignola, quienes montan una banda de blues llamada Hispano Uruguaya. Trágicamente Barrios murió el 14 de Septiembre de 1992 por problemas de Salud.

Sin embargo “ Mis amigos están vivos “ no sería la última página en la biografía de Topo ya que, en 1998 la banda renace con José Luis y Lele al frente, y con Roger Castro (batería, ex-Suburbano) y Sergio Cisneros (teclista, ex-La Banda, La Trampa, y actualmente en Mägo de Oz) como nuevos tripulantes. En 1999 regraban "Vallecas 1996" y "Mis amigos donde estarán" para el recopilatorio "Vallekas" publicado por Pies Discos, y, asimismo, firman por dicho sello.

Meses más tarde ya para el año 2000, editan "La Jaula del Silencio" donde muestran que también siguen en plena forma a nivel compositivo. Desgraciadamente el poco apoyo recibido de la compañía y los medios les hace apartarse a un lado, esta vez sí, definitivamente. Sin embargo por su parte José Luis Jiménez y Lele Laina se mantienen activos y con bastante frecuencia ofrecen recitales en donde reviven muchos recuerdos para los fans de esta genial Agrupación

Discografía

Topo – 1979

Prêt à porter- 1980

Marea negra- 1982

Ciudad de músicos - 1986

Mis amigos están vivos – 1988 ( Parte 1 )

Mis amigos están vivos – 1988 ( Parte 2 )

Vallecas - 1993

La jaula del silencio - 2000

Videos

Musical express - parte 2 - Topo - Marea negra

TOPO - VALLEKAS 1996

TOPO -TODOS A BORDO

LELE LAINA Y JOSE LUIS JIMENEZ - COLORES

Topo - El bar

Fuentes de información y mi Agradecimiento

Al Amigo Metalbytes de Taringa por los links de los discos

Al amigo Carlos Camino por su crítica en Rock Total

Al amigo elagus también por su excelentes críticas

Wikipedia

Nuestro Rock 80

Ciudad de músicos

Los Amigos de DescargaMetal.tk

Alvar de Flack

Dedico este post a mi amigo de La Luz de Triana, gracias por el apoyo !!!

GTR – una Superbanda de la cual no se habla hoy en día

topo@lacuevadeltopo.com (El Topo) — Wed, 12 Nov 2008 19:22:00 -0700

Este post ha resultado un poco complicado pues la información que he buscado para su elaboración se volvió más compleja de lo que esperaba, pues hay muchos datos por ahí que no necesariamente son compatibles, lo que hice fue limitarme a incluir la información que consideré como mas coherente al respecto.

Probablemente son pocos los que recuerdan a este grupo, pero supongo que muchos conocerán por aparte a sus integrantes, esta SUPERBANDA, la recuerdo de mis tiempos de 10 año de Secundaria, con apenas 16 años, en la misma época en que escuchaba algunas cintas de algunos grupos de Rock Progresivo como King Crimson, YES, ELP, Génesis y Pink Floyd, en mi viejo Walkman Sanyo que podía pesar medio Kilogramo. Recuerdo el éxito radial que tuvo este grupo ( al menos en Tiquicia ) con dos piezas llamadas When the Heart Rules the Mind “ y “ the Hunter “ que salieron de su único disco oficial de estudio. Recuerdo como mi primo ( igual de fanático para la música Rock, especialmente el Progresivo y el Heavy Metal ) comentábamos los sonidos de este grupo, por varias razones, el utilizar guitarras sintetizadas por MIDI, además de que era una formación de lujo, por tratarse de las guitarras de YES y Génesis juntas.

Steve Hackett

Formación

Steve Hackett: Guitarras
Steve Howe: Guitarras
Max Bacon: Vocales
Phil Spalding: Bajo
Jonathan Mover: Batería

El nombre de esta banda proviene de la denominación que se utiliza en los estudios para las guitarras, lo cual era un indicativo de la razón por la cual estos dos grandes de la guiara habían “ unido sus fuerzas “. Ambos movilizados por la “ excesiva “ utilización de los sintetizadores en el género del Rock Progresivo, querían hacer una banda orientada a proyectar más el sonido de la guitarra. El primer contacto entre ambos guitarristas se dio en el año 1985 gracias a Brian Lane quien era el manager de Yes, Steve Howe estaba en otra gran banda como era Asia, debido principalmente a sus continuos roces con John Wetton ( gran bajista y cantante de Rock Progresivo que había estado en diversas agrupaciones ( además de Asia, como King Crimson ).

Max Bacon ( vocales )

El vocalista, Max Bacon, era relativamente un desconocido en la escena rock que no le habían permitido triunfar más allá del hard rock/heavy metal. Por su parte Jonathan Mover había estado en el género de Rock Progresivo con su banda Marillion. Sin embargo Phil Spalding era de los restantes músicos el que tenía un grado mayor de “ pedigrí “,al haber alternado con grandes músicos como Mike Oldfield y Right Said Fred.

Phil Spalding ( Bajo )

El grupo inicialmente firmó un contrato con el sello “ Arista”, y para Mayo de 1986 lanzan su disco debut “ GTR “. El primer sencillo en salir fue probablemente su canción más conocida “ When The Heart Rules The Mind “ que tenía como lado B “ Reach Out (Never Say No) “. Este sencillo alcanzó el número 11 en las listas de EUA. El segundo sencillo de este álbum fue “ The Hunter “ que tenía como lado B “ Sketches In The Sun “, el cual no tuvo tanto sexito y solamente alcanzó a llegar al número 85 en las listas de popularidad, finalmente, su último sencillo “ Here I Wait “ y una versión en vivo de “ Here I Wait fueron un fracaso en las listas.

Jonathan Mover

Su álbum debut tuvo sin embargo buen éxito, alcanzando “ Disco de Oro “ , el grupo promocionó este álbum en una Gira por EUA, para lo cual el tecladista Matt Clifford se les une para el Tour.

Además promocionaron su álbum con un video llamado “The Making Of GTR , para entonces el grupo se proyectaba más allá de un simple álbum. Realizaron una grabación en vivo para “ the
King Biscuit Flower Hour “ que finalmente se editó en un CD para 1997. Sin embargo circulan por ahí varios bootlegs, y también un lanzamiento Japonés para el doble LP “ Roundabout 86 “ que incluía dos sets acústicos de Steve Howe y Steve Hackett, que era una costumbre de ambos guitarristas durante las presentaciones de GTR.

La longevidad de GTR como supergrupo no fue mucha, en parte porque Steve Hackett comenzó a tener roces con los otros miembros de la banda durante la gira del 86, finalmente dejando la banda. Por su parte Steve Howe, seguía interesado en continuar en la misma dirección de GTR. Robert Berry ( guitarrista y escritor ) había llamado la atención de Steve Howe y Brian Lane. Este músico californiano estaba en Inglaterra intentando formar una banda con Carl Palmer, y fue llamado por Howe y Lane a unirse a GTR. Antes de empezar las sesiones de estudio de su segundo álbum ( que nunca salio al mercado ) el baterista Jonathan Mover abandonó la banda y fue sustituido por Nigel Glockler, que era conocido por su trabajo con la banda de Heavy Metal Saxon. Para este momento el nombre de la Banda había cambiado a “ Nero And The Trend “ pero este al final tomó el nombre se la abreviación “ Nerotrend “, en la cual se presentaron roces entre Berry y Bacon. La razón principal era que Berry intentaba cantar en las piezas que había compuesto, además de que esperaba un disco con más orientación hacia el sonido de las Guitarras, finalmente el álbum tuvo un estilo mas orientado al AOR.

Steve Howe

La segunda placa nunca salió oficialmente al mercado, sin embargo por ahí circulan algunos tracks , principalmente entre coleccionistas, bajo el nombre de “ Elements Of Crime “ titulado simplemente Nerotrend

Sin embargo Steve Howe ha utilizado algunas de estas pistas en sus discos solista. Una versión instrumental de “ Running The Human Race “ aparece en su álbum “ Turbulence “, mientras que “ Birthright “ y Red And White “ en su disco “ This World's Big Enough “. En la pieza “ Birthright” aparece Max Bacon, en los créditos y también aparecen en “ Anderson, Bruford, Wakeman & Howe “ álbum.

Por su parte en el disco solista de Max Bacon'” The Higher You Climb “ 1995, aparecen partes de “ Hungry Warrior “ y “ No One Else To Blame “, mientras que Robert Berry ha vuelto a grabar cuatro de las pistas que escribió con Nerotrend: “ No One Else To Blame (en Pilgrimage To A Point), “ these Eyes “ (en These Eyes), Young Blood (en Takin' It Back) y You Can't Do That (on Back To Back). Por su parte el álbum solista de Max Bacon contiene dos de estos tracks en vivo “ I Know What I Like “ y “ Roundabout “ que fueron grabadas durante la gira de GTR en 1986.

Para finalizar los años 80 Howe se rencontró con sus colegas de Yes: Wakeman, Anderson y Bruford para formar la banda que llevaba como nombre sus cuatro apellidos. Todo se debió a una disputa legal con el ex-miembro Chris Squire para usar el nombre de "Yes". Pero eran en verdad Yes y así lo entendieron los fans, que recibieron con agrado los dos discos de esta formación: Anderson, Bruford, Wakeman, Howe (1989) y An Evening of Yes Music Plus (1989).

Howe también ha grabado más discos en solitario y se ha reunido con su antaño compañero de Tomorrow Keith West para el álbum de 1993 Grand Scheme of Things. También ha contribuido en el Guitar Speak de Miles Copeland y los proyectos Night of the Guitar, así como con el violinista de Ultravox Billy Currie. En los últimos años ha vuelto a tomarse en serio su carrera en Yes, con quien ha grabado los tres últimos discos tras una breve ausencia en los años 90.

De GTR es una lástima que no fuera mas allá de un “ sueño “ que no se pudo completar, sin embargo se que para los amantes del buen Rock, especialmente a los fans de la música progresiva, este pequeño post les va a hacer rememorar grandes momentos que ocurrieron hace un poco más de 20 años.

GTR Discografía ( contraseña de los discos: lacuevadeltopo.com )

1986 – GTR ( demos )

CD1

CD2

1986 – GTR

1987 – Nerotrend

1997 – Live in the King Biscuit Flower Hour

Videos

GTR - When the Heart Rules the Mind

GTR - The Hunter

GTR - Hackett To Bits

GTR - "Toe The Line"

Agradecimientos

Al Maestro Sandokan

El Blog de Florcita y Camilo

Nigel Camillero

Wikipedia

Vito Bratta - una guitarra que desapareció

(El Topo) — Sun, 19 Oct 2008 19:01:00 -0700

Últimamente he tenido muy poco tiempo para sentarme a escribir y en realidad tengo mucho material para ello, esta vez deseo hacer el post a un Guitarrista que se ha considerado un gran virtuoso, por su técnica desarrollada y la forma en que sonaba, desgraciadamente hace rato ya se retiró de la escena y hasta hace oco se volvió a saber de él.

Vito Bratta nace un 1 de Julio del año 1961 en Staten Island, New York, y fue el guitarrista y principal compositor de la banda de Glam Metal White Lion del año 1983 hasta 1992.

En algunos sitios he leído que fue el alumno mas virtuoso que tuvo el Maestro Eddie Van Halen, sin embargo el estilo que Bratta desarrolló ha permitido que por muchas personas y guitarristas sea admirado y considerado como un virtuoso a lo largo del planeta. En el año 1988 la “ Guitar World Magazine “ le otorgó el premio al "Mejor Nuevo Guitarrista".

Originalmente White Lion se formó allá por 1983. Mike Tramp había sido integrante de la banda Danesa Mabel ( 1978 a 1982 ), la cual había triunfado en Dinamarca y España. Luego de cinco discos con este nombre, MABEL cambia su nombre a STUDS y deciden viajar a Nueva Cork, ahí es donde Mike Tramp conoce Vito Bratta quien era integrante de la Banda " Dreamer ". Ambos luego deciden unirse al bajista Felix Robinson y al baterista Dave Capozzi; con ellos consiguieron firmar un contrato con la disquea Elektra Records, y así lograron editar su álbum debut grabado en Alemania, "Fight To Survive" en 1984. Sin embargo, Elektra decide negarse a lanzar el disco aduciéndo que no habían quedado conformes con la producción ( aunque se dice también que otro artista también de Electra, temía que este grupo le trajera problemas de popularidad a su banda y por eso fueron despedidos ). Al final White Lion fue despedido y finalmente la placa fue editada por RCA a fines de ese mismo año en Japón. Fue un año después que el disco vio la luz en EUA gracias al sello independiente Grand Slamm records ( el cual a los pocos meses se fue a la quiebra ). El disco sería finalmente re-editado mundialmente en el año 1992 bajo el sello Music For Nations. Nicki Capozzi y Felix Robinson dejan la banda al poco tiempo. Capozzi fue reemplazado por el batería de Anthrax, Greg D’Angelo, y Robinson fue sustituido por el bajista Dave Spitz (hermano del guitarrista de Anthrax, Dan Spitz). Al mes de unirse a la banda, Dave Spitz deja White Lion para tocar el bajo con Black Sabbath y es reemplazado por James Lomenzo.

A principios del año 1987, White Lion ficha para Atlantic Records ( la cual irónicamente resulta ser un sello hermano de Elektra ) y el 21 de Junio de ese mismo año editan el álbum “Pride”. El primer single escogido del álbum fue el tema “Wait”. Casi de inmediato White Lion comenzó a telonear a Ace Frehley. A lo largo de 1988 siguieron de gira por USA acompañando a bandas como Aerosmith, Ozzy Osbourne, Stryper, Kiss y AC/DC. Mientras teloneaban a estos últimos, el álbum “Pride” y el single “Wait” por fin logran entrar en las listas. A esto ayudo mucho la difusión que hizo MTV de “Wait” la cual llego hasta el puesto 8 en las listas, mientras el álbum “ Pride “ llego al puesto numero 11. Pride permaneció entre los 200 discos mas vendidos a lo largo de todo un año.

En agosto de 1988, White Lion edita el segundo single con el tema “Tell Me” que entro directamente en el puesto 58. White Lion actuó en el Ritz de la ciudad de New York. Al igual que hicieron Guns n’ Roses antes que ellos, el show de White Lion en el Ritz fue filmado y posteriormente fue retransmitido en la MTV. El tercer single del álbum “Pride” fue la balada acústica “When the Children Cry”, El éxito que supuso para la banda “When the Children Cry” incremento de manera espectacular las ventas de su álbum “Pride” que llego a vender mas de 2 millones de copias.

En Agosto de 1989, White Lion lanzan su tercer álbum bajo el titulo de “Big Game” que seguía la línea de su anterior álbum con singles como “Little Fighter”, “Cry For Freedom” y la versión del tema “Radar Love” de Golden Earring. El álbum rápidamente se convirtió en disco de oro pero no llego a tener la repercusión y las ventas de “Pride”.En verano del año 1991, después de pasarse dos años escribiendo y grabando nuevas canciones editan “Mane Attraction” el cuarto y último álbum de la banda el cual fue producido por Richie Zito. Se trataba sin lugar a dudas del disco más redondo de la banda además de ser el más duro. El álbum fue muy bien recibido por los fans pero, desafortunadamente el álbum paso sin pena ni gloria debido a que no eran los mejores años para un heavy metal dominado por la decadencia de bandas como Guns n’ Roses y a la explosión del grunge que le comió el terreno a las bandas hair metal.

Como consecuencia D'Angelo y Lomenzo, abandonaron el grupo, siendo reemplazados por Jimmy DeGrasso y Tommy Caradonna, respectivamente. Pero la suerte de la banda ya estaba definida y ese mismo año le pusieron fin a White Lion. Después de una breve gira para promocionar “Mane Atracción”, Tramp y Bratta decidieron celebrar el último concierto de la banda en la ciudad de Boston en septiembre de 1991.

El grupo tras la disolución ha lanzado dos recopilatorios "The Best Of White Lion" en 1992 "Remembering White Lion: Gratest Hits" en 1999, y Mike Tramp también ha sacado trabajos en solitario: "Capricorn" y "Leftovers", pero no los pongo acá porque me cae como un culo porque se cree el ombligo del mundo, por eso el post es a Vito Bratta y no a este energúmeno.

Luego de la ruptura del grupo, Bratta produjo un álbum para la Banda CPR en Atlantic records, sin embargo luego de eso desapareció literalmente desde 1994. Durante muchos años se especuló la causa de esta desaparición y se argumentan cuestiones como que se había herido una mano y que no podía tocar la guitarra, que su padre tuvo una enfermedad terminal durante mucho tiempo y Vito tomo a su cuidado tiempo completo, en la actualidad vive en la casa de su familia en Staten Island y mantiene un perfil bajo, inclusive hay quienes afirman que lo han visto trabajando en una Pizzería de la Zona la cual pertenece a su familia. En Abril de 2007, Vito Bratta hizo su primera aparición musical pública en mías de 15 años en los shows de los viernes y sábados de L'Amour Reunion Shows en New York. Y ese mismo año aparecio en una entrevista en el programa radial de Eddie Trunk

A fines del 2007 se anunció el regreso de White Lion, y este año salio a la venta "Return of the Pride", del sello Frontiers Records. El trabajo ha sido producido por el vocalista Mike Tramp y el bajista Claus Langeskov, y se grabó durante 2007 entre Australia y Copenhague. Sinceramente sin vito Bratta White Lion no esel mismo, por mas que Tramp haya intentado preservar el sonido de la banda no deja de ser un fenómeno mas de esos que se dan ahora de reciclaje de grupos que desaparecieron y su solo vuelven por plata. A Vito Bratta le deseo lo mejor de la vida y gracias por ser una fuente de inspiración.

Discografia de Vito Bratta con WL

( contraseña cuando se pide: lacuevadeltopo.com )

1984 - Fight to survive

1987 - Pride

1988 - Live at the Ritz ( NY )

1988 - Live in Florida

1988 - Live Richfield Colliseum ( Ohio )

1989 - Live in East Troy parte 1

1989 - Live in East Troy parte 2

1989 - Live in Paris CD 1

1989 - Live in Paris CD 2

1989 - Big Game

1991 - Mane Attraction

1992 - When The Lion Cries CD1

1992 - When The Lion Cries CD2

2007 - The Definitive Rock Collection CD1

2007 - The Definitive Rock Collection CD2

2007 - The Definitive Rock Collection CD3

Demos & Unreleased ( 2CD )

Unreleased 83-85 parte 1

Unreleased 83-85 parte 2

Video de Vito en concierto

vito solo (bootleg)

Broken Heart - 1984

Broken Heart

Vito Bratta – Interview

White Lion - When The Children Cry – STEREO

White Lion – Wait

White Lion - Radar Love

White Lion - Love don't come easy

Fuentes de información links de interés y mi agradecimiento

MySpace de Vito Bratta

Sing365.com

SubNoise.es

Gracias a juandres de Taringa, y a jhamner del foro de White Lion por los links de los discos y a quienes postearon los bootlegs en el foro de 101 guitarristas.

GIT

(El Topo) — Thu, 02 Oct 2008 14:20:00 -0700

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Esta banda la recuerdo, como una de las primeras bandas Argentinas que llegué a escuchar acá en CR. Acá la única banda que se podía escuchar en las radios nacionales era Soda Stereo, pero recuerdo vagamente haber conocido también a VIRUS y GIT, en algún programa de música, de esos que casi nadie escuchaba, cuando el rock en español apenas era un movimiento incipiente acá en Tiquicia. De manera que por ahí en mis viejas cintas recuerdo que andaban algunas piezas como “ Siempre fuiste mi amor “, “Es por amor “ ( que me parece sonó muy poco en algunas radioemisoras pero fue como la más popular por estas tierras ), también “Buenas noches, Beirut “ y “No hieras mi corazón “.

Algunos años más tarde, tuve la oportunidad de conocer bastante más del Rock Argentino, por medio de mi amigo Charly Vitro Rhei, el cual me grabó en un viejo cassette sony el disco “ Primera Sangre “ así como una recopilación de varios otros discos de GIT, los cuales nos acompañaban en las giras de estudio ( eso si en el walkman pues no todos nuestros amigos eran muy aficionados al Rock en español ). Allá por 1994 tuve la oportunidad de traer desde tierras gauchas una recopilación llamada “ El Album “ la cual estuve escuchando un poco en estos días, y que me parece fue lo que me terminó de impulsar a escribir esta nota que tenía unos cuantos meses de andar inconclusa por ahí.

Formación

Pablo Guyot (guitarra y coros)
Willy Iturri (batería y coros)
Alfredo Toth (bajo y voz).

G.I.T. son las iniciales de los apellidos de Guyot, Iturri y Toth. De estos tres músicos Toth era el que tenía una amplia trayectoria pues había formado parte de la mítica banda” Los Gatos” considerada la primera banda de rock en Argentina. Toth, también había militado en la Banda Santa Bárbara y también en Sacramento. Además había trabajado con León Greco en su disco “ Pensar en Nada “ y luego con Nito Mestre y sus Desconocidos de Siempre, con quien grabo tres álbumes.

Por su parte Guyot e Iturri, provenían de Banana, la cual era liderada por Cesar Pueyrredón. Así fue que ambos se unieron con Toth para formar una banda de apoyo para Raúl Porchetto, en la grabación de sus discos “ Metegol “ y “Televisión “.

Hacia 1982, estos músicos entran en contacto con Charly García, el cual había grabado su primer disco solista con Iturri en la batería, y que luego los invitó a integrar su banda del año siguiente junto con Fito Páez, para “ Clics Modernos”. En el medio, Guyot grabó con Miguel Mateos, y Toth estuvo en el grupo Prema, de Piero.

En 1984 los chicos de GIT grabaron su primera placa ( Homónima ) en Ibiza, la cual se convirtió en disco de oro al mes de su edición, para este disco contaron con la producción de Charly García. Los GIT alternaron las presentaciones de este disco con las del bigote bicolor. Los temas "Acaba de nacer" y "La calle es su lugar (Ana)", de la primera placa, los llevó al reconocimiento del público.

El siguiente material, “ GIT II o el Álbum Negro “, salió un año después y la presentación se realizó en el estadio Obras Sanitarias. GIT. realiza varias giras por Chile y Perú, donde presenta sus shows en estadios completos. Actúa en el "Bs. As. Rock & Pop Festival", compartiendo escenario con INXS y Nina Hagen, su disco "Álbum negro", fue también disco de oro y platino en Argentina, Chile y Perú.

Para esta segunda placa contaron con la dirección artística de Gustavo Santaolalla, que más allá de sus laureles con Arco Iris, hacía poco que se había volcado a la producción. El cambio de sonido fue muy criticado por la prensa (la guitarra muy atrás en la mezcla, un bajo insípido y el palangana-sound del tambor) pero se veía que algo sabía el maestro ya que fue el disco más exitoso de la banda, superando las 220.000 copias vendidas.

El tercer disco, "GIT III “ al igual que los anteriores tuvo una gran difusión, "Es por amor", tema destacado de su tercer álbum, considerada entre las mejores canciones del rock argentino y latino, los llevó al éxito, probablemente el primero a nivel continental de un grupo de rock latino moderno, abriendo así un fenómeno internacional que luego sería llevado a su punto más alto por Soda Stereo, Café Tacuba y Maná. El tercer Álbum de la banda, se edita junto con sus dos placas anteriores en toda América Latina, convocando a 25.000 personas en el cierre de la gira de presentación del mismo, realizado en el Estadio Amauta de Lima, Perú.

En 1987 GIT es invitado al Festival de Viña del Mar, y comparten escenario con Christopher Cross y Air Suply, ante 30.000 personas en la Quinta Vergara. Este evento, fue transmitido a más de 32.000.000 de televidentes de habla hispana e hizo que GIT. fuera galardonado con dos Antorchas de Plata.

Para ese entonces los shows en vivo de la banda no diferían mucho uno del otro desde el comienzo de su historia. Se hacía necesario un cambio, fue entonces cuando incorporan a Babú Cerviño (tecladista que sumo sus dedos a propuestas tan disímiles como Tantor, Víctor Heredia y Raúl Porchetto) y cierran un estudio para ellos solos para la elaboración de un nuevo álbum. El proceso de grabación fue muy complicado y se consumieron cerca de 1000 horas para un disco de 8 temas. Este disco fue grabado y mezclado en los estudios Electric Lady por Dave Wittman, quien fuera ingeniero de Led Zeppelin, Billy Idol y Eric Clapton, entre otros. El cuarto material de la banda “ Primera Sangre “ no logró el éxito de los anteriores allá por el año 1988, debido a un desgaste en las relaciones entre los integrantes de la banda que se hacia evidente. Así fue que los chicos de GIT hicieron una pausa. "No fue una despedida, fue un paremos", dijo Iturri, allá por 1989. En esos años, entre 1989 y 1992, los tres se radicaron en Chile.

Hubo un reencuentro para el álbum “ Distorsión “ en el '92, y para varias giras internacionales que concluyeron en Chile y Japón en donde se presentaron en el Teatro Municipal de Hiratsuka. A finales de ese año se otra disolución de la banda por diferencias entre sus integrantes. Para la grabación de Distorsión la banda convocó a Víctor Skorupsky (saxo), Miguel Angel Tallarita (trompeta), Bebe Ferreyra (trombón), Celsa Mel Gowland y Sandra Baylac (coros), Gustavo Díaz (teclados) y a Nito Mestre como invitado especial. Esto fue el adiós de esta banda en forma oficial.

G.I.T. se apoyó siempre en el virtuosismo y talento de sus integrantes, pero los egos personales no permitieron que la banda continuara durante muchos años. En la actualidad G.I.T. esta retornando a los escenarios, pero solo se mantiene Willy Iturri de la formación original.

Discografía

1980 – Raúl Porchetto - Metegol

1981 – Raúl Porchetto - Televisión

1983 – Clics modernos en el Luna Park ( debut de GIT )

1983 – Junto a Charly García En Badía & Cia Canal 13 TV

1984 - Paino Bar Demos

1984 - Charly García - En Vivo En La Feria Del Hogar

1984 – Git

1985 – Git II

1986 - Git III

1988 - Primera Sangre

1992 – Distorsión

1994 – El Álbum ( Recopilación )

1999 – Crucigramas
( pass: gustavoeo.net )

2003 – Oro ( Recopilación )

2004 - Aire De Todos: Antologia 1984/1986

Videos

GIT - La calle es su lugar en vivo

GIT - Es por amor

GIT - Buenas noches Beirut

GIT – Viento Loco

GIT - Aire de Todos

Enlaces interesantes y mi agradecimiento

El Blog de wwxxyyzz

El Blog del Chino Jarkor

Mundo GIT

Gustavoeo

Los sobrinos de Tarantino

El Arcón de los recuerdos

Etiquetas: GIT

John Norum - Una guitarra desde Noruega

(El Topo) — Wed, 01 Oct 2008 00:32:00 -0700

Resultara para algunos extraño este post, pero este músico merece, segun mi concepto, que se hable un poco sobre su trabajo, por varias razones, probablemente resulte un viejo conocido pero a la vez desconocido para la gran mayoría, además de que su técnica para tocar la guitarra me parece bastante buena.

Deseo Aclarar que este post va dirigido a la carrera de John Norum como solista y no como guitarrista de las bandas en que figuró como Dokken o bien: Europa ( si desean música de este último grupo pueden buscar en algún blog de esos que abundan por ahí bajo la etiqueta música para maricas ).

John Terry Norum nace un 23 de febrero allá por el año 1964 en Vardø, Noruega. A temprana edad aprendió a tocar la guitarra, y gracias a "Strange Kind Of a Woman" de Deep Purple, es que decide convertirse en una estrella de rock. Así a temprana edad tambien funda su primera banda llamada “ Dragonfly “. A los 14 años su padrastro consigue que Norum grabe un track con el músico sueco Eddie Meduza, asi es como en un estilo que no era el que inicialmente atraía a Forum, este inicia formalmente en la escena.

En el año 78 Norum ( guitarra y voz ) formó un trío llamado WC, junto al baterista Tony Niermistö ( luego Tony Reno ) y Peter Olsson ( bajo ), a este trío se les uniría Joakim Larsson ( luego conocido como “ Joey Tempest “ gracias a Shakespeare ) quien procedía de la banda “Roxanne “, dando origen así a la banda “ Force “. Larsson había cantado con “ Roxanne “desde que este se encontraba en la escuela ( esta banda empezó con el nombre de Made in Hong Kong y cambiaron luego su nombre a Jet y luego Blaizer antes de Roxanne ) allá por el año 1979.

FORCE grabó algunas maquetas de gran calidad, pero nunca llegaron a grabar un disco. A comienzos de 1981, Force se enfrentó a algunos problemas internos y Peter Olsson abandonó el proyecto debido a que Larsson le había quitado la novia ( jajaja !! eso cuentan los chismes ) .

Su reemplazo en el bajo fue John Levén quien ya había trabajado con la banda anteriormente. El grupo cambia su nombre allá por 1982, cuando deciden participar en el festival "Rock SM", con su nuevo nombre ganaron el festival como mejor grupo y John Norum ganó el título de mejor guitarrista del festival. Luego de este festival tuvieron la oportunidad de grabar un disco siempre y cuando fuera en Sueco, a lo cual el grupo se negó.

El primer disco formal de estudio se llamo Europe, como la banda, y la calidad de sonido era realmente muy mala ya que en esa época, Febrero de 1983, el hard rock en Suecia no estaba bien desarrollado, por lo tanto era casi imposible encontrar a algún ingeniero dispuesto a producir este estilo musical. Sin embargo este disco fue grabado en solamente un fin de semana y llego a vender en pocos meses unas 35 000 copias.

Para Febrero de 1984 ya un año después de su primer disco, sale a la luz: “ Wings of tomorrow “ una placa que fue muy importante para Europe, dado que lograron alcanzar un sonido mucho más simple y depurado. Para la gira de presentación del álbum incorporaron al tecladista de la banda Avalon, Gunnar Michaeli ( Mic Michaeli ), y decidieron despedir del grupo a Tony quien, además de mostrar cierto desinterés, tenía serios problemas para mantener el ritmo con la batería. En su lugar convocaron a Håkan Jan Haugland ( Ian Haugland ) que era bien conocido en Estocolmo por ser el baterista de Trilogy, un grupo que perdió contra Europe durante el concurso Rock-SM.

Norum solamente apareció en los tres primeros discos de Europe, agrupación en la que se mantuvo hasta Noviembre de 1986. Se marcha pues no se sentía satisfecho con la producción basada en teclados de su tercer disco "The Final Countdown", ni con la evidente comercialización a la que apuntaba la agrupación. De esta forma Norum fue reemplazado por Kjell Lôvbom ( Kee Marcello ). Su úlltimo concierto con Europa fue en Amsterdam, el 31 de Octubre de 1986.

Sin sus compañeros de EUROPA Norum graba su primer álbum como solista, Total Control en 1987.

La banda de soporte estaba formada por John Norum y Marcel Jacob ( bajo ), Hempo Hildén (batería ), Göran Edman (vocales) y Mats Lindfors (guitarra y teclados ). “ Total Control" está dedicado a Tommy Östervik, un amigo de Norum quien muriera trágicamente ahogado. Durante la gira de este álbum John Forum conoció a Glenn Hughes

Este mismo año se muda a Estados Unidos para grabar el álbum: “ Up From the Ashes “ junto a Don Dokken, este material salió a la venta en el año 1990. El segundo trabajo en solitario de Norum fue en el disco “ Face the Truth “, con la colaboración de Glenn Hughes, y de Joey Tempest en la pieza “ We Will Be Strong “ , la cual solo se incluyó en la versión europea del disco. En 1995 Norum regresa con un trabajo de solista Another Destination, durante la gira de este álbum Norum Regresa a Suecia y empieza a trabajar en su próximo material Words Away, el cual sale a la venta primero en Japón y hasta el año siguiente en su natal Suecia. Para finales de 1997 Norum regresa a la formación de Dokken para dar soporte al grupo durante la gira tras la salida de George Lynch, para esta época sale en Japón el nuevo material de Norum “ Face It Live “, y al poco tiempo este material se vendió en Suecia con una muy mala difusión.

Los años siguientes suceden una serie de inconvenientes en la carrera de Norum para 1999 se da una efímera reunión de Europa y el grupo brinda un show en la televisión de Estocolmo. Hacia el año 2001 Norum regresa a Dokken luego de la partida de los miembros de la banda, de la formación original solamente quedaban Don Dokken y Mick Brown. Norum se une a Dokken para realizar un tour en EUA con lo mejor de Dokken y al final de la misma grabaría el álbum “ Long Way Home “.

En el 2003, Norum regresa a Europe, grabando el disco “ Start from the Dark “ el cual sale a la venta al siguiente año, luego de que Europa se habia disuelto luego del grave accidente automovilístico que sufrió Ian Haugland en 1992. Además Joey Tempest habia pasado por una profunda depresión, hasta 1995, cuando empieza su pobre carrera solista. Para el año siguiente y en celebración del cumpleaños de Norum sale al mercado la última producción de este músico que se llama “ Optimus “

Es realmente difícil encontrar la música de este guitarrista o mas aun información sobre su carrera por lo que espero que este post sea del agrado de sus fans que como yo lo conocemos a la sombra de dos bandas, en una que fue el cerebro mas que la cara bonita y en otra siempre le cubrió la espalda a su gran amigo Don Dokken. No todo el mundo tiene presente la calidad artística y musical de John Norum, limitándose a conocerlo por el mero hecho de haber sido, haber dejado de ser y volver a convertirse en miembro de la banda sueca Europe.

Discografia

( contraseña para los archivos: elblogdeltopo.blogspot.com o lacuevadeltopo.com)

Total Control (1987)

Live in Stockholm - EP (1990)

Face the Truth (1992)

Another Destination ( 1995 )

Worlds Away (1996)

Face It Live '97 (1997)

Slipped into Tomorrow (1999)

Optimus (2005)

Videos

John Norum

John Norum with Brian Robertson?Killed By Death

John Norum?Unchain the Night Live In Stockholm 2000

Europe Stormwind (Live with John Norum 1987)

John Norum-Memory Pain(Thin Lizzy cover)

John Norum Guitar Solos

Links interesantes y mi agradecimiento

Sitio oficial

El blog de un verdadero FAN

Etiquetas: John Norum

Algunos Videos y Audios sobre Luca Prodan

(El Topo) — Sun, 21 Sep 2008 12:32:00 -0700

Últimamente he tenido poco tiempo para dedicarme al Blog aunque tengo mucho material para publicar, es por esto que una vez mas deseo compartir con uds algunas cosas que son parte de mi colección sobre Luca. No deseo hacer de mi blog un sitio de culto, pero si tuviera que hacerlo Luca seria uno de los personajes que me inspirarian.

Con motivo del 20 aniversario de su muerte se desató un boom por recordar a este personaje, que más que un ícono del rock en Argentina, a mi parecer es un artista que por su aporte y su visión se puede decir que es un personaje de importancia universal. Varios de los lectores del Blog me han indicado de donde se pueden bajar algunos materiales sobre Luca, y con tiempo me dediqué a bajarlos, a verlos y escucharlos, así que ahora deseo compartirlo con uds pues las visitas al blog siguen siendo en parte por los post de Luca y se que a muchos les va a interesar. Por otra parte gracias a quienes se pusieron en contacto con su servidor.

Sumo alla por 1983 foto poco difundida

Acá les dejo los links de descarga

Programa Luca Vive - La Viola ( pass: elblogdeltopo.blogspot.com )

Luca vive - La Viola parte 1

Luca vive - La Viola parte 2

Luca vive - La Viola parte 3

Luca vive - La Viola parte 4

Programa Sumo - Behind the Music ( pass: elblogdeltopo.blogspot.com )

Behind the Music parte 1

Behind the Music parte 2

Behind the Music parte 3

Behind the Music parte 4

Entrevistas a Luca Prodan ( audio mejorado por su servidor )
( pass: elblogdeltopo.blogspot.com )

Entevista Luca Prodan

Presentacion Llegando los Monos DVD

Audio extraido del DVD

Espero los disfruten

Acá les dejo algunos videos

Luca Prodan - Su visión del rock nacional Sumo - Regtest, en el micro estadio de Velez en 1985 SUMO en Stud Free Pub GOING UP THE COUNTRY - LUCA PRODAN (cover de Canned Heat) Luca Prodan... entrevista a Andrea Prodan...

Luca vive !!

Etiquetas: Luca Prodan, Sumo

Algunos audios sueltos de varios grupos de Costa Rica allá por 1997

(El Topo) — Sun, 07 Sep 2008 17:24:00 -0700

Hace varios años que tengo por ahí guardados un gran número de Cassetes de todo tipo de música, en estos días he tenido relativamente poco tiempo para postear algo nuevo aunque tengo material para unos 15 post pero en muchos casos incompleto, sin embargo al revisar de varios cassetes al final terminé por organizar algunos temas que fueron grabados de la Radio ( Radio U Juvenil ) allá por 1996 y 1997, de los grupos puedo decirles muy poco solo que en su momento tuvieron una difusión aceptable en el reducido grupo de rockeros ( la mayoría de la primera o segunda camada que en aquel entonces éramos muy pocos), sin embargo ya para aquel entonces la cantidad de hijos de la tercera camada empezó a aumentar en forma exponencial, precisamente me parece que parte del boom del rock en español que se vivió hacia mediados de los noventa en CR se debió a la difusión del trabajo original de muchos grupos que no tenían recursos para producir, sonar en las radios o distribuir el material, por parte de emisoras como Radio U Juvenil.

Sumado esto a que para esta época grupos como: La Clase, Café Con Leche, Inconsciente Colectivo, Igni Ferroque, 50 al Norte, Gandhi, Sombras de Neón, Bruno Porter, Hormigas en la Pared, Indigo, El Parque, entre otros habían motivado a varios cientos de jóvenes a “ dsalir del garaje " y a lanzarse al mercado de la música a como fuera lugar.

Para esa época ya había varios grupos como: Ares, Luna di Vierto, Sheikit, Garbanzos, Calle Dolores, Password, Portal de Piedra, Zuna, por citar algunos que tenían gran aceptación en los distintos bares y teatros que organizaban conciertos los fines de semana, sin embargo para esta época yo me encontraba algo alejado de la escena por estar terminando mi carrera, además de los 2 trabajos que tenía … como decimos acá: “ la vida del pobre “, por lo cual no preciso muchos detalles ( además de que pasaron mas de 10 años ya ) de los grupos que presento en esta compilación, por lo que cualquier colaboración para con el autor del blog será muy apreciada, sobre todo datos biográficos de los grupos. Esta es la razón por la que estos temas estuvieron cerca de ocho meses el en disco duro sin publicarlos. A continuacion un poco de la hostoria de los grupos que logré compilar a lo largo de estos meses

Luna di Vietro

De lo poco que recuerdo es que en Luna di Vietro estuvo el músico Joseh Icabod quien también ha estado en varios proyectos como: Draconian Incubus, Santa Mafía y Burdel, este grupo grabó un CD en el año 2002 el cual me parece se llamaba “ Luna di Vietro “, luego de esto la banda se disolvió y allá por 2005 se reunieron de nuevo pero no tengo mas noticias de el. Su mayor éxito fue el tema Vórtice. A mi me parecía en su momento el mejor grupo de la época.

Luna Di Vietro – Vórtice

Nostalgia

Este grupo tuvo actividad grabando dos compactos los cales nunca he visto o escuchado: Notagia (1997) y Sëna baá ala bulu (1998), desgraciadamente no puedo precisar mas detalles y brindar más información del grupo.

Calle Dolores

Los inicios de Calle Dolores se dan alrededor de febrero de 1997 en la ciudad de Cartago, Costa Rica, cuando el baterista Fabián (Sapo) y el guitarrista José Coto se conocen y acuerdan reunirse para tocar juntos. Inicialmente se reunieron con algunos amigos de Sapo, que habían tocado con él en alguna ocasión y sin definir un estilo particular, tocaban covers de los grupos más conocidos del momento. Posteriormente, José invitó al saxofonista Bernardo Mata y al percusionista Alejandro Montero (quienes habían tocado con él en un grupo de garage llamado “Set Asalto”) a unirse al proyecto con Sapo, unión que empezó a moldear el estilo del grupo hacia un rock fusionado con ritmos latinos. Siguieron tocando nuevos covers por un tiempo, no obstante, estos nuevos covers eran ya temas de grupos con una propuesta orientada al ska, el punk, el reggae y el rock ‘n roll. Por esa época se une al grupo el bajista Adolfo Bejarano (quién había tocado con Sapo en “Estado Terminal”) y el tecladista Johnatan Salas, completando el sexteto que se presentaría por primera vez bajo el nombre de Calle Dolores. Con esta formación se grabó un demo para promoción radial en los estudios de Radio U, bajo la dirección de Leo León, que contenía cinco temas: Machita Carita, Patria o Muerte, Everybody sabe mucho, Esperanza y Disco Dolores.

Patria o Muerte fue el tema escogido para ser promocionado en esa radio y a solo dos semanas de haberse lanzado ya alcanzaba la segunda posición en la lista de solicitadas del rock nacional. A partir de ese momento, Calle Dolores comienza a dar los primeros pasos en el ambiente underground de Costa Rica, consolidándose poco a poco como una de las principales bandas de dicha escena a nivel nacional, compartiendo en innumerables ocasiones el escenario con bandas importantes como Garbanzos, ModSka, Broca, El Guato, entre otras. Desde el principio la banda fue muy bien recibida tanto por la gente que asistía a los chivos, como por algunos medios ya empezaban a apoyar a bandas con una propuesta diferente.

Poco a poco, Calle Dolores se fue convirtiendo en uno de los grupos que la gente más esperaba en los conciertos por la entrega con la que se presentaban. Así fue como decidieron, a finales de 1997 reforzar la sección de brasses e incluir al trombonista Andrés ¨El Doctor Punky¨ Brenes y a Esteban ¨Chayo¨ Calderón en la trompeta. Con esta nueva formación y para inicios de 1998, se inicia el ambicioso proyecto de grabar una producción completa y poner un CD a la venta bajo sello independiente. La grabación tuvo lugar nuevamente en los estudios de Radio U bajo la producción de Leo León y se tuvo lista para lanzarla al mercado el 18 de octubre de 1998, bajo el título de ¨Simples Frases¨. A partir de este momento Calle Dolores experimenta muchas cosas nuevas y muchos cambios al mismo tiempo. Se produce la salida de Johnatan y de Esteban, dejando al grupo con un formato de seis nuevamente. Durante este ano, el grupo se presenta en muchos lugares nuevos, incluyendo Panamá; participa en eventos importantes, por ejemplo el concierto de Maldita Vecindad y Todos tus Muertos; e integra al guitarrista Humberto Jiménez. Para inicio del ano 2000 y con un nuevo formato de dos guitarras, trombón y sax, batería, bajo y percusión, Calle Dolores empieza a adaptarse a los cambios percibidos en el interior del grupo e inicia una metamorfosis producto de cierta madurez musical. La turbulencia se mantuvo hasta ya iniciado el ano 2000 y produjo la salida de Alejandro. El ano 2000 ha sido en definitiva el mejor ano para Calle Dolores. Se incorporan rápidamente el trompetista Luis Jiménez y el percusionista Marcelo Álvarez, y se vuelve al formato de ocho, nuevamente con sección de brasses completa y ahora con dos guitarras. Con esta nueva cara Calle Dolores participa en importantes conciertos como el Rock Fest, abre a grupos como Resorte de México, reinicia el ciclo de conciertos acústicos de 979 Conexión, incorpora dos temas en el compilado Tikicia Rock, el cual fue lanzado por el sello BMG e incluía dos canciones de nueve de los principales grupos del país. Se comienza la grabación del segundo disco compacto. Este segundo disco se grabo en los estudios Audio Arte en San José y fueron los mismos miembros del grupo quienes se encargaron de la producción del mismo.

Así pues, después de alrededor de dos años del lanzamiento del "Simples Frases", Calle Dolores saca al mercado en marzo del 2001 su nuevo disco titulado: "Pequeña Dosis de Mentira Nacional". El disco se hizo sin pensar en la reacción que el publico podría tener ante el mismo y en el la experimentación es notable. Se mueve a lo largo de un ancho de banda muy amplio delimitado por un lado por la alegría y el ritmo de la música latina como la cumbia y por el otro por la fuerza y la energía del rock pesado influenciado por Adolfo. El 2001 fue un año fructificante en cuanto conciertos y publicidad. Luego de algunos problemas internos , se separan dos integrantes el vocalista y el guitarrista. En cuanto al trombonista la situación fue diferente, por motivos personales no era posible dedicarle tiempo al grupo. Entonces se integran Alejandro Gutiérrez y Pablo Rojas los cuales han sido una inyección de ganas de trabajar una influencia mas que enriquece la fusión de ritmos (ska progresivo??). Calle Dolores trabaja en diferentes proyectos en los cuales esta la grabación del tercer disco.

El 11 de setiembre de 2002, muere Fabián "Sapo" Brenes Rivas, quien luego de luchar mas de dos meses con un problema en la cabeza se vio vencido a la edad de 23 años. Tiempo después, Calle Dolores continuo con Ali Mondol en la batería por un periodo de 2 años antes de que se tomara la decisión de una pausa en la escena nacional. En 2005 y 2006 hubo algunas presentaciones en vivo. En estos momentos Calle Dolores se encuentra ensayando en Audioarte, montando nuevas canciones. Con una base bien definida y trabajando duro como se esta haciendo desde hace bastante tiempo.

Polyfusión

Esteban Gutiérrez, Ricardo Gutiérrez y Genfin Jiménez eran “ amigos del barrio “ y tenían desde hace tiempo la idea de formar un grupo. Los tres aprendieron de forma autodidacta los rudimentos de sus instrumentos. En 1995 Roberto Retana se pone en contacto con Esteban para hacer un grupo ya que sus referencias musicales eran las mismas. Se tomo el nombre de polyfusion para el grupo ya que este era el titulo del una canción del grupo Seefeel y al mismo tiempo el nombre de un sintetizador modular de Korg. En setiembre 1996 tocan su primer chivo junto con un grupo llamado Osmosis. En marzo y abril graban un EP de 6 canciones en los estudios de Radio U en San Pedro. Las 6 canciones fueron grabadas y mezcladas por Leo León, quien grabo coros. Se contó con la participación de Pablo León en los teclados en la canción La Noche.

Temas como La Noche, 100 planetoides y Clones de Luz pasan durante un tiempo por Radio U generando interés entre los oyentes. Poco tiempo después se hacen algunas copias del EP las cuales son vendidas entre amigos y seguidores. En 1997 Roberto Retana sale del grupo y Fernando Ulibarri entra como un guitarrista. Los ensayos y conciertos continúan hasta el 1999. Durante ese tiempo Polyfusion vuelve al estudio para grabar mas temas que formarían un LP junto con los temas grabados en 1997. Este disco no se llevara a cabo.

Ulibarri parte a los Estados Unidos a estudiar música y Esteban se separa del proyecto. Polyfusion desaparece. Ricardo y Genfin forman posteriormente un grupo que se llamara Sensor que luego posteriormente será rebautizado Sensor Trifulcador. Con el tiempo ponen en marcha otro grupo llamado Poper. Esteban actualmente vive en Quebec.

Para uds traté de hacer una selección de los temas por género y logre agrupar las piezas en dos volúmenes, muchas de estas piezas estan entre mis favoritas como Jalame el Hule de Sheikit o Vuelve del grupo Zuna. Espero las disfruten.

Vol 1 ( Ská )

01 - Bizarro – Paquito
02 - Broca - Rabia Pura
03 - Calle Dolores - Patria o Muerte
04 - La Trinidad - Juan Varela
05 - Raza Bronze - Raza Bronce
06 - Tetra - Raza Valiente
07 - Broca - Aqui Estoy (5X4)
08 - Broca - Gusano

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Vol 2 ( Rock )

01 - Luna di Vietro - La Ciudad
02- Polyfusión - 100 Planetoides
03- Sheikit - Jaláme el hule
04- Ritos - El Arpa de su ilusión
05- Zuna – Vuelve
06- Luna di Vietro – Ocaso
07- Nostalgia - Tema de San Pedro
08- Praxis - El Abismo
09- Ritos - No me obligues
10 - Karpediem - Abrigo
11- Estado de Coma - El gnomo rebelde
12 - Luna di Vietro - Punto Muerto

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Enlaces para visitar:MySpace de Calle Dolores

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Etiquetas: Calle Dolores, Compilados, Luna di Vietro, PolyFusión, Raza Bronze, Rock Tico, Sheikit, Zuna

35 años de la partida de J. R. R. Tolkien

(El Topo) — Tue, 02 Sep 2008 17:50:00 -0700

Hoy en la mañana estaba terminando de leer la historia de Aladrion y Erendis que se recoge en el Volumen II de los Cuentos Inconclusos, y de pura casualidad recorde que este genio de la literatura mundial partió hoy hace 35 años de Arda. Decidí pues hacer un post en memoria de este autor a quien admiro y no precisamente porque inspirados en su obra se hicieron tres películas que ganaron varios premios de la Academia.

bXiAT6MOo8E/SL3N4BEC-RI/AAAAAAAAA80/KPT4SfXaKw0/s320/caricatura_tolkien.jpg" style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer; width: 274px; height: 471px;" />John Ronald Reuel Tolkien nace un 3 de enero de 1892, en Bloemfontein, Sudáfrica y fue linguista, escritor, poeta, filólogo y profesor universitario, conocido por ser el autor de las obras clásicas de la alta fantasía.

De 1925 a 1945, Tolkien fue profesor de anglosajón en Rawlinson y Bosworth en la Universidad de Oxford y, de 1945 a 1959, profesor de lenguaje y literatura inglesa en Merton. Era amigo cercano del también escritor C.S. Lewis ( autor de las crñonicas de Narnia ahora famosas tambien por las películas ) y ambos eran miembros de un informal grupo de debate literario conocido como " los Inklings ".

Después de su muerte, el tercer hijo de Tolkien, Christopher, publicó una serie de obras basadas en las amplias notas y manuscritos inéditos de su padre, entre ellos El Silmarillion y Los hijos de Húrin. Estos, junto con El hobbit y El Señor de los Anillos, forman un cuerpo conectado de cuentos, poemas, historias de ficción, lenguajes inventados, y ensayos literarios sobre Arda, y más extensamente sobre la Tierra Media.

La familia Tolkien tenía sus raíces en los ducados sajones que ahora forman el estado de Baja Sajonia en Alemania, aunque había estado afincada en Inglaterra desde el siglo XVIII, adaptándose rápida e intensamente a la cultura inglesa. El apellido Tolkien es la forma anglizada del alemán Tollkiehn, que significa "temerario".

Sus padres eran Arthur Reuel Tolkien y Mabel Suffield, ambos de Gran Bretaña. Recibió el mismo nombre que su abuelo paterno, John, pues en su familia era costumbre llamar así al hijo mayor del hijo mayor. Su tío John que era el mayor de los hijos de John Benjamin Tolkien, solo tuvo hijas, por lo que Arthur decidió llamar a su hijo según la costumbre. Su segundo nombre, Ronald, fue puesto por deseo de Mabel. Reuel, que proviene del antiguo hebreo y que significa "próximo a Dios", era el segundo nombre de su padre.
Siendo un infante fue picado por una tarántula en el jardín de su casa, un evento que tendría paralelos en sus historias. A los tres años, parte de su familia se trasladó a Inglaterra, en lo que debía ser una prolongada visita familiar, mientras su padre permanecía en Sudáfrica. La intención de Arthur Tolkien era la de reunirse con su familia en Inglaterra, si bien murió el 15 de febrero de 1896 de una fiebre reumática. La muerte de Arthur dejó a su familia en una prpecaria situación económica por lo cual Mabel llevó a sus hijos a vivir con su propia familia en Birmingham. Ese mismo año volvieron a mudarse a Sarehole (en la actualidad, en Hall Green), por entonces una pequeña villa de Worcestershire, más tarde absorbida por Birmingham. A Ronald le encantaba explorar el cercano pantano de Moseley y el molino de Sarehole, así como las colinas de Clent y de Lickey, que más adelante inspirarían algunos pasajes en sus obras, junto con otros lugares de Worcestershire como Bromsgrove, Alcester y Alvechurch, y la granja de su tía, Bag End (Bolsón Cerrado), un nombre que utilizaría en su ficción.

Mabel se encargó de la educación de sus dos hijos, siendo Ronald (como era conocido por su familia) un alumno muy aplicado. Su gran interés por la botánica procedía de las enseñanzas de Mabel, que despertó en su hijo el placer de mirar y sentir las plantas. Ronald disfrutaba dibujando paisajes y árboles, pero sus lecciones favoritas eran aquellas relacionadas con los idiomas, puesto que su madre comenzó a enseñarle las bases del latín a tan temprana edad. De esta forma, ya podía leer a los cuatro años, y escribir de forma fluida poco después. De la misma forma, se entretenía inventando sus propios idiomas, como el "animálico" (creación compartida con una prima suya), el "nevbosh" ("nuevo disparate") o el "naffarin", basado en el español.

portada del la primera edicion del Hobbit 1937

En 1900 Mabel se convirtió -junto con sus dos hijos- al catolicismo romano, a pesar de fuerte oposición de su familia, de confesión bautista. En 1904, cuando Ronald tenía doce años, Mabel falleció debido a complicaciones de diabetes en Fern Cottage (Rednal), donde la familia vivía en alquiler. Durante toda su vida, Ronald vivió convencido de que su madre había sido una verdadera mártir a causa de su fe, lo cual produjo una profunda impresión en sus propias creencias católicas. La fe devota de Tolkien fue significativa en la conversión de su amigo ateo C. S. Lewis al cristianismo.

Durante su consecuente orfandad, Ronald y Hilary fueron educados por el padre Francis Xavier Morgan, un sacerdote católico del Oratorio de Birmingham, situado en la zona de Edgbaston de Birmingham. El padre Francis era un sacerdote de origen jerezano que había apoyado moral y económicamente a su madre tras su conversión al catolicismo, y que había enseñado al joven Ronald las bases del idioma español que empleó en la creación de su "naffarin".

Ronald vivió durante su orfandad a la sombra de la torre victoriana de Edgbaston Waterworks y la de Perrott's Folly, que inspirarían las imágenes de las torres oscuras de Orthanc y Minas Morgul de El Señor de los Anillos. Otra influencia notable que recibiera en esta etapa fueron las pinturas románticas medievalistas de Edward Burne-Jones y la Hermandad prerrafaelita, muchas de cuyas obras pertenecen hoy día a una renombrada colección del Museo y Galería de Arte de Birmingham (Birmingham Museum and Art Gallery), que las expuso abiertamente al público desde 1908.

En 1908, a los dieciséis años de edad, Tolkien conoció a Edith Mary Bratt en el orfanato, enamorándose de ella pese a ser él tres años menor. El padre Xavier prohibió a Tolkien encontrarse, hablar e incluso mantener correspondencia con ella hasta que él cumpliese los veintiún años, lo cual el joven obedeció al pie de la letra.

En el verano de 1911 Tolkien viajó de vacaciones a Suiza, un viaje que rememoró en una carta en 1968 de forma aún muy vívida, donde señalaba que el viaje de Bilbo a través de las Montañas Nubladas (incluyendo el "deslizamiento por las piedras resbaladizas hasta el bosque de pinos") está directamente basado en sus aventuras con su grupo de doce compañeros de excursión desde Interlaken hasta Lauterbrunnen, y en su acampada en las morrenas más allá de Mürren.

Después de muchas trabas e impedimentos del padre Francis (que deseaba que Tolkien se centrase en acabar sus estudios de Filología Inglesa en Oxford con honores), por fin la misma tarde del día de su vigésimo primer cumpleaños Tolkien escribió una carta a Edith declarándole su amor y preguntándole si deseaba casarse con él. Ella le respondió que ya estaba comprometida, ya que creía que Tolkien la había olvidado. Reuniéndose bajo un viaducto de ferrocarril, renovaron de nuevo su amor, tras lo cual Edith devolvió su anillo de compromiso y decidió casarse con Tolkien. Tras comprometerse en Birmingham en enero de 1913, Edith se convirtió al catolicismo ante la insistencia de Tolkien, casándose finalmente el 22 de marzo de 1916 en Warwick. Antes de su matrimonio, sus viajes le llevaron a Cornualles, donde, debido al amor que sentía por los paisajes desde la época de su infancia, quedó impresionado por la visión de la singular costa córnica y el mar. Tolkien se graduó con honores en 1915 en el Exeter College de la Universidad de Oxford, con un título de primera clase en idioma inglés, en la modalidad Lingüística Inglesa y Literatura hasta Chaucer. Tras su graduación, Tolkien se unió al Ejército británico que luchaba por entonces en la Primera Guerra Mundial. Se enroló con la graduación de teniente segundo, especializado en lenguaje de signos, en el 11º batallón de los Lancashire Fusiliers (Fusileros de Lancashire), que fue enviado a Francia en 1916. Tolkien sirvió como oficial de comunicaciones en la batalla del Somme hasta que enfermó debido a la denominada fiebre de las trincheras el 27 de octubre, siendo trasladado a Inglaterra el 8 de noviembre. Muchos de sus compañeros de su unidad, así como muchos de sus más cercanos amigos, murieron en la guerra.

Durante su convalecencia en una cabaña en Great Haywood (Staffordshire), comenzó a trabajar en lo que llamó El Libro de los Cuentos Perdidos, comenzando con La Caída de Gondolin. Durante los años de 1917 y 1918 continuó recayendo en su enfermedad, si bien se había restablecido lo suficiente como para hacer tareas de mantenimiento en varios campamentos, ascendiendo así al rango de teniente. Cuando fue destinado a Kingston upon Hull, un día él y Edith estaban caminando por los bosques de la cercana Roos, cuando Edith comenzó a bailar para él en una densa arboleda de cicutas, rodeados de flores blancas. Esta escena inspiró el pasaje del encuentro de Beren y Lúthien, y Tolkien solía referirse a Edith como su Lúthien. Tolkien y Edith tendrían cuatro hijos: El John Francis Reuel, Michael Hilary Reuel, Christopher Tolkien y Priscilla Anne Reuel.

En 1925 regresó a la Universidad de Oxford como profesor de anglosajón en el Pembroke College. Sería durante su estancia en Pembroke cuando Tolkien escribió El Hobbit y los dos primeros volúmenes de El Señor de los Anillos. Tolkien nunca esperó que sus historias sobre ficción se volvieran tan populares, pero fue C.S. Lewis quien lo persuadió para que publicara un libro que había escrito para sus hijos llamado El Hobbit en 1937. Sin embargo, el libro a su vez atrajo a lectores adultos, y se volvió lo suficientemente popular como para la editorial, George Allen & Unwin, por lo que le pidieron a Tolkien que escribiera una secuela a la obra.

Fue en Oxford donde Tolkien entabló amistad con C. S. Lewis, con quien disentía al principio a causa de sus convicciones religiosas, pero que acabó siendo uno de sus principales correctores, junto con los otros miembros del club literario que formaron, los Inklings. Sus miembros se reunían la noche de los jueves en el The Eagle and Child o en la habitación de Lewis para recitar las obras que cada uno componía, así como romances y extractos de las grandes obras épicas del Norte de Europa.

En 1924 nació su tercer hijo, Christopher, quien se encargaría de publicar póstumamente todos los manuscritos que su padre había dejado desparramados por el estudio en su casa de Northmoor Road (y de donde saldrán principalmente El Silmarillion, el Libro de los Cuentos Inconclusos y La Historia de la Tierra Media [el término "Tierra Media" hace alusión directa a Midgard, uno de los siete espacios en que se divide el mundo habitable según el Völuspa). Cuatro años después, en 1929, nació su hija Priscilla (con la que viajó a Venecia, a la que comparó en encanto con la ya mítica Minas Tirith, la ciudad capital del Reino de Gondor).

Desde su adolescencia, Tolkien había empezado a escribir una serie de mitos y leyendas sobre la Tierra Media, que más tarde darían lugar al Silmarillion - previamente denominado "El Libro de los Cuentos Perdidos" (echaba en falta en su país una mitología del carácter de la griega, por ejemplo, y se proponía inventar "una mitología para Inglaterra"). Se supone que dichos relatos se inspiraron en un cuento publicado en 1927 por E. A. Wyke-Smith titulado El Maravilloso País de los Snergs (también el Kalevala finlandés, las sagas norsas y, en general, un poco de toda la mitología europea de cualquier origen).

En 1957 Tolkien viajaba a Estados Unidos para recibir títulos honoríficos de las principales universidades, como Marquette (donde hoy en día se conservan los manuscritos originales de sus obras) y Harvard, entre otras, pero el viaje tuvo que suspenderse (Edith cayó enferma). Tolkien se retiró dos años después, en 1959, de su cargo en Oxford. En 1965 salió la primera edición de El Señor de los Anillos en Estados Unidos. En 1968, la familia Tolkien se trasladó a Poole, cerca de Bournemouth, después de la muerte de Edith. El 29 de noviembre de 1971 Tolkien volvió a Oxford.

Doctor honoris causa por varias universidades (Nacional de Irlanda, Oxford,). Vicepresidente de la Philological Society, miembro de la Royal Society of Literature. Cuatro años antes de su muerte, a los 81 años de edad, en 1969, la reina Isabel II le otorgaría la Cruz del Imperio Británico. En su honor se fundaron, en primer lugar, la Mythopoeic Society norteamericana, y la Tolkien Society británica, y decenas de Sociedades Tolkien por todo el mundo.

La tumba de Tolkien y Edith, situada en el cementerio de Wolvercote, en Oxford, presenta los nombres de "Beren" y "Lúthien", nombres extraídos de la famosa leyenda incluida en el Silmarillion acerca del amor entre estos dos seres de diferente naturaleza y del robo, por parte de la doncella elfa Lúthien y el valiente mortal Beren, de uno de los Silmarils (las piedras preciosas forjadas por el orgulloso y arrogante así como superdotado noldo Fëanor con la luz de Laurelin y Telperion, los Árboles de Aman creados por Yavanna); éste fue extraído de la corona de hierro de Morgoth (o Melkor), el Vala renegado que desafió a Eru el Único durante la Ainulindalë, la Música de los Ainur, y toda la Primera Edad del Sol.

Con esta pequeña referencia que encontré por ahi deseo resumir un poco la vida de este gran autor, rewcuerdo mi primer contacto con el mundo de Tolkien alla por 1992, cuando un mi amigo René Menjívar me recomendó y me prestó un libro que nunca iba a olvidar, y que se ha convertido en mi libro de cabecera " El Hobbit ". Así fue como soltero y con trabajo estable, mes a mes iba adquiriendo la obra de Tolkien que por primera vez se editaba al Castellano gracias a la editorial Minotauro. Ya para el año 1994 tenía en mi coleccion de libros El simarillion, El Señor de los Anillos ( los tres volúmenes ) y los apéndices, el Hobbit, los Cuentos Inconclusos y Egidio el Granjero de Ham, la hoja de Niggle y el Herrero de Wootoon Mayor. Recuerdo como luego mi esposa también se interesó al conocerme en la obra de Tolkien y actualmente podemos conversar ampliamente y con regularidad sobre muchos detalles del Hobbit y el Señor de los Anillos ( más alla de los que permite ser admirador de las películas de Peter Jackson ).

Trataré de compartir más adelante las versiones animadas del Hobbit ( de Arthur Rankin Jr. y Jules Bass de 1977 ) también de 1980 El retorno del Rey, hecha también en dibujos animados, y que pretendía ser una continuación de la película " El señor de los Anillos " de Ralph Bakshi de 1978, que fuera producida por Saul Zaentz y escrita por Peter S. Beagle. Pero en este momento dispongo de poco tiempo y eso require mucho trabajo.

De momento deseo compartir con uds parte de mi colección personal digital del trabajo de Tolkien, empezando por una compilación de diversos mapas que he venido coleccionando a lo largo de muchos años, entre ellos mapas de ARDA, Beleriand, Tierra Media, Númenor y otros lugares mas creados por Tolkien en su imaginación

Descargar Mapas de JRR Tolkien 01

Descargar Mapas de JRR Tolkien 02

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Igualmente deso compartir los libros y otros docuemtnos escritos por Tolkien que tengo en formato PDF, estan todos comprimidos en un solo archivo.

Descargar todos Libros de JRR Tolkien

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Libros

Apéndices
Arbol y hoja
Athrabeth Finrod Ah Andreth ( la Conversación de Finrod y Andreth )
Cuentos Inconclusos de Numenor y la Tierra Media
El Herrero de Wootton Major
El Hobbit
El libro de los cuentos perdidos
El retorno del Rey
El Silmarillion con apéndices
Juramento de Feanor
La Comunidad del Anillo
La Historia de Beren y Luthien
La Hoja de Niggle
Las Aventuras de Tom Bombadill
Las Dos Torres
Los hijos de Hurin
El Silmarillion
Sir Gawain y el Caballero Verde

otros Documentos

Carta Milton Waldman
Ensayo sobre los Cuentos de Hadas
Fragmentos de cartas a su hijo Christopher
Sobre el fracaso de Frodo y otros temas de El Señor de los Anillos
Enciclopedia Tolkien

Poemas

EL APRENDIZ ALVIN Y EL ARADO INSERVIBLE
Namarië

Lo mismo que una serie de imágenes ( muchas de Allan Lee o el mismo Tolkien ) que tengo en un sitio en línea desde 1997.

Descargar imágenes del mundo creado por Tolkien
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Videos

J.R.R. Tolkien reciting "Namárië"

John Tolkien on "The Hobbit"

John Ronald Reuel Tolkien - documentary 1 / 2

John Ronald Reuel Tolkien - documentary 2 / 2

Dedico este post a mi amigo y hermano Franklin Aguilar ( fiel lector y estudioso de la obra de Tolkien ), a mi otro Hermano Charly Vitro Rhei, y a todos los que como yo lloraron sin explicación alguna cuando fueron a ver la trilogía al cine, en escenas en que no habia motivo para llorar ( más que ver plasmadas las imágenes que antes solo existian en la imaginación del lector )

Etiquetas: Tolkien

Llena tu Cabeza de Rock

(El Topo) — Sun, 31 Aug 2008 21:46:00 -0700

En realidad resultó mucho más complejo de lo que crei el hacer un post para los discos recopilatorios de: “ Llena tu cabeza de Rock “, empezando porque la calidad del cassete que tengo ya denota el paso de los años ( 25 años ), por lo que no me fue posible rippear la compilación a formato digital y que quedara aceptable, además de que no es la misma version la que circuló en varias partes de hispanoamnérica por lo cual mis disculpas por los datos que pueden no coincidir de país en país, sin embargo, dado que en las últimas semanas muchos de los visitantes del blog buscan información directa de estos discos, es que realicé una búsqueda minuciosa en la WEB del tema. En orden cronológico estos son los discos

" Llena tu cabeza de rock 1983 “

LADO A

1 MEN AT WORK • Down Under
2 BILLY JOEL • Allentown
3 TOTO • Rosanna
4 JOURNEY • Open Arms
5 SANTANA • Hold On
6 NINA HAGEN • Smack Jack
7 ADAM ANT • Goody Two Shoes

LADO B

1 ASIA • Heat Of The Moment
2 AFTER THE FIRE • Der Kommissar
3 SHAKIN' STEVENS • You Drive Me Crazy
4 SAGA • Wind Him Up
5 JUDAS PRIEST • You've Got Another Thing Comin'
6 REO SPEEDWAGON • Keep The Fire Burnin'
7 LOVERBOY • Working For The Weekend

“ Llena tu cabeza de rock 1984 “

LADO A

1 THE ROMANTICS • Talking In Yor Sleep
2 BONNIE TYLER • Total Eclipse Of The Heart
3 BILLY JOEL • Uptown Girl
4 NENA • 99 Red Ballons (English Version)
5 MEN AT WORK • It's A Mistake
6 THE POLICE • Every Breath You Take

The Romantics - Talking in Your Sleep

LADO B

1 QUIET RIOT • Cum On Feel The Noize
2 SUPERTRAMP • Crazy
3 BOB DYLAN • Neighborhood Bully
4 GO-GO's • Vacation
5 STYX • Mr. Roboto
6 ELECTRIC LIGHT ORCHESTRA • Rock 'N' Roll Is King

Mr Roboto - Styx

Descarga “ Llena tu cabeza de rock 1984 “

" Llena tu cabeza de rock 1985 “

LADO A

1 BRUCE SPRINGSTEEN • Dancing In The Dark
2 SCANDAL featuring PATTY SMYTH • The Warrior
3 STEVE PERRY • Oh Sherrie
4 BONNIE TYLER • Here She Comes
5 DON HENLEY • The Boys Of Summer
6 BRYAN ADAMS • Run To You

Scandal feat. Patty Smyth - The Warrior

LADO B

1 CYNDI LAUPER • Money Changes Everything
2 REO SPEEDWAGON • Can't Fight This Feeling
3 TOTO • Stranger In Town
4 QUIET RIOT • Mama Weer All Crazee Now
5 SANTANA • Say It Again
6 WHAM! • Wake Me Up Before You Go-Go

Toto - Stranger In Town Video

Descarga " Llena tu cabeza de rock 1985 “

" Llena tu cabeza de rock 1986 “

LADO A

1 THE ROLLING STONES • Harlem Shuffle
2 THE CLASH • This Is England
3 THE FABULOUS THUNDERBIRDS • Tuff Enuff
4 BONNIE TYLER • Holding Out For A Hero
5 HOOTERS • And We Danced
6 CHARLY GARCIA + PEDRO AZNAR (TANGO) • Angeles y predicadores

THE ROLLING STONES • Harlem Shuffle

LADO B

1 SURVIVOR • Burning Heart
2 JUDAS PRIEST • Turbo Lover
3 OZZY OSBOURNE • Shot In The Dark
4 BANGLES • Manic Monday
5 JOURNEY • Be Good To Yourself
6 RPM • Radio Pirata

BANGLES • Manic Monday

"Llena tu cabeza de rock 1987 “

LADO A

1 ROGER WATERS • Sunset Strip
2 BILLY IDOL • Don't Need A Gun
3 THE THE • Infected
4 MASON RUFFNER • Gypsy Blood
5 THE OUTFIELD • Your Love
6 PAUL YOUNG • Some People

Roger Waters - Radio KAOS - Sunset Strip

LADO B

1 EUROPE • Rock The Night
2 PSYCHEDELIC FURS • Shock
3 SPANDAU BALLET • Fight For Ourselves
4 REO SPEEDWAGON • That Ain't Love
5 THE HOUSEMARTINS • Happy Hour
6 BEASTIE BOYS • No Sleep Til Brooklyn

Europe - Rock the night

Sin embargo al parecer luego se realizaron algunas compilaciones o reeediciones en formato dos volúmenes con CDs Dobles

VOL. 1 CD 1

1. Santana - Winning
2. Toto - 99
3. Electric Light Orchestra - Last train to London
4. Paul Young - Every time you go away
5. Shakin Stevens - You drive me crazy
6. Bangles - Walk like an egyptian
7. Ram Jam - Black Betty
8. Kansas - Dust in the wind
9. The Outfield - All the love in the world
10. Journey - Don`t stop believin'
11. The Byrds - Mr. Tambourine man
12. Europe - The final countdown
13. Red Bone - Come and get your love
14. Reo Speedwagon - Keep on loving you
15. Ment at work - It's a mistake
16. Blood, sweat & tears - You've made me so very happy

Everytime You Go Away (Paul Young)

VOL 1 CD 2

1. Steve Perry - Oh sherrie
2. Toto - Africa
3. Cyndi Lauper - Girsl just wanna have fun
4. The fabulous thunderbirds - Tuff enough
5. Blue Oyster club - (Don't fear) The reaper
6. Men at work - Who can it be now?
7. Meat loaf - Two out of three ain't bad
8. Roy Orbison - Pretty woman
9. Boston - More than a feeling
10. Bonnie Tyler - Here she comes
11. Christie - Yellow river
12. Santana - Europa (earth's cry, heaven smile)
13. Pacific gas & electric - Are you ready?
14. Cheap trick - Don't be cruel
15. Scandal featuring Patty Smith - The warrior
16. Van Morrison - Brown eyed girl

Men at work - Who can it be now

VOL 2 CD 1

1. Men at work - Down under
2. Boston - Don't look back
3. Ten sharp - You
4. Santana - Evil ways
5. Cheap trick - The flame
6. The byrds - My back pages
7. Donovan - Mellow yellow
8. Journey - Open arms
9. Wham - Wake me up before you go
10. The outfield - Your love
11. Toto - Pamela
12. Electric Light Orchestra - Rock and roll is king
13. Big Brother and the Hlding Company - Piece of my heart
14. Edgar Winter Group - Frankenstein
15. Warrant - Cherry pie
16. Kenny Loggins - Footloose

Kenny Loggins – Footloose

VOL 2 CD 2

1. Electric Light Orchestra - Livin' thing
2. Judas Priest - Breaking the law
3. Bad english - When I see you smile
4. Raiders - Indian reservation
5. Reo Speedwagon - Can't fight this feeling
6. Johnny Winter - Jumpin' Jack flash
7. Albert Hammond - I'm a train
8. Journey - Who's crying now
9. Blood, sweat & tears - Spinning wheel
10. Boonie Tyler - Holding out for a hero
11. Europe - Carrie
12. Bangles - Manic monday
13. Ted Nugent - Land of a thousand dances
14. Nena - 99 luftballons
15. Alice - Hey stoopid
16. Billy Joe Royal – Hush

Nena - 99 Luftballons

para terminar aparecen también otras dos ediciones en CD que no son los mismos anteriores, de las cuales consegui algunos tracks en descarga directa

1986 - Llena tu cabeza de Rock

1 - Laura Branigan - Self control
2 - Belinda Carlisle - Heaven is a place on earth
3 - Donna Summer - This time i know it’s for real
4 - Rick Astley - Never give you up
5 - Ryan Paris - La dolce vita
6 - F.R. Davis - Words
7 - Desireless - Voyage, Voyage
8 - Sandra - Maria Magdalena
9 - Michael Cretu - samurai (did you ever dream)
10 - Animotion - Obsession
11 - Scotch - Disco Band
12 - Sandy Marton - People from Ibiza
13 - Babys Gang - Happy song
14 - Miko Mission - How old are you
15 - Taylor Dayne - Tell it to my heart
16 - Mike Oldfield - Moonlight Shadow
17 - Boystown Gang - Can’t take my eyes of you
18 - Gloria Gaynor - Gloria
19 - The Romantics - Talking in your sleep
20 - Cutting Crew - (I just died) in your arms

Belinda Carlisle - Heaven Is A Place On Earth (Live '87)

Descarga "1986 - Llena tu cabeza de Rock "

Llena Tu Cabeza De Rock Vol 2

1 - UB40 - Rat In The Kitchen
2 - Falco - Rock Me Amadeus
3 - Peter Gabriel - Sledghammer
4 - Roxette - The Look
5 - Matt Bianco - Yeah, Yeah
6 - Stephan - Lets Dance
7 - A-Ha - Take On Me
8 - Phil Collins - Dont lose my Number
9 - Tina Turner - What You Get Is What You See
10 - Starship - We Build this City
11 - Dire Straits - Money For Nothing
12 - Van Halen - Jump
13 - M Jaggewr & D Bowie - Dancing in the Street
14 – AC/DC - You shook me all the Night
15 - Guns N Roses - User to Lover
16 - The Romantics - Talking in your Sleep
17 - Jazzy Mel - Fue Amor
18 - Gtechnotronic - Get Up
19 - Dj Bravo - La Casa Latina
20 - Franchesco Salvi - Taxi
21 - Franchesco Salvi - E Da Postare La Maccina
22 - Rocco Granata - Marina
23 - Erasure - Oh l Amour
24 - Misty 10 - Ritmo de la Noche
25 - Kon Kan - I beg you pardon
26 - Men Without Hats - Pop goes to World
27 - Culture Club - Miss Me Blind + It's A Miracle
28 - Chaka Khan - I Feel For You
29 - Phil Collins - Easy Lover
30 - Robert Palmer - I Didnt Mean To Turn You On
31 - Prince - Party Man
32 - Whitney Houston - I Wanna Dance With Somebody
33 - Whitney Houston - How Will I Know
34 - Inxs - What You Need
35 - Daryll Hall & John Oates - Out Of Touch
36 - Cindy Lauper - Girls Just Want To Have Fun Tonight
37 - Spagna - Call Me
38 - Howard Jones - Things Can Only Get Better
39 - The Cure - Hot Hot
40 - Leon Haywood - Don't Push It
41 - Kool & The Gang - Get Down On It
42 - Jimmy Cliff - Raeggae Nights
43 - Kurtis Blow - Rappin Delight
44 - Queen - Another One Bites The Dust
45 - Eric Clapton - Cocaine
46 - Toto - Hold the Line
47 - Nina Hagen - New York, New York
48 - Lionel Richie - All Night Long
49 - Five Young Canibals - She Drives Me Crazy
50 - Nu Shooz - I Cant Wall
51 - Madonna - Holliday

Falco - Rock me Amadeus

DIRE STRAITS "Money for nothing"

Howard Jones - Things can only get better

Descarga " Llena Tu Cabeza De Rock Vol 2 "

Agradezo a las siguientes personas por la información

Chapitas

Rafael Torres

Chilipis de yahoo y todos quienes le colaboraron con la respuesta

Comeyuca de ImperioMetal

Etiquetas: Compilados, Llena tu Cabeza de Rock

Michael Hedges ( el Paganini de la guitarra )

(El Topo) — Fri, 29 Aug 2008 02:09:00 -0700

I’m not trying to play the guitar. I’m trying to play music…. Michael Hedges

Fue más o menos a los 15 años que empecé a tocar la guitarra, en forma completamente autodidacta e influido por algunas viejas piezas del cancionero que publicaba algún periódico nacional allá por el año 86.
Una de las razones era llevarle la serenata de sus 15 años a una compañera del Colegio, Silvia Acuña, la cual dudo que incluso recuerde que le llevamos esa serenata, también recuerdo haber recibido instrucciones para hacer dos o tres acordes por parte de mi papá, quien a pesar de que lo he visto pocas veces en mi vida con una guitarra y definitivamente no es rockero, le agradezco la vena musical ( mi tío paterno es un muy buen guitarrista en guitarra española ), aunque por el lado de mi mamá hay sin discusión otra parte que me alimentó el espíritu de músico. Así fue que sin más maestro que el radio y mis discos y cassetes empecé a sacar de oído aquellas melodías que me llegaban más, estando a los pocos años en mi repertorio Queen, Def Leppard, Led Zeppelin, Pink Floyd, Dire Straits, entre lo que solía acompañar. Para ese entonces mi primo que es músico ya había iniciado también sus pasos en la guitarra, y recuerdo como juntos solíamos tocar algunas piezas clásicas de Rock ( mucho progresivo ), como “ Roundabout “ de “ Yes “ y “ Im gonna find my way home “ de Jon & Vangelis, también “ The Wall “ de Pink Floyd y recuerdo que solíamos hacer un cover muy bueno de “ Stairway to Heaven “ de Led Zeppelin ( la canción que todo rockero cree saber tocar ).

No recuerdo concretamente cuando o porqué, pero me parece que un viejo amigo de la familia “ Max Polini “ quien entre sus múltiples facetas ( además de rockero ) era ingeniero de sonido, fue quien llevó en algún momento ( como solía hacer ) algún CD de algún artista que era un completo desconocido pero que merecía la pena escucharse, creo que ese fue mi primer contacto con Michael Hedges ( me parece que a través de mi primo quien era el que tenía la responsabilidad de guardar los CD o los extraños cassetes de níquel - metal que casi siempre Max dejaba en casa de mi Abuela.).

Así que de esta manera cuando la internet no pensaba siquiera asomarse al mundo ya conocía a este virtuoso de la guitarra, que junto a Yngwie Malmsteen, Steve Vai, Vitto Bratta y Joe Satriani, figuran entre mis ídolos de culto. Recuerdo que el primer disco que oí de Hedges fue el Aerial Boundaries de 1984, que sigue siendo uno de mis favoritos, también recuerdo el Live On The Double Planet de 1987, esto es parte de mi influencia en la faceta New Age, de la cual me defino admirador pero definitivamente no me considero un “ hijo de la era de Acuario “.

Michael Hedges nació en California un 31 de diciembre de 1953. Desde niño mostró sus habilidades con este instrumento que aprendió a tocar en el sexto grado y que le llevó a formar su primera banda un par de años más tarde. Hedges fue un guitarrista acústico principalmente instrumental, cuya música se podría catalogar entre “ New Age “ y “ experimental “. Como dije anteriormente Hedges llegó a mí en la época en que estaba empezando en la guitarra y literalmente me voló la cabeza. Nunca habría pensado que una guitarra acústica pudiera sonar de esa manera, golpeando y pellizcando, las cuerdas con ambas manos sobre el diapasón. Al mismo tiempo, me parece que tuvo una influencia rockera pues siempre mostró esta faceta, especialmente al escuchar covers de Bob Dylan, Frank Zappa y The Beatles.
Evidentemente Joni Mitchell y Neil Young son dos influencias en Hedges, y se dedicó en sus primeros años al tocar en bares y pubs a hacer covers principalmente de ambos autores.

Aunque tenía una gran voz la mayor parte de su trabajo es instrumental. Definir la música de Michael es difícil. Él mismo le buscó rótulos como “heavy mental”, “acoustic thrash”, “wacka-wacka”, “new edge”, “edgy pastoral”, “savage myth”, “deep-tissue gladiator guitar”....

Como menciona el amigo, Renzo Rodríguez: “ el espíritu de un guitarrista, sin embargo, a veces, como elegido distinguido del tiempo, viene a dar con la música cierto individuo que no crea melodías para la guitarra, sino bellas canciones instrumentales y al ejecutarlas en esta, cambia todo para todos, este era el caso de Michael Hedges, quien no era un guitarrista sino un compositor enamorado del instrumento”.

Prácticamente toda su obra para guitarra la compuso en afinaciones no convencionales, usando, en todas ellas, técnicas complejas como los armónicos y el Tapping ( que suele hacerlo con ambas manos ). Aparte de la guitarra acústica normal, también compuso temas con guitarras harpa. Además, tocaba otros instrumentos, como el piano, percusión en general, el tin whistle, la armónica y la flauta traversa ( por cierto tiene una excelente versión del Boureé de Jethro Tull ), sin embargo lo mejor de Hedges es que llevó el concepto de lo que se puede hacer con una guitarra acústica más allá de lo que se hubiera podido imaginar, similar a lo que en su época hiciera en la guitarra eléctrica Jimi Hendrix.

Hedges es conocido por el uso de dos técnicas de golpeo con las dos manos. Usaba los dedos de su mano derecha (normalmente pellizcando) para golpear “cuerdas” armónicas en los trastes 12, 7 ó 5 (o en cualquier otra parte). Utilizó la mano derecha para los golpes, especialmente en las notas bajas, y a menudo usó la mano izquierda para golpes o pulsaciones melódicas o rítmicas, así como rasgueos poco usuales, que resultaban en voces independientes en la mano derecha. Estas técnicas tendían a convertir la guitarra en un instrumento casi de teclas para ciertos propósitos musicales. También hizo amplio uso del amortiguado de cuerdas, como se usa en la guitarra clásica, y era conocido por la insistencia en la duración exacta de los sonidos y los silencios en sus piezas. Otras facetas de su interpretación era el golpeo de percusión en la caja de resonancia de la guitarra y el amplio uso de armónicos artificales. También utilizó variantes de la guitarra como la Guitarra Arpa (un instrumento con las cuerdas del bajo añadidas, que Hedges usaba para tocar el Preludio a la Suite 1 para Cello en G Major de Bach, en la escala en que se compuso), y la guitarra Trans-Trem Guitar (una guitarra que mantiene las seis cuerdas en el tono durante el trémolo, desarrollada por Steinberg - Hedges la usó en su disco Taproot).

La carrera de Hedges empezó en su natal Oklahoma, empezó estudiando y tocando varios instrumentos antes de la flauta traversa y la guitarra, su mentor fue E. J. Ulrich. Ahí obtuvo su grado en composición en el Conservatorio de in Baltimore, y también empezó a mostrar interés en la música electrónica, lo cual lo llevó a la Universidad de Stanford. Michael Hedges fue “ descubierto “ por William Ackerman que le escuchó tocando en un café de Palo Alto (el antiguo Varsity Theater) y le contrató inmediatamente (1980). Durante varios años Hedges hizo giras y tocó con Ackerman. También apareció en diversos discos de Ackerman. En correspondencia William Ackerman produjo los dos primeros discos de Hedges.

Los dos primeros discos que grabó Michael Hedges - Breakfast in the Field y Aerial Boundaries - fueron hitos de la guitarra acústica. Depués se orientó a la canción y la interpretación de formas más populares de música, aunque periódicamente solía volver a música más centrada en la guitarra. Su disco Oracle ganó en 1998 el Grammy al mejor disco de New Age. Hedges era un multiinstrumentista, que tocaba el piano, la percusión, la chirimía (o flauta irlandesa), la flauta, la harmónica entre otros instrumentos en sus discos. El bajista Michael Manring contribuyó en muchos de los discos de Michael.

Muchos guitarristas acústicos aseguran tener un gran espectro de influencias y que no encajan en género alguno, pero esto era más cierto que nunca en el caso de Hedges. Su educación musical era fundamentalmente en la composición del siglo XX. Escuchaba a Leo Kottke, Martin Carthy, John Martyn, y The Beatles, pero su acercamiento a la composición debía mucho a Stravinsky, Varèse, Webern, y a compositores experimentales como Morton Feldman. Él se veía a si mismo como un compositor que tacaba la guitarra, más que un guitarrista que componía música.

Hedges murió trágicamente un accidente automovilístico al derrapar su auto en un barranco, su cuerpo fu hallado días despues en Mendocino County, California el 5 de diciembre de 1997

La música de este artista es bastante difícil de conseguir, y en mi caso la discografía la obtuve casi en su totalidad de mi Hermano David que es músico y que gracias a Dios tiene buen gusto, a el le agradezco su colaboración para este post.

Discografía

( los archivos con contraseña se descomprimen con: elblogdeltopo.blogspot.com )

1981 - Breakfast In The Field

1984 - Aerial Boundaries

1986 - Watching My Life Go By

1987 - Live On The Double Planet

1990 - Taproot

1993 - Strings of Steel

1994 - The Road To Return

1996 - Oracle

1999 - Torched

Videos

Michael Hedges - All Along the Watchtower

Michael Hedges - Aerial Boundaries

Michael Hedges and Will Ackerman - Hawkcircle

Michael Hedges - Jitterboogie

Michael Hedges - Face Yourself

Michael Hedges - Breakfast in the Field

Michael Hedges Interview

Mi agradecimiento y sitios para visitar

Sitio Oficial de Michael Hedges

Frogmen

Angel

Renzo Rodríguez

Wikipedia

Harp Guitar Player of the Month

Etiquetas: Michael Hedges

Primera Generación Records - 1997 - Fragmentos de Conciencia

(El Topo) — Fri, 22 Aug 2008 11:59:00 -0700

Giácomo Paolo Buonafina Aguilar

Es quizá uno de los actores más reconocidos por los amantes del cine guatemalteco, pues ha intervenido en varias propuestas: Donde acaban los caminos (2002), de Mario Monteforte Toledo, Los entremeses cervantinos (2003), bajo la dirección del mexicano Óscar Ulises Cansino y Las cruces... poblado próximo (2004) Buonafina también ha sobresalido en el arte de las tablas. Obras como Clitemnestra ha muerto (Afredo Porras Smith, 1993), Reto, La gran noche del mundo y La herencia de Alvarado, de Luiz Tuchán, le otorgaron, sin duda, una experiencia actoral que ha sabido explotar.

Buonafina se desempeñó como productor musical; ahora posee la versatilidad de actuar y encargarse del sonido de algunas cintas o documentales. Giácomo colaboró en un documental del médico venezolano Jacinto Convit, quien descubrió la cura contra la lepra, titulado El secreto de los volcanes, que tenía como objetivo demostrar los resultados de la investigación de este especialista sobre el paliativo para la Leishmaniasis o papalomoyo (una enfermedad parasitaria transmitida por la picadura de una mósca flebótoma).

Sin embargo el objetivo de este post es presentar una Recopilación de Rock Centrooamericano que Buonafoni presentó allá por 1997.

Rock e irreverencia

La incursión musical de Buonafina fue al inicio de la década de los 90. Lo hizo como productor e ingeniero de grabación, con Primera Generación, su propio estudio, con el que supo ganar un nombre y un espacio como figura independiente en el medio musical. Luego, combinó esa faceta al acordar una alianza laboral con Discos de Centroamérica (Dideca). De 1990 a 2002 al menos medio centenar de producciones discográficas pasaron por sus manos, no sólo en Guatemala, pues también trabajó para artistas del resto de los países centroamericanos. Aunque inicialmente lo hizo promoviendo a bandas roqueras acabó por incluir en su trabajo producciones y artistas de géneros distintos, como la marimba.

“Pensamos que es un instrumento que da hueva y que sólo sirve para oírlo durante el almuerzo. Pero después de conocer la marimba y pasar días enteros trabajando con sus sonidos, te das cuenta de su valor. Culturalmente los guatemaltecos tenemos basura en la cabeza por no apreciarla”.
Con esa misma libertad de expresión, la revista Hasta atrás acompañó los primeros años del estudio de Buonafina. “Fue parte de la locura del estudio, pues como minoría que somos los roqueros teníamos en esa época espacio limitado en los medios de publicación. No había una publicación que tratara el rock con profundidad. Allí escribieron sus primeras letras gente como Maurice Echeverría y Lucía Escobar. La revista tenía un lenguaje roquero; tanto, que al final nos costó la publicidad por ser considerada una revista irreverente. Pero muchos disfrutaron de esa libertad para expresarse, tanto los lectores como quienes escribían”.

De la revista circularon aproximadamente seis ediciones, pero de Primera Generación quedan muchas otras satisfacciones personales y nombres importantes del rock chapín; entre ellos: Bohemia Suburbana (Sombras en el jardín, 1993), El concierto de Libertad de expresión de 1995, y producciones de Radio Viejo (Claroscuro), La Tona (El ojo), Q-sha Records y de Extinción. Buonafina contempla la posibilidad de retomar este proyecto. “Para mí, Primera Generación está hibernando. Aunque estaban los músicos, claro, llegó a ser el trabajo de una persona. Yo hacía casi todo y me cansé; pero la idea fue dejarlo por un tiempo. Ahora me va mejor en muchas cosas y tengo ideas de cómo lo quiero hacer, usando la experiencia que tuve, y espero en menos de un año reabrir”.

“ Al principio, con Primera Generación se reían de mí, pero yo creía en cosas que podían pasar, y en efecto, así sucedió, pues salieron buenos grupos. La idea es eso, reactivar y también cambiar la forma de edición que musicalmente hay en Guatemala. Creo que está bien ver el negocio y la parte de cómo te mantenés, pero en el arte primero va eso, el arte y luego el dinero ”.

Algunos de los grupos que participan en esta compilalción son entre otros:

Fábulas ( Guatemala )

Beto Lemus : Voces
Josue Villaseñor : Bajo
Fernando Dieguez : Guitarras
Carlos Succini : Bateria
Tony Mendez : Teclados

Esta banda proviene de la desaparecida banda llamada Fábulas Aticas, que allá por 1994, estuvo presente en el concierto Libertad de Expresion. Gonzalo Rodríguez ( ex guitarrista ) es abordado por Giacomo Buonafina en los pasillos de Prensa Libre a finales de 1994, mientras se arreglaba todo para el concierto de Libertad de Expresión. Buonafina ya había grabado dos de los primeros demos de Fábulas Áticas y le había llamado mucho la atención el grupo. Sin embargo de ahí para acá han cambiado un poco su estilo musical, con mayor madurez en su música. Fábulas ha alternado, con la mayoria de las bandas guatemaltecas, en diferentes conciertos, a lo largo de su carrera, llevando a las radioemisoras guatemaltecas temas como "Alicia", "Dulces Sueños", "Atras", "Sin tocarte", temas, que han recibido mucho apoyo, por parte de el publico chapín.
Su primer trabajo fue “ El Suspiro de Krizzia “ allá por Febrero de 1995 en los estudios de Primera Generación. Precisamente de este disco se desprenden temas como “ Muros”, “Alicia”, y “María Juana” los cuales destacan como temas muy importantes dentreo de “ la Garra Chapina “. El disco es estrenado en la carpa del circo en el Campo Marte.
Luego de varios contratiempos en la carrera del grupo, en 1998 es cuando se deciden a compilar su segundo larga duración, que será titulado "LLEVAME AL DISCO", conteniendo material el cual ha sido trabajado y preproducido durante mas de 14 meses, con la asistencia artística de Luis Galich como productor artístico, y su estudio Galimusic, una preparación fuerte y un estudio a fondo de la música que querían plasmar en estudio.

Bohemia Suburbana ( Guatemala )

El grupo comienza siendo integrado por el cantante Giovanni Pinzón, el guitarrista Juan Carlos Barrios, el peruano Álvaro Rodriguez en la guitarra y teclados, el colombiano Juan Luís Lopera (Piolly) en el bajo y Jose Pedro Mollinedo en la batería. Comenzaron tocando en fiestas en casas y bares de estilo bohemio, rápidamente se dieron a conocer gracias a su estilo alternativo, el cual estaba a tono con el cambio que se realizaría en el mundo musical con el estallido del Grunge, aunque con muchos dejos de grupos británicos de los ochenta. Sus letras reflejaban la guerra interna que se vivía en el guatemala en esos días, y era de clara protesta. Para 1994 la banda lanza su primer disco como un proyecto independiente el se titula "Sombras en el Jardín", del cual se desprenden varios éxitos, siendo el más conocido peces e iguanas, el cual se convertiría en himno de la banda. El disco es relanzado nuevamente por otra compañía alcanzando buena aceptación.
En diciembre de 1994 participaron junto a otras mas de la notables bandas de rock nacional tales como La Tona, Viernes Verde, Astaroth, Influenza, Radio Viejo en el concierto llamado ( LIBERTAD DE EXPRESION YA) abriendo el concierto con una introducción muy notoria ya que en el interludio Giovanni Pinzon, lee un poema del poeta Guatemalteco Simon Pedroza, y obviamente Bohemia se encarga de cerrar el show con un 'extended set de la canción (Bolsas de Te).
Para su segunda producción, mil palabras con sus dientes, en 1996, del cual se extraen los cortes (Planeta Hola),( El vaso),( Detrás de Mama), la banda graba en Miami y el disco es mezclado en Los Angeles y contó con la colaboración del argentino Gustavo Menéndez y el ingeniero Benny Faccone. El sonido de este álbum parece un poco más punk que el anterior pero con bastantes guitarras que evocan el grunge que domina el panorama mundial,iniciando así la aceptación ya mas general de grupo y tocando en bares muy conocido en el circuito como " La Bodeguita del Centro", presentaciones en festivales internacionales en Puerto Rico y en Centro America, giras por el interior de la República, además siendo también telonero de grupos como "Heroes del Silencio", Cafe Tacuva, Aterciopelados.
En el 2001 Bohemia regresa con una nueva propuesta, el album llamado "Sub" a todas luces, una evolución de lo que fueran antes, intentando explorar y dejar ver un lado mas oscuro y experimental de la banda, de donde la temática del disco giro en torno de muchos problemas de la realidad nacional guatemalteca. De este álbum se desprendieron alugnos cortes interesantes y que los llegarían a consagrar a un mas como una de las mejores bandas de rock chapin, como "El Grito", "Herir sin Darse cuenta", así como "Tropical Depresion" inspirada en la catastrofe que se vivio en Guatemala en 1998 debido al huracan "Mitch", que dejo gravemente lastimada a la nacion, su ecomonia y su gente. En ese mismo año 2001 hacen una gira de promoción del disco que los llevo de gira por todo el territorio nacional y partes del extranjero.
Como dato curioso, en un concierto realizado en el Teatro al Aire Libre del Teatro Nacional Miguel Anguel Asturias, se rumoreo una pequeña diferencia de opiniones entre Juan Luis Lopera, ( piolly ) con Giovani Pinzon, antes de empezar el concierto, este fue el último concierto hasta hoy conocido donde se origino la separación de Bohemia Suburbana en 1997, durante este tiempo los integrantes tomaron actividades diferentes. Dos años después deciden reunirse en 1999 haciendo un concierto masivo en la extinta Plaza de Toros marcando su regreso con un lleno total en el cual participo como músico invitado el baterista ( Taz Rodriguez) ex integrante de (Ytrium) y después de una serie de presentaciones con Bohemia se retira para integrarse al también extinto grupo de Rock ( Los Ultimos Adictos) donde Ricardo Andrade ( QEPD) era el vocalista.

50 Al Norte ( Costa Rica )

Bernal Villegas, guitarras eléctricas y acústicas, voz y coros.
Gonzalo de Trejo, bajo y coros.
Ronny Chirino, saxofones y coros.
Juan Carlos Araya, batería y percusión.

Grupo de Rock de Costa Rica, formado en 1990 por Bernal Villegas. 50 Al Norte es considerado, junto con las agrupaciones Café con leche e Inconsciente colectivo, una de las bandas más destacadas e influyentes dentro de la escena del rock Costarricense de a principios de los 90.
Bernal Villegas, guitarrista y compositor, había sido parte de bandas como U-Manos, Shenuk y Modelo para armar.

Para 1990, forma 50 al Norte, junto a chalo de Trejo, Ronny Ugalde y Juan Carlos Araya en la batería. Para 1992, ingresa con Gerardo Mora en sustitución de Juan Carlos Araya, y grabaron su único disco compacto, llamado Religiones, en los Estudios Primera Generación, en Guatemala. Para el disco contaron con la participación de Álvaro Aguilar, Pluvio Aguilar y Lenín Fernández, integrantes de Alux Nahual, así como de Mario Valverde, en teclados y una corista. Para presentar el material, el grupo hizo dos conciertos en el Teatro Popular Melico Salazar de Costa Rica, acompañados por músicos de la Orquesta Sinfónica Nacional, con arreglos y dirección del compositor Luis Diego Herra. Para el siguiente disco, el grupo presentó todo el material en vivo en el Cuartel de la boca del monte, en San José, pero nunca llegó a completar la grabación. El grupo se disolvió a mediados de los años noventa.

Inconsciente Colectivo ( Costa Rica )
Patricio "Pato" Barraza (Voz, Guitarra y Piano. Fundador de la banda)
Eduardo Carmona (Bajo)
Rafael Urgate (Batería)

Este grupo de Costa Rica se fundó allá por 1989, su debut se da ese mismo año en el Bar Shakaska. En 1990 se estrenó su primera canción en la radioemisoras nacionales con gran éxito, Avenida Central, con el que ocuparon durante 10 semanas el primer lugar en varias emisoras y tocaron en el concierto "Una Navidad Feliz", frente a un público que ocupaba seis cuadras a lo largo de la avenida central de San José.

En 1991 recibieron reconocimientos como El Mejor Grupo Musical del Año y La Mejor Canción Nacional, por Frágil, que estuvo 16 semanas en las listas de popularidad de varias emisoras. En 1992 logran el primer lugar entre 76 participantes en el "Festival Nacional Yamaha Pop" y tambien el primer lugar en la final Interamericana de este festival. Con este triunfo, IC clasifica para representar a Centro y Sur America en la gran final Mundial del "Yamaha Music Quest 92" en Japon en el cual desarrollo un buen papel e incluso fue el tercer lugar en la encuesta de popularidad realizada por las radioemisoras locales, para determinar cuales artistas participantes del Festival, fueron los favoritos del publico y los medios.

Eduardo Carmona

Para el 93, la banda lanza un nuevo sencillo, "Sigues siempre en mi piel". Tambien es ganador del premio "Mejor Grupo Nacional de Rock", otorgado por el Ministerio de Cultura Juventud y Deportes. Este año el grupo forma parte de la gira "Rock Tour". El 94 fue un año de grabacion para la banda. Graban su primer album, "Inconsciente Colectivo", grabado en los estudios Primera Generacion en Guatemala. Tambien graba su primer videoclip, de la cancion "Fragil".

Para el año siguiente, la banda empieza la promocion de su album debut y la gira "Nueva Era" por Guatemala y Costa Rica. IC participa en un concierto masivo por los Derechos Humanos en Guatemala, para la celebracion del 50 aniversario de las Naciones Unidas, representando a Costa Rica junto a bandas de Mexico, Cuba y Guatemala. Con el album logran los primeros lugares en las listas de popularidad de las radios juveniles de Guatemala con los temas "Avenida Central", "Fragil", "Amor Clandestino", "Nueva Era" y "Formas de Sentir". Este año tambien graban otro videoclip, esta vez de la cancion "Avenida Central" producido por Canal 15 de la UCR.

En 1996 alcanzan un premio nacional de "Celebridades" como "Mejor Grupo Rock", otorgado por periodistas y personajes del espectaculo en Costa Rica. El 97 trajo grandes cambios en la banda, como su formato de trio y el ingreso de Rafa Ugarte (bateria) y Eduardo Carmona (bajo) a la banda. La banda sigue cosechando triunfos, como el premio a "Mejor Cantante" para Pato Barraza, otorgado por el principal periodico nacional, "La Nacion" y la firma de un contrato como la casa disquera nacional Marsol Records.

Para el 98 la banda nos presenta su segundo disco, "Pastillas antidepresivas, religiones y demas... para el alma" junto a un nuevo videoclip de la cancion "Cautiva de Mar", en una produccion de Firulais Films. La primera edicion limitada que incluyo un 'bonus disk' con 5 temas adicionales y por primera vez para un grupo de rock en Costa Rica, un track interactivo de multimedia. Para la presentacion del disco, se hicieron 2 conciertos en el Teatro Eugene O´Neil del Centro Cultural Costarricense Norteamericano, con lleno total. IC inicia la gira nacional "Tour para el alma". El video se logra mantener 3 semanas en el primer lugar en el programa de videos "Hola Juventud" y comienza a pautarse (y hasta la fecha) en la cadena mundial de television "TELEFE Internacional" junto a una entrevista realizada al grupo. Se lanzan 2 sencillos mas, "Condicion" y "No podras". Se inicia la grabacion de un videoclip para la cancion "No podras" pero desafortunadamente este nunca fue concluido debido a un accidente que sufre Pato Barraza, lo que deja por 3 meses a la banda fuera de la escena. Este año la banda recibe varias nominaciones por la ACAM, "Mejor Produccion Discografica" y "Mejor Compositor" para los premios ACAM 99'. IC regreso a escena en el "979 Unplugged", con un lleno total en el Auditorio Nacional. Con este evento IC celebra la recuperacion de su cantante, el 10° Aniversario de la banda y ademas realiza la grabacion de este concierto, para su posterior publicacion en CD. IC participa en el "Concierto del Milenio", uno de los eventos masivos mas grande y con mayor asistencia de publico durante los ultimos años junto a banda internacionales, organizado por la Cerveceria de Costa Rica, en el 2000. El grupo graba su cuarto video "Condicion" en una produccion del programa "7 Estrellas" de Teletica Canal 7. Las grandes ventas del su segundo album logran un "Disco de Plata" en Costa Rica. La popularidad de la banda hace que participe con los temas "Cautiva de Mar" y "Avenida Central" en el CD recopilatorio de rock costarricense "Tiquicia Rock", editado por BMG Centroamerica.
En el 2001 la banda participa en la serie "Hecho en Costa Rica", con varios conciertos en distintos lugares del pais. Este año tambien firman contrato de promocion y distribucion discografica en Centroamerica con el sello internacional BMG. Tambien IC graba su quinto videoclip, de la cancion "Reencarnacion" bajo la direccion de la joven cineasta Camila Yglesias. Tambien se lanza el tercer album del grupo "Inconscierto", que que contiene el material grabado en los "979 Unplugged" y que consta de 11 versiones 'en vivo' de los temas mas significativos para el grupo, mas un tema extra que no se habia incluido en ningun disco anterior. Este album marca el cierre de los primeros 10 años de trabajo de la banda, sirviendo ademas como un "punto y a parte" en la propuesta musical del grupo.

IC participa en el "Festival Internacional de la Juventud" en Panama, alternando con grupos de Europa, Africa, Norte, Centro y Sur America. La banda vuelve a aparecer con los temas "Se me puede olvidar" y "No podras" en el compilado de rock costarricense "Tiquicia Rock Volumen II", editado por el sello discografico BMG. En el 2002 se da la produccion del videoclip "Se me puede olvidar" en una post-produccion conjunta realizada por IC, D'Alessio y Asociados y BMG. Tambien este año la banda participa en la Teleton en Nicaragua y en muchos conciertos en Costa Rica como Cadena Mayor 2002, Hecho en Costa Rica, Tributo a Jose Capmany, Festival Internacional de las Artes, FIA 2002, Semana Universitaria UCR, entre otros.

Tiananmen ( Guatemala )

Luis Fernando Rojas
Juan Carlos Rojas

Se dice que Tiananmen es sui generis en Guatemala; en una multitud de grupos grunge, ellos logran un estilo particular y tocan su New Wave. Es innegable la influencia de The Cure, sin embargo Tiananmen logra utilizar la estructura y el ambiente de Smith para sus propósitos de una forma excelente. Hay un par de anécdotas sobre la gabación de "Mu": Para la canción "Como un Animal", se quería grabar el ladrido de un chucho pastor aleman, pero cuando lo metieron al estudio, se empezó a hacer sus necesidades ahi adentro, y lo tuvieron que sacar (por poco echan a los Tiananmen del estudio
también); para grabar el principio de "La Taza" también consiguieron una taza y la grabaron mientras se rompía. Para la canción "Al Tenerte Junto a Mi", Fernando (guitarra) se puso a grabar la voz una noche al calor de las copas y quedó para la posteridad así. Tambien existe un video de Tiananmen que debuta en MTV Latino con el video de la canción "Así de Fácil" en el programa Raizónica de MTV Latino. Se sabe que lo realizaron con un costo bajísimo, pero los resultados son de primera.

Influenza ( Guatemala )

No hay mucha información de esta banda , solo se que editaron un disco llamado Influenza.

Kaos ( Guatemala )

Igualmente no hay mucha información de la banda.

Videos

Bohemia Suburbana - Peces e Iguanas

Inconsciente Colectivo - Fragil

GUATEMALA FABULAS ATICAS MUROS LIBERTAD DE EXPRESION YA!

Dios es Ajeno / Bohemia Suburbana

El cassete esta rippeado a 192 Kbps y está en dos partes

Fragmentos de Conciencia Lado A

Track List

01 - Delfines - Bohemia Suburbana
02- El silencio - El Ático
03 - Avenida Central - Inconsciente Colectivo
04 - Animal – Kaos
05 - Dios es ajeno - Bohemia Suburbana
06 - No importa - 50 al Norte
07 - Como un animal – Tinanmen

Descarga

Fragmentos de Conciencia Lado BTrack List

01 - Frágil - Inconsciente Colectivo
02 - Peces e Iguanas - Bohemia Suburbana
03 - Dime que puedo hacer sin tí - 50 al Norte
04 - Un solo mundo – Signos
05 - Gato - Fábulas Áticas
06 - No es hora de morir – Influenza
07 - La Taza - Tinanmen

Descarga

Mi agradecimiento a las siguientes fuentes de información y sitios para visitar

Giácomo Buonafina Space

Rock Guatemalteco. De guatemala para el mundo.

Rock Chapín Retro

Bohemia Suburbana ( sitio oficial )

Rock guatemalteco de ayer y hoy

Etiquetas: Compilados, Fragmentos de conciencia

Vuelve Zona García

(El Topo) — Sat, 16 Aug 2008 12:30:00 -0700

Gracias a Dios que el susto duró poco gracias a las previsiones del autor que se mudó y que tenia desde hace rato la opcion en caso de emergencia. El Blog vuelve con todo ese material del " Bigote Bicolor " que vale oro, es un alivio que existan sitios de culto como este..., por mi parte acá desde tiquicia les deseamos todo el éxito del mundo a nuestros colegas Blogueros que pueden visitar en esta dirección:

http://www.zonagarcia.blogspot.com

Gracias al amigo Carlos Carella por la caricatura y a los compañeros de otros Blogs, especialmente al Maestro Sandokan y a Theo.

Rockera: La historia del Rock y el Cine

(El Topo) — Sat, 09 Aug 2008 15:46:00 -0700

este interesante programa trató sobre la relación que ha existido a lo largo del tiempo entre el cine y algunas películas, el programa fue conducido por Johnny Coto y tuvo como invitado a Roberto Orozco. A lo largo del programa se puede recorres una linea de tiempo, casi literalmente desde los inicios del Rock allá por 1955 hasta mediados de los años ochenta. En el mismo se hace mencion de algunas películas como:

Blackboard Jungle ( Semilla de Maldad ) - 1955

American grafitti - 1973

Easy Rider - 1969

Midnight Cowboy - 1969
Rumble Fish - 1983

The Wall - 1982

Igualmente se realizaron una selección de temas de algunos de las bandas de sonido de estas peliculas en donde se pueden escuchar algunos temas como los siguientes:

Rock around the Clock - Bill Haley & The Comets

Hound Dog - Elvis Presley

Surfin Safari - The Beach Boys

Jhonny be Goode - Chuck Berry

Born to be Wild - SteppenWolf

Pusher - SteppenWolf

Everybody's Talkin' - Harry Nilsson

Don't Box Me In - Stewart Copeland and Stan Ridgway

Algunos de los Soundtracks de estas películas los puede descargar acá

Rumble Fish

Easy Rider

American Grafitti

parte 1

parte 2

pass: posted_first_at_chocoreve

The Wall

CD 1

CD 2

También esta el audio del programa ( el cual seguiré posteando ) para que puedan escucharlo

Descarga

Etiquetas: Rockera

Llena tu cabeza de Rock - 1983

(El Topo) — Sun, 03 Aug 2008 17:35:00 -0700

Hace unos días me aparecieron por ahi unos viejos cassetes de una recopilación con varios grupos que sonaron allá en la década en que me tocó crecer ( los 80s ), y bien, voy a empezar a tratar de rescatar esa colección y ponerla a disposición de Uds, que si bien no es rock en español ( a pesar de que recuerdo que había un programa de TV con ese nombre que era conducido por Miguel Bosé y que programaba rock en español ), me parece que a más de uno le llenó la cabeza de música, y que al final es lo que me inspira en este blog.

Debo confesar que aunque el Blog contiene material 100% en español, la música que yo solia escuchar no era solo en español, de hecho mi colección de música en inglés ( sobre todo POP y Heavy porque me declaro amante del NWOBHM y el GLAM ) llegó a ser mucho más numerosa, y por mucho, a la de música en español ( que en aquel entonces era bien dificil de conseguir ) sobretodo en este pequeño país. De momento no tengo listos los audios de este primer volumen que salió alla por el año 1983, sin embargo haré una retrospectiva de los temas de ese álbum gracias a los amigos que utilizan YouTube . Espero poder conseguir digitalizar las piezas del cassete pronto para poder compartirlas con uds.

Lado A

01- MEN AT WORK • Down Under

02- BILLY JOEL • Allentown

BILLY JOEL "Allentown"

03- TOTO • Rosanna

04- JOURNEY • Open Arms

Journey - Open Arms
Cargado por manon42

05 - SANTANA • Hold On

06- NINA HAGEN • Smack Jack

07- ADAM ANT • Goody Two Shoes

Lado B

01- ASIA • Heat Of The Moment

02- AFTER THE FIRE • Der Kommissar

03- SHAKIN' STEVENS • You Drive Me Crazy

04- SAGA • Wind Him Up

05- JUDAS PRIEST • You've Got Another Thing Comin'

06- REO SPEEDWAGON • Keep The Fire Burnin'

07- LOVERBOY • Working For The Weekend

Espero que este flashback sea aceptado por los visitantes de este blog, me gustaria también escuchar comentarios y sugerencias.

Etiquetas: Compilados, Llena tu Cabeza de Rock

Vuelve Alux Nahual y le abre Igni Ferroque

(El Topo) — Sun, 03 Aug 2008 12:58:00 -0700

Aunque no es el estilo del Blog el publicar noticias en este caso me parece que esta noticia no podía pasarse por alto. Al grupo Alux Nahual , el silencio se le volvió pesado, y andar de nuevo se le hizo necesario. La decisión de no juntarse más quedó atrás y ahora cuajan un disco para EE. UU. un documental y un concierto en Costa Rica. Alux Nahual vuelve a la vida: nunca se separaron como amigos y a esto se suma que con sus propios ojos vieron que hay quienes tienen menos edad que la banda misma y la siguen y la atesoran; a que aceptan con tolerancia la música que cada uno de los seis hace ahora, y a que, encima, la gente no para de extrañarse de que comen juntos pero no tocan juntos.

Lenín Fernández, percusionista y baterista de Alux Nahual, confirmó en una entrevista, que El Espíritu del Duende continuará activo. Tanto que confirmado está que, en este nuevo aire, vienen a dar un único concierto en Costa Rica el próximo 30 de agosto. Varios proyectos tiene el Duende entre manos. Son parte de los planes: una edición especial de un disco para los Estados Unidos y un documental que los retratará en concierto con entrevistas y mucho material anecdótico.

También le está haciendo cabeza el Duende a lo que se llamará “Una noche con los Aluxes”, donde cada miembro tocará lo nuevo que hace y mastica también lo que podría ser su celebración de los 30 años, en el 2009, con un megaconicerto sinfónico, quizás en la ciudad de Antigua, Guatemala. Este año, el grupo terminará de definir varios de los proyectos. Por lo pronto, la banda ha montado dos temas nuevos salidos del talento de Óscar Conde.

A Costa Rica, ellos vendrán con toda su descarga de temas queridos y conocidos y quizás con algo de lo nuevo que ahora maduran. Lenín Fernández habla en esta entrevista acerca de la decisión de quedarse juntos.

" Hace un par de años para Reunidos por Guatemala, el discurso fue que no había una reunión definitiva. ¿Cuál es el panorama hoy?

Reunidos por Guatemala fue un proyecto que yo escribí y lo propuse y fue muy acuerpado por los Aluxes. Al juntarse para hacer una cosa que era a beneficio de la gente a nosotros nos generó otro tipo de cosas. Cuando empezamos a ir a los viajes a los departamentos de Guatemala, yo me preocupé porque siempre hubiese un camarógrafo con nosotros con miras a hacer un documental; entonces cuando nos juntamos a ver todas esas horas de gira grabadas fue ver un fenómeno que sucedía. El dos por ciento del público era contemporáneo de nosotros, el resto era jovencitos de 16, 17, 18 años. Cantaban, gritaban y entendimos que todo el trabajo se había pasado a toda una nueva generación.

¿Y no se habían dado cuenta de eso? Muchos teníamos la esperanza de que al dar ustedes ese concierto vieran que habían traspasado sus generaciones como lo hicieron otros grandes del rock : Led Zeppelin, AC/DC, Iron Maiden.

No nos habíamos dado cuenta. Cuando presentamos el disco en vivo La historia del Duende en concierto (en el 2003), que también fue un gran proyecto, fue solo sacar un disco en vivo que se lo debíamos al público. Dimos solo dos conciertos, pero se generó una expectativa. Y la verdad, nos aburrimos de la misma pregunta de siempre: “¿y cuando se van a volver a juntar?” , “y ¿cuándo van a sacar otro disco?” y “¿cuándo, cuándo, cuándo?” De tanto cuándo uno se empieza a aburrir; eso se convierte en una carga.

Pero ¿dónde estuvo entonces el clic, el cambio de decisión?

El año pasado tuvimos una reunión y decidimos que, de ahora en adelante y hasta que los Aluxes estemos vivos, pretendemos celebrar cada aniversario. Entonces ya el público no nos tiene que preguntar “¿cuándo se vuelven a juntar?”. Ahora ya saben que cada año se celebra el aniversario de Alux. El otro año son los 30 años y Paulo Alvarado (chelo) ya empezó a hacer los arreglos para un concierto con una sinfónica, son 40 músicos. Ese es el proyecto de los 30 años, un Alux con sinfónica.

Entiendo ¿y entonces cuándo se da el cambio de decisión?

Contestándote a tu pregunta. Las cosas han cambiado desde la decisión de dejar de tocar, que fue hace seis años y cuatro años que estuvimos sin tocar definitivamente. La gente nos miraba en lugares públicos y decía “¿cómo es posible que estos anden juntos por ahí , comen juntos, se le ven juntos? ¿Por qué no quieren tocar?”. Entonces la gente recriminaba eso, y decían “algo pasa”. Y uno tenía que explicar: “Nuestro divorcio es artístico, no de amigos”. Porque cuando entre los músicos no hay un entendimiento artístico lo más sano es decir: “seamos honestos y no salgamos a dar la cara como que estamos felices tocando porque no es así”. Como amigos siempre nos juntamos; cada año, tenemos nuestro convivio navideño en lugares públicos o en las casas de alguno de nosotros.

Entonces ¿es correcto afirmar que Alux Nahual no paró, que ahora sigue junto?

Bueno, por cuatro años no tocamos y eso fue lo que a la gente le dejó ese vacío. Que ya habíamos anunciado nuestra retirada pero nos veían juntos en todos lados. Es que cuando a una banda ya no la ves la gente dice: “sí, ya definitivamente esa banda se separó”, Incluso hubo periodistas en Guatemala que trataron de decir que había habido alguna discordia que tenían que descubrir.

Ustedes fueron muy claros cuando la banda paró dijeron que se seguían teniendo afecto pero que no coincidían en lo musical. Ya en esa época Álvaro Aguilar desarrollaba un poco su Tren de Luz, vos estabas ya metido en la música étnica, que otro andaba ya explorando en el world music ... Ahora, cuando se juntaron para Reunidos por Guatemala también fueron claros en eso de que se juntaban por el bien social del proyecto y que no estaban seguros que iba a pasar. Tu estás afuera y describes a Alux al pie de la letra; nosotros no lo teníamos tan claro. Dentro de esa descripción hay un detalle, que todos hemos hecho cosas juntos para los proyectos de los demás; pero Óscar Conde ha estado trabajando más como compositor y casi nunca la gente lo ve.

“Óscar Conde está haciendo una música increíble y nos encantó y, entonces, decidimos montar dos temas nuevos. Dimos tres conciertos en Guatemala el año pasado y el público reaccionó de forma impresionante. El público estaba loco. Entonces, a mí se me ocurrió hacer “Una noche con los Aluxes”, donde montaremos temas nuevos de lo que cada uno hace.

Es que si cuando eran Alux Nahual lo que hacían era sumar las tendencias de cada uno, ¿por qué no pueden hacer lo mismo ahora?

Por eso y es que aquí lo que está pasando es que esto (Alux) tomó una fuerza increíble. No lo podés parar, se da por automático. Óscar hizo una fiesta de cumpleaños y ya habíamos llegado todos los Aluxes y él aprovechó para mostrarnos cosas nuevas y nos impresionamos.

En estas ganas de continuar como Alux, ¿qué tanto es decisión orgánica de Alux y qué tanto es la presión de que el público los extraña?

Es una buena pregunta. Es equitativo. Es como 50 % y 50 %. Adonde vas la gente te pregunta y sientes un feedback . Mucho tiene que ver con que cuando nos subimos al escenario a hacer música como Alux Nahual... Venir a Costa Rica es algo importante para nosotros.

Sobre este concierto estos son los datos de interes

Día: sábado 30 de agosto. Lugar: Centro de Convenciones Torre Geko, Real Cariari. Hora: Desde las 5 p. m. con Igni Ferroque abriendo el concierto ( confirmado por Roberto Ferroque para este Blog ) .

Entradas: ¢30.000 (VIP con mesas, sillas y atención en el lugar) y ¢15.000 (general). A la venta: Todas las tiendas de discos Vértigo. Las entradas estarán disponibles a partir del viernes 25 de julio.

Recordemos que la ultima formación de Igni Ferroque estaba compuesta por Roberto Ferroque y Brett Harter en las guitarras, Fernando Alvarado en la batería, Bárbara Cuello voz principal y Alberto (Shao-lin) Durán en el bajo. Para mi sería un gran gusto volver a ver a estos dos gigantes del Rock Centroamericano en un mismo escenario, muy bien escogido el grupo que compartirá con Alux, porque a decir verdad no es a cualquiera que le corresponde este dificil trabajo.

Igni Ferroque en concierto

Videos Alux en concierto

Alux Nahual - Lo que siento por ti

Alux Nahual - La Fabula del Grillo y el Mar

Gracias a Roberto Ruiz y Ana María Parra por la info para el post

Etiquetas: Alux Nahual, Igni Ferroque

Juntos por Chiapas - 1997

(El Topo) — Mon, 28 Jul 2008 14:43:00 -0700

Este disco los compre allá por 1997 y tiene varios puntos que me parecieron interesantes y que incidieron a comprarlo, contribuir con la causa de la lucha por la igualdad de los pueblos indígenas, a pesar de que no comparto los métodos empleados por el EZLN ( probablemente en este país en donde nos conocemos el ejercito se nos hace imposible de entender la importancia o justificacion de una guerrilla por un asunto de plena ignorancia ), además de la union de dos países en esta causa ( al menos por parte de sus artistas ) en este Caso Argentina y México y finalmente que algunas de las versiones que el CD contiene podrian ser catalogadas como rarezas. De esta forma me decidí a comprarlo me parece que en Music-Box que pertenecìa a Alberto ( un Argentino radicado en Costa Rica al que le debo bastante más que mi agradecimiento, por permitir que a este país llegara alguna música de difícil difusión ) ubicada ern el Mall - San Pedro.

Es así que el disco contiene algunos materiales de Café Tacuba, El Tri, La Maldita Vecindad y los hijos del 5o Patio ( grupos de Mñexico ), Divididos, Illya Kuryaki & The Valderramas, Andrés Calamaro, León Gieco, Los Guarros ( el grupo de Javier Calamaro ), Fito Páez, Charly García, Mercedes Sossa ( desde Argentina ), Los Tres ( Chile ), Paralamas ( Brasil ).

Durante los primeros años del Gobierno de Raúl Salinas, al rock mexicano le ocurrió como a la ingrata aquella con altos vuelos aristocráticas, a quien reclamaba José Alfredo: "Tú pa'bajo no sabes mirar"; hasta que en 1994 surgió el Subcomandante Marcos y, parafraseando al cubano Carlitos Puebla, el Sup tal ceguera neoliberal "mandó parar". El sur no existía y Marcos lo ingresó al mapa mundi de la injusticia. Fue así que el Movimiento Zapatista y la crisis política en México que se vivió en los primeros años de insurgencia del EZLN motivó a la comunidad artística a unirse por la causa, particuylarmente el músico Guillermo Briseño se comprometió hondamente con el movimiento y fundó una ONG, llamada “Serpiente Sobre Ruedas A.C.” para reunir recursos para las comunidades indígenas.

La organización de rocanroleros tampoco y la revolución zapatista chiapaneca ofreció motivos de reflexión y unidad a tres generaciones musicales. Así nació en 1995 el Festival 12 Serpiente y la organización Serpiente Sobre Ruedas, ayuda roquera a comunidades indígenas chiapanecas, apadrinada por el tecladista y compositor Guillermo Briseño. Chiapas es un CD a beneficio que sacaron varios artistas latinoamericanos con el fin de recaudar fondos para "Chiapas". En dicho disco se incluyó “Navegar” autoría de Briseño, tema que se convertiría en el himno de “La Serpiente sobre ruedas A.C.”, “Navegar” contó con la participación de Paco Barrios, Armando Vega Gil, Fratta, entre otros músicos y roqueros, pero, tanto Culebra como Milán sucumbieron ante la imponente necesidad mercantil de la industria discográfica, la cual no tardó en volver la espalda a los artistas para endiosar adolescentes tocando música para adolecer.

En este proyecto, que duró más de un año de trabajo, participó como reseñé un nutrido grupo de bandas de Latinoamérica. Cada uno de estos artistas grabó su tema por su cuenta, para luego formar parte del CD. Por eso en este disco hay grabaciones hechas en Madrid, Los Angeles, Ciudad de México, Buenos Aires, Santiago de Chile y Porto Alegre. Javier Calamaro, productor y cantante de Los Guarros, fue el primero en "dar ejemplo" grabando su tema "Alabada sea la sangre latina". A partir de allí comienza la tarea de poner de acuerdo a todas estas agrupaciones musicales y tanta gente en torno a este proyecto para que el disco finalmente se editara.

El CD incluye 15 temas originales, especialmente creados para este disco, en el que hay rock, folclore, blues, conviviendo armónicamente en un mismo CD. Todas las canciones hablan de paz, de igualdad, de amor, de dolor, de la vida, en fin, de Chiapas.

Para hacer posible este encuentro, aunque a distancia, por Chiapas, hubo que conseguir que las casas disqueras cedieran el copyright de sus artistas, para que pudiesen aparecer juntos en esta grabación. Todo el dinero que ha generado este proyecto ha sido destinado a Serpiente Sobre Ruedas, en México, organización que se ha encargado de hacer llegar esa ayuda al pueblo de Chiapas.

Particularmente regreso a mi memoria por la pieza “ Soy quien no ha de morir jamás “ que en un inicio me llamó la atención que no se incluia en ninguno de los discos de Divididos ( uno de mis grupos favoritos y del cual tengo toda la discografia ), hace unos 4 años descubrí que el tema es de Omar Mollo, el hermano de Ricardo, y fue grabado originalmente por MAM.

Igual la versión de fuerte Apache de Fito Páez, no aparece en ninguna placa de este y aca en Costa Rica lo pude escuchar en vivo en el Palacio de los Deportes alla por el 97.

El señor Durito de León gieco se incluye en su disco “ Orozco “ de 1997, sin embargo me parece que el CD de Chiapas salió primero que este.

Tambien cabe mencionar que en “ La Dignidad Rebelde “, se puede escuchar la voz del Sub-comandante Marcos.

Hay frases ante las que no se puede evitar la reflexión:

"...mientras alguien proponga muerte sobre esta tierra y se fabriquen armas para la guerra, yo pisaré estos campos sobreviviendo. Tristes y errantes hombres sobreviviendo, sobreviviendo." (Mercedes Sosa).

"...él va observando miradas de miedo, ella la luna vigila su andar. Cruzando están la tormenta. El canta una canción para alegrar su andar, ella camina siguiendo a su corazón..." (La maldita vecindad).

"...la vida es una cárcel con las puertas abiertas..." (Andrés Calamaro).

"...la obediencia puso un punto y ese punto fue un indulto, y vivir entre asesinos no es para mí..." (Fito Páez)

Videos

Juntos por Chiapas. (ladignidadrebelde - elsub)

Cafe tacuba - Flores de color de la mentira

Sub Comandante Marcos y Durito en la Lacandona

Media Verónica - Andrés calamaro

Los Guarros - Alabada, sea la Sangre Latina, vivo

"Epidemia" - Alex Lora "El Tri"

Charly Garcia - Desarma Y Sangra en vivo

flores secas......los tres

Mercedes Sosa - SOBREVIVIENDO

Descarga

Rapidshare

Zshare

Badongo

Megaupload

Enlaces de interesantes y mi agradecimiento

Museo del Rock Hispanoamericano

Alberto Ponce

Etiquetas: Juntos por Chiapas

Cambios en el Blog

(El Topo) — Thu, 24 Jul 2008 13:16:00 -0700

En días pasados me contactó Johnny Coto Cerdas, productor de Rockera, un interesante programa sobre la historia del rock que pasa los miércoles a las 19:00 por medio de 101.9 FM ( Radio U Juvenil )

A partir de este hecho y del contacto que mantengo con varias personas por medio del ciberespacio y atendiendo a un interés personal el blog continuará su linea Biógrafica sobre todo con grupos de Rock en Español ( lo que no ofue originalmente el objetivo del mismo ), pero tambien se abrirá a otras áreas, especialmente sobre cine, arte, y música Rock tambien en inglés, eso si, siempre manteniendo la línea de que aquellos que aparezcan en él, lo haran por haber estado presentes en mi cabeza y que me han llenado la misma con música o alguna otras de las artes que disfruto.

No pensé el alcance que iba a tener este proyecto y me parece que es hora de nutrirlo con nuevos temas, materiales y vivencias, espero que aquellos que ya son visitantes frecuentes del Blog ( entre un 50 % y un 75% de las visitas son visitantes que llegan directamente ) sigan haciéndolo, mentras tenga el tiempo ( que es poco ultimamente ) para mantener vivo el " Blog del Topo " lo seguiré haciendo con mucho cariño. ), el motivo era que estaba por realizar un programa especial con Henry D`arias, sobre su trayectoria con grupos como: La Clase, Indigo y Tribal, así que Jhonny solicito mi permiso para utilizar el material de Indigo que tiene el Blog. Sobre este hecho, resultó en que el objetivo de " Compartir mi Música " y " Compilar la Historia de la Música Rock " se esta cumpliendo, lo que resulta en un orgullo y satisfacción acerca de mi trabajo.

Suéter

(El Topo) — Sat, 12 Jul 2008 15:11:00 -0700

Formación:

Miguel Zavaleta: teclados y voz
Daniel Colombres: batería
Gustavo Dones: bajo
Eduardo Rogatti: guitarra
Jorge Minissale: guitarra
Juan Del Barrio: teclados

Durante los 70’s, Miguel Zavaleta supo ponerle el cuerpo al under porteño y, de esa manera, ganarse un espacio en una generación que años más tarde marcaría el camino del nuevo rock Argentino. Luego de realizar algunas presentaciones y grabar un álbum (Anabelas en 1978) con el delirante grupo Bubú, Zavaleta parte hacia Europa huyendo de la dictadura militar y aprovecha para ponerse al tanto de las nuevas tendencias musicales que estaban surgiendo en el viejo continente. A su vuelta, hacia el año 1982, Zavaleta funda Suéter con la intención de volcar en canciones todos los sonidos modernos que había descubierto en Europa. Por entonces la joven banda se presentaba en diversos pubs con el apoyo de Claudia Puyó, Celsa Mel Gowland y Fabiana Cantilo en los coros. Luego se da la incorporación de Juan del Barrio en los teclados y el ingreso de Gustavo Donés en reemplazo de Folino grabaron el primer disco, el cual pasó relativamente desapercibido. Este disco se iba a llamar “La reserva moral de occidente”, con David Lebón en carácter de invitado estelar, el trabajo modifica la intención inicial, que era elaborar un material vinculado a la new wave, para abarcar otros sonidos ligados al rock sinfónico o el jazz rock. Mezclando baladas sentidas (“Su única diferencia”) y canciones de corte humorístico (“Métodos para seducir mujeres”), el debut discográfico de Suéter tuvo una tibia recepción por parte del gran público. Sin embargo, hoy es considerado como el mejor trabajo del grupo. Luego del bautismo de fuego que significó abrir un show de Charly García en el Estadio de Ferrocarril Oeste, los Suéter comienzan a preparar los demos de su segundo disco, la cual llegaría en 1984 bajo el nombre de Lluvia de Gallinas.

Sobre la salida de este primer disco y el origen del nombre de la banda Zavaleta comenta: "Queríamos un nombre que sonara muy canchero, muy inglés pero que a la vez fuera algo Argentino... y Suéter es algo que todos los días usamos, es inglés y es muy Argentino a su vez, entonces sonaba como inglés pero era Argentino. El primer Suéter Nace en el año 82, con la banda que reúno y nos ponemos a componer y la verdad que en ese momento fue considerado un disco muy raro, salvo para nosotros que considerábamos que era un disco con muchas melodías y nos gustaba mucho y lamentablemente salió, y tardó un año en pegar, y cuando el disco pegó nosotros estábamos haciendo otra onda y me quería matar!!.... pero bueno, así son las cosas. Hay música que gusta al instante y otra que necesita un tiempo, este fue el caso de una música que necesitó mucho tiempo para gustar y cuando gustó ya estábamos en otra".

Ya sin resabios de la música progresiva de los 70’s, la nueva criatura de Suéter se delineaba como un disco de corte netamente pop. Así, la banda logra su primeros hits radiales de la mano de “Amanece en la ruta” y “Mamá, planchame la camisa”, y comienza a recorrer el camino de la popularidad. Para ésta época Zavalenta comenta: “ A la hora de componer "De las tres cosas, creo que la que más me puede influenciar es una noticia, trato de no escribir de mí, no entiendo muy bien a los escritores que están todo el tiempo hablando de ellos como Charly o Andrés, por que en el fondo tampoco hablan de ellos; O sea se ponen ellos en primera persona y cuentan historias que quizás nunca le sucedieron, no esta mal pero a mi no me nace hacer eso, a mí me gusta más imaginarme una historia de alguien que puedo ser yo o puede ser Minguicho. Por eso una noticia me puede dar más el tema, no me gusta ponerme: Hoy estoy triste, por que te... Tampoco me gusta hablar de amor, por que me parece que cuando uno no tiene de que hablar Habla de amor. O habla de: Vos que te fuiste, volve... da la vuelta... tómatelas. Me parece todo en el fondo una careteada, por que no saben de que hablar y, hablan de amor".

"Amanece en la ruta" "Es una historia totalmente imaginada, lo único real que tiene es que se la dediqué a un primo hermano mío, que era como un hermano por que vivía conmigo desde que yo era chico, que murió en un accidente de auto, pero lo demás es todo fantasía"

“ Grabado en estudios Panda entre febrero y abril de 1984 Foto Hilda Lizarazu Diseño grafico: Carlos Masoch Producción: Sueter y Daniel Grinbank para DG discos. En este disco Claudio Loza se hace cargo de la batería tomando el lugar del "negro" Colombres y Juan del Barrio aparece solamente como invitado con el sintetizador, en dos temas "Manifestación de escépticos" de M. Zavaleta y J. Minissale, (tema dedicado al arquero de Boca Júnior Hugo O. Gatti) y "Alguien puede haberlos convencido" de los mismos autores. Otros invitados: Rene Grecco: Emulator Pablo Rodríguez: saxos Pollo Ratto: Arreglos de vientos, sintetizador Hilda Lizarazu: Coros Quique Berro: Guitarras
La polularidad al fin la consiuguen con 20 Caras Bonitas (1984). Con la producción de Charly García, el tercer álbum aterrizaba para consolidar la propuesta de Suéter y confirmar a Zavaleta como un compositor de calidad.

A pesar de el éxito, el disco no tuvo una buena recepción al principio, fue algunos meses más tarde, y gracias a la controversia generada a partir de la nueva ley de divorcio que Suéter llega a su punto más alto de popularidad cuando comienza a difundirse con insistencia “Vía México”, una canción que trataba dicha problemática. Aprovechando el envión, la banda realiza su primer concierto importante en la discoteca Paladium, donde presentan oficialmente 20 Caras Bonitas.

Es para el año 1986 con la misma formación que en el disco anterior que sale "20 caras bonitas", para este disco loa músicos invitados fueron : Alejandro Desilvestre Alejandro Dones Fabián Vön Quintiero Ricky Olarte Charly García:Teclados y voces. Programación. Percusión. Producción artística. Arreglos: Sueter.

El disco fue Grabado en estudios ION por Roberto Fernández. Mezclado en estudios Panda por Charly García y Mario Breuer, Fotografía : Hilda Lizarazu Arte y diseño: Carlos Masoch.

"La verdad que gustaba mucho "elefantes en el techo" estuvo primero en otros países inclusive, "Vía Méjico", "El anda diciendo", todo me gusta bastante y para mí es un honor que sigan pidiendo esas canciones, pero a esta altura no haría de vuelta esa música, yo ahora estoy haciendo otra música, pero en su momento, la verdad que me dieron muchas satisfacciones. “ decía Zavaleta en 1988. Cuando el medio rockero esperaba que Suéter realice un cuarto disco que los consolide definitivamente como grupo masivo, Zavaleta toma la tangente y se embarca en una opera rock. Si bien el álbum contaba con momentos musicales interesantes, el ambicioso proyecto editado bajo el nombre de Misión Ciudadano Uno, significo un suicidio comercial para Zavaleta y cía.

"La persona que me contrató en ese momento (un productor de una multinacional), lo que pienso es que el tipo se mandó una tramoya rara donde el tipo me compró el máster, seguro que él le paso por su lado a la discográfica tres veces mas, me dio un poco y me dejo tirado ahí. Luego lo que es peor y que nunca se lo voy a perdonar a ese ejecutivo me dejo sin difusión, (con un disco que en realidad era el sueño de toda mi vida hacerlo, por que a mi me encanta, y mucho de lo que hice antes fue para poder hacer ese disco el cuarto de Suéter, "Misión ciudadano I") si no que no me devolvió el contrato durante mas de dos años y medio con lo cual no solo mi carrera si no que toda mi vida, se fue al tacho". - recuerda Miguel Zavaleta

Para este disco de la formación original quedan Miguel Zavaleta y Gustavo Dones, suman a José Luis Asaresi en las guitarras y coros. Jorge Minissale es invitado en coros junto a "Geisha", Altamirano. Otros Invitados son: Daniel Avila Batería en "despegue glorioso" y "Extraños sucesos protagonizados por un vecino extraño" Cristian Judurcha: Batería en "Antes de que explote mi planeta" y "Vladimir Soplanuk". Claudio Venier: Batería en "Ciudadano ilustre", "Polvo estelar" y percusión en "Antes de que explote mi planeta" Daniel Winograd: programacion. Este disco fue producido porMario Altamirano y Grabado en Estudios Buenos Aires Records entre Julio al y Septiembre de 1987. A partir de aquí, Suéter comienza a desaparecer lentamente y finalmente se disuelve. Con una formación totalmente nueva, en 1994 el grupo regresa para grabar Sueter 5, una placa en la cual participan como invitados Andrés Calamaro, Hilda Lizarazu y Fabiana Cantilo. Este disco también contiene la versión definitiva de “Extraño Ser”, composición de 1984 que tocaba Zavaleta con su banda paralela, Los Proxenetas Prófugos, y que en 1989 popularizara ManRay en su debut discográfico. A pesar de estos ingredientes, el panorama musical vernáculo había cambiado totalmente y la banda no encontró espacio para mostrar su propuesta.

En 1987, Zavaleta abandonó la banda para intentar una carera solista y estudiar piano y composición sin mucho éxito. Los restantes grabaron un disco en 1995 (con Diego Chorno (teclados, guitarra y coros), Silvio Furmansky (guitarra), Jorge Alvarez (batería) y Daniel Castro (bajo), luego reemplazado por Laura Gómez Palma), en el cual resalta la producción artística y ejecutiva del grupo La Ley.

Los Suéter se volvieron a reunir en el 2003 (con Juan del Barrio, Jorge Alvarez (batería), Jorge Minissale (guitarra y voces) y Gustavo Donés (bajo y voces), graban un simple y dan varios shows en algunos locales.

El 8 de diciembre del 2007, falleció Gustavo Donés quien venía padeciendo desde hace un tiempo un cáncer fulminante de huesos, y lo mantenía en una silla de ruedas. Donés tuvo una amplia trayectoria (entre otros, fue parte como integrante o como banda de apoyo de: Pastoral, Los hermanos Makaroff, Merlín, Comida China, Claudia Puyo, Fito Paez, German Burgos, Gabriel Maccioco, Lautaro Brenes y Juan del Barrio) , pero sin lugar a dudas, todos lo recordaremos en Suéter donde su estilo se aprecia, especialmente, en el solo que abre el tema "Amanece en la ruta", uno de los temas mas exitosos de la banda.

Discografia

Suéter ( La Reserva Moral de Occidente) , 1982

Lluvia de gallinas, 1984

20 caras bonitas, 1985

Misión ciudadano I, 1987

Sueter 5, 1995

Amanece en la ruta (simple), 2003

En vivo en el Sullivans Pub, 2003

CD1

CD2

Videos

"Via Mexico" - SUETER -

Sueter - Amanece en la ruta

Jugo de Tomate Frio - SUETER (1985)

EXTRAÑO SER-SUETER

Mis Agradecimientos y fuentes de información:

Jean Luc Picard

Selba Nucni

Los Salieris de Freddy

al amigo Work73, colaborador del Blog de Horacio R Biografía de Suéter El Blog de Silvio Soler

Etiquetas: Suéter

MAM y Omar Mollo ( mas que sangre... un sonido que aplasta )

(El Topo) — Fri, 11 Jul 2008 15:46:00 -0700

Formación original

Omar Mollo ( guitarras y voz )
Ricardo Mollo ( guitarras )
Raúl Lagos ( bajo y voz )
Juan Domingo Rodríguez ( batería )

Omar Mollo nace el 21 de Setiembre de 1950, en la Ciudad de Pergamino, a unos 200 Km de Buenos Aires, desde los cinco años empezó a tocar la guitarra. “ A los 14 descubrí el rock, pero nunca abandoné el tango, aunque atravesé épocas de "enfado" con la música. Mi problema es que no valoraba mi arte. “

El lugar de Omar Mollo como miembro de la banda MAM es, al mismo tiempo, pasado y presente. Fue por alla de 1973, que junto a su hermano Ricardo, Omar integró el proyecto Mente, Alma y Muñeco – el significado original de la sigla–, y esos principios entre existenciales y humanistas son los que el guitarrista señala como ejes del sonido y la esencia de este rock. “Es fundamental reunir condiciones musicales pero también humanas para encender esa luz”, reflexiona Omar.

Desde los cinco años, cuando su mamá le puso una guitarra en las manos, Omar se transformó en una versión masculina y precoz de Soledad: zapateo, baile y canto telúrico lo hacían atracción allá en su Pergamino natal. A los seis ya lideraba un grupo (Los romanceros de Achalay) y amigos de la familia lo llevaban de pueblo en pueblo. Ni el incendio que terminó con la zapatería de los Mollo, obligándolos a radicarse en Buenos Aires, pudo con una vocación que terminó coronándolo paladín del folclore en audiciones radiales y televisivas, planeando luego un grupo tropical, yendo con Ricardo a cantar a Grandes Valores del Tango. ¨Mi viejo me vió en la tele y se recopó : Ahora tenés que cantar tangos!. Y yo, de puro contrera, me dejé crecer las chapas y me pasé al rock¨ apura el recuerdo Omar.

A los 14 años, mientras Omar hacía la colimba, Ricardo armó el primer trío de su vida, Marma. Duró lo que tardó en reincorporarse a la vida civil su hermano, a quien siguió en el proyecto que los mantendría unidos por diez años. ¨El loco se había hecho vegetariano, parecía el Gurú Maharishi. Y jodía todo el tiempo con que estábamos compuestos por una Mente, un Alma y un Muñeco: MAM¨. Un concepto eterno porque...¿A quién sino a ellos se les va a ocurrir bautizar a todas sus hijas como MAM?. ( María Azul Mollo y Martina Aldabel Mollo (Ricardo) y Maia Aylem Mollo y Melisa Alejandra Mollo (Omar) )

“El sonido de los 70 era grosso; salía de la mano, de la púa, de la actitud; era una cuestión mística”. A pesar de no haber llegado al disco durante su primera vida, en los 70, MAM –que también tuvo a Diego Arnedo en sus filas– supo ganar status de banda de culto.

"Si no te gusta estudiar vas a venir conmigo a la fábrica...cómo este no vas a salir¨. La periódica advertencia de don Alejandro Pascual Mollo iba dirigida a Ricardo, su hijo menor y tenía como sujeto a su primogénito Omar, la oveja descarriada de la familia. Y es que antes que aprender a sumar o a dividir, el niño Ricardo quería tocar la guitarra todo el día y que la gente se enamore de sus dedos. En fin, recorrer un camino distinto al de su padre (zapatero) e idéntico al de su hermano (rockero).

"Omar ya tenía sus grupos y cuando se iba yo empezaba a practicar con la guitarra" "No queríamos firmar ningún contrato porque no queríamos que se entrometieran en nuestra visión de la música" "Eramos una mezcla de Focus y Deep Purple: rock sinfónico con guitarras reemplazando a los teclados" Dicen (ellos) que pesar de las ofertas de productores como Jorge Alvarez y Daniel Grinbank, la actitud de MAM era la intransigencia.

¨Una tarde pongo Domingos para la Juventud y los veo a ellos, haciendo un montón de ruido mientras el operador de cámaras los ponía en negativo. Era una cosa demoníaca. Y eran mis vecinos. Yo era un pibito y en lugar de tener los referentes comunes (el bombero, el policía, el dentista) yo los tenía a ellos¨. Así hablaba Ricardo Iorio, luego líder de V8, Hermética y Almafuerte, quien fue testigo de una de las tres o cuatro veces por año que MAM se dignaba a salir de su sala de El Palomar y mostrar lo suyo. Tan impactantes resultaban sus shows que, de a uno en fondo, productores como Oscar López, Jorge Alvarez y Daniel Grinbank se vinieron del centro al oeste para escuchar y luego ofertar propuestas que el cuarteto (los Mollo en guitarras, Juan Rodríguez en batería y Raul Lagos en bajo) desestimaba. El rock and roll elaborado de MAM, antecedente jurásico de Divididos, se quedó entonces fuera del vinilo y dentro de los límites del mito. ¿Hitos?. Una aparición dentro de una maratón de bandas en un ciclo intitulado ¨Cinco horas de rock¨ en el Luna Park llamado Cinco horas de rock (junto a Moris, Nebbia, Porchetto) y el primer y único sho la única presentación de un grupo de rock en el legendario Teatro El Nacional.

¨Habia huelga de coristas y se nos ocurrió alquilarlo. Se mezclaron un montón de rockeros roñosos con tipos re-fifí...Estuvo bárbaro!¨ se ríen los hermanos seis-cuerdas. A fines de los 70 comienzan a delinearse los caminos que recorrerán de ahí en más: mientras Diego Arnedo entra a tocar el bajo, Omar Mollo transforma un fin de semana de vacaciones en Brasil en seis meses de autoexilio. A su regreso, la banda retoma los ensayos y en 1982 se desarma sin pena ni gloria.

Para entonces, descompuesto MAM, Ricardo comenzó a tocar en Sumo y luego de la muerte de Luca Prodan, formó Divididos.

¨Me gustaba mucho el carisma de Luca al frente de Sumo. No era un buen cantante, pero tenía una presencia que aplanaba. Divididos se puede decir que adquirió personalidad en los últimos años...Mi hermano, cuando murió Luca, se hizo Luca: no porque lo quisiera imitar, sino por el peso que tenía encima. A él nunca le gustó ser cantante, siempre le interesó la viola. Soy el principal testigo para decir que a los 17 años tocaba cinco veces más que ahora¨. Omar Mollo se toma con autoridad la licencia para repasar la exitosa trayectoria de su hermano, casi un negativo de la suya. Sobre el escenario, en cambio, dondequiera que toque MAM, sus seis cuerdas se duplican con las de Ricardo, cuarto integrante honorario de este regreso. A la hora del balance, siente que la leyenda de ¨estrella frustrada¨ de Omar no invalida lo que pueda hacer de aquí en más. ¨ Si yo hubiera tenido la suerte de grabar con MAM, hoy no podría llamarse así. Todos los que quisieron volver con el mismo nombre no pudieron. A mi no me conoce nadie, yo tuve la suerte de que no haya pasado nada porque no quisimos. Era un enfermo de los ensayos: iba tres o cuatro horas antes, pasaba la aspiradora, prendía sahumerios. Toda mi vida fue un ensayo. Es hora de que pele algo¨. Lo dice el hermano mayor. El menor, baja la vista y asiente en silencio.

Casi veinte años pasaron y luego de algunas participaciones de Omar Mollo en algún que otro proyecto con su hermano Ricardo en álbumes de compilaciones decidió rearmar MAM. Junto a Omar (guitarra, voz y coros), participaron Catriel Ciavarella (batería) y Sebastián Villegas (bajo).
La identidad de MAM en esta segunda etapa intenta recuperar ese sentimiento místico que Omar había perdido durante los doce años que pasó sin ni siquiera acercarse a una guitarra:

“Me puse en contacto con violas y equipos, y traté de volver a las fuentes, a lo que en aquella época respetábamos. El sonido limpio del amplificador, sin meterle montones de pedales, por ejemplo. Cuanto más limpio, más pega, es más potente. Si ensuciás mucho el sonido, se vuelve embrollado, sintetizado. Es un error estar más preocupado por la marca del equipo que por aprender más acordes, más tonos. Podría lucir como una visión conservadora, pero el mayor de los Mollo prefiere destacar que el problema está en la dificultad de acceder a ese componente místico humano.

"Toqué con mucha gente y diferentes nombres. Con Ricardo habíamos quedado que si no estábamos juntos nada se podría llamar MAM. Hasta que me dijo: Dejate de joder y ponele así. Y así fue", admite Omar que, junto a Sebastián Villegas (bajo), Catriel Ciavarella (batería) y con producción de Ricardo, grabó en 1999, Opción su album debut que lleva el nombre de un viejo tema de los MAM.

"La otra vez Spinetta me preguntó por vos y le dije que habías armado de vuelta MAM", tira Mollo chico. "¿Y qué te dijo?", pregunta el más grande. "Uh, boludo, nos vamos a quedar sin laburo todos".

En marzo de 2004 Diego Ceccato reemplazó a Alejandro Rodríguez en la batería, y luego fue reemplazado por Nicolás Cotton. Con esa formación editaron "Lo ves", su segundo disco, a fines del 2005.

Omar desde hace unos años incursionó en el tango siendo uno de los intérprete masculino que ha conseguido sumar al tango a un público de jóvenes que el tango había perdido. Su carrera tanguera es reconocida por sus pares y al público, realizando continuadas presentaciones, en Buenos Aires, el interior del país y el exterior, conciliando así a los tangueros ortodoxos con los jóvenes Ha compartido escenarios con Adriana Varela, Rubén Juárez, Lito Vitale, Javier Malosetti, Beba Pugluiese, Raul Lavie, Maria Graña, Lidia Borda, Orquesta Color Tango, entre otros. También es un invitado permanente de las grandes bandas del rock Argentino (Los Piojos y Bersuit) a cantar Tango. En Diciembre del 2003 ND Ateneo (Nueva Dirección en la Cultura), edita Omar Mollo Tango, disco que le valió "Premio Gardel a la Música" como mejor Artista de Tango. A Partir de allí realizó varias presentaciones en el teatro ND Ateneo, en las ediciones del Festival Internacional de Tango de Buenos Aires, Festival de Tango de Bariloche, Festival de Tango de la Falda, Festival de Tango y Folklore de Baradero, Cosquin Rock (Siendo un precedente de hacer tango clásicos en un Festival de Rock), Teatros del interior como el Real, Sala Lavarden, Teatro Regio, Torcuato Tasso, Teatro San Martin, La Revuelta. En Septiembre del 2004 realizo una gira por Holanda presentándose en el Aude Kerk y el Panama Theatre, entre otros. En Febrero del 2005 en el 31º Festival de Tango y Folklore se le otorgo el premio "Consagración 2005". Fines de febrero 2005 comienza a grabar su nuevo trabajo bajo la dirección musical de Carlos Buono sexteto y editado por ND Ateneo. Para Mayo del 2005 se presenta en Bélgica, Holanda y España .Omar Mollo es un artista multifacético que no solo canta sino que también toca guitarra y que puede transitar el tango y también el Rock con su banda M.A.M. (Mente Alma Materia) cautivando con su carisma y modo particular de "decir" el tango, con el alma.

Discografía

Opción – 1999

Lo ves - 2005

Videos Omar MolloOmar Mollo y la banda de los sueños - Los ejes de mi carreta

Omar Mollo

Los piojos YIRA-YIRA con omar mollo

Fuentes de informacion y mi agradecimientoRebelde

Rosario Noticias

Suplemento Joven de Página 12

Rock.com.ar

Faro de Vigo

La casa del Rock Naciente

Los Inconseguibles del Rock Argentino

El Arcón de los Recuerdos

Etiquetas: MAM, Omar Mollo

El samóvar de Rasputín - 1995

(El Topo) — Sun, 22 Jun 2008 23:33:00 -0700

No es mi estilo el postear discos, sin embargo este deseo compartirlo con Uds. por dos razones que considero de peso.

El CD lo compré alla por el año 95 o 96, nunca supe cuando se editó, pero la mayoria de los temas se grabaron en el año 94. Es bastante dificil en nuestro país encontrar personas que tengan acceso a este tipo de musica, por aquel entonces mi Amigo Charly y yo frecuentábamos casi semanalmente un puesto de discos de Alberto, un amigo Argentino radicado acá en CR al cual no veo desde el concierto de Fito acá en el 96, gracias a los gustos de Alberto es que teniamos como traer estas rarezas desde Argentina, recuerdo un día en que mi amigo Charly se llevo algo asi como 10 CDs de Spinetta....y yo me llevé en otra ocasión 5 discos de SUMO.

Siempre me ha gustado el blues y tengo por ahi un par de harmonicas que nunca termine de aprender a usar y que ahora las disfrutan mis hijos, fue así como me llamo la atención este disco. Al leer la lista de temas, recuerdo que me llamó la atención que entre los artistas estaba el nombre de Jorge Pinchevsky, a quien conocía de su trayectoria en la Cofradía de la Flor Solar y luego como parte del mítico grupo la Pesada del Rock and Roll, tambien del guitarrista Gabriel Carámbula a quien conocía por su trabajo con Fabiana Cantilo y los Perros Calientes y como guitarra de Fito Páez, eso fue lo que originalmente me despertó el interés por el CD que terminé llevandolo a casa y se convirtió en la música de fondo para los bacanales que armábamos en los tiempos de Univesidad.

La otra razón es que este disco no lo he visto en ningún otro sitio de esos que pululan en estos tiempos, por lo cual lo considero fuera de catálogo y me parece que es una pieza de colección, además de que representa un documento de valor casi histórico de uno de los bares de más importancia en el movimiento Blues.

El pasado 21 de Junio se cumplieron 5 años de la trágica partida de Pinchevsky luego del fatal accidente en donde fue arroyado por una bicicleta y es por esto que deseo hacer este pequeño homenaje a tan importante músico, espero lo disfruten

Temas

01 - Desastre

02 - Killing Floor

03 - Life Goes On

04 - Virus Criminal

05 - Tal Vez en Diciembre

06 - Estaño de Bar

07 - Little Red Rooster

08 - Tengo un Blues

09 - Si Estás Cansado

10 - Black Rat

11 - Dodge '73

12 - Ella lo Sabe

13 - Double Crossing Time

14 - Mi Nena

15 - El Momento de Decir Adios

16 - Yupie Love

17 - Boogie Thing

Otras fuentes de información

LA HISTORIA: Napo y El Samovar de Rasputín

Etiquetas: El Samóvar de Rasputin

Pastoral ( compilación )

(El Topo) — Wed, 11 Jun 2008 16:59:00 -0700

Formación:

Alejandro De Michele: voz y guitarra
Miguel Angel Erausquin: guitarra y voz

Este fue un dúo que se caracterizó por su música acústica y letras sencillas. En un comienzo su derrotero musical puede definirse como acústico, aunque rápidamente el dúo hizo gala de un eclecticismo que se mantendría como una constante durante toda su existencia.

Alejandro De Michele y Miguel Angel Erausquin se conocieron en el Colegio Mariano Moreno, en 1971 y al poco tiempo -y luego de escribir y ensayar varias canciones, entre ellas “Libertad Pastoral”, deciden lanzarse a actuar en vivo, debutando en el Teatro Diagonal de Mar del Plata el 18 de noviembre de 1973.

En 1974 editan “Pastoral”, su primer disco, a través del sello Cabal, pero el mismo no cuenta con ningún tipo de promoción y ello, sumado a la temática oscura y surrealista de sus canciones, lo torna inaccesible para el gran público. Grabado con los recursos mínimos, se destaca su sonido crudo y a menudo desgarrador. Las obsesiones de Alejandro De Michele (el vientre, la muerte, la locura) ya están presentes en este sólido pero casi anónimo debut discográfico. Su aparición, casi simultánea a la separación de Sui Generis hizo que se les consieraran como "los herederos" de García-Mestre. A lo largo de los años fueron varios los músicos que los acompañaron, sobre todo en las presentaciones en vivo.

Por la banda soporte pasaron Daddy Antogna, Hugo Villarreal, Pedro Aznar y Oscar Moro, estos dos últimos unos meses antes de integrar Serú Girán.

El debut tuvo lugar en 1973 y fueron logrando un paulatino éxito. Su estilo personal, tanto en lo vocal como en lo compositivo, lo fueron consolidando con el paso de los discos. El álbum que los terminó de popularizar fue "En el hospicio" (1975), producido por Litto Nebbia. Este disco (con una portada diseñada por el propio Alejandro, mostrando una estética casi gótica en sus fuertes contrastes de blanco y negro) profundiza lo insinuado previamente. La música de Pastoral era calma y de una sobria corrección técnica, sin alardes de virtuosismo pero con un evidente buen gusto en su instrumentación. Las armonías vocales eran uno de los sellos característicos del dúo, y en este disco se hace fuerte hincapié en ellas. A estas alturas, los focos de la prensa especializada se dirigían a la figura del introspectivo y discreto De Michele, que comenzaba a mostrarse como uno de los más grandes poetas argentinos. Otros, más allá de su temática, ponían el acento en su delicada voz de barítono.

En 1976 el dúo editó la que es considerada unánimemente su obra maestra: “Humanos”, que bordeaba lo conceptual en torno a la muerte y la sinrazón de la existencia que se anticiparía a reflejar –como ninguna otra- los horrores de los “años de plomo” de la dictadura militar en Argentina. Para su grabación se contó con una orquesta de cuerdas a cargo de Antonio Agri, y de invitados de lujo como Charly García, Oscar Moro y Pino Marrone. Paralelamente a ello, Pastoral se convirtió en el primer grupo de rock en castellano en incluir tópicos ecológicos en sus canciones. “Humanos”, un disco casi teatral, incluía también un opus clásico de casi diez minutos llamado “Me desprendo de tu vientre / De regreso a tus entrañas” conformado por dos canciones enlazadas temática y musicalmente, en los que De Michele demuestra un registro vocal altísimo. La grabación, casi en vivo, es todo un testimonio de su impresionante caudal vocal. El disco es presentado en vivo con un recital en el teatro Estrellas.

Posteriormente, y en busca de una mayor pureza de sonidos, Pastoral se dirigió a Brasil para completar su siguiente disco, el más ecléctico y variado de su carrera: “Atrapados en el cielo”, de 1977.

Este disco, con una temática aún más compleja y hermética que “Humanos”, presenta una gran riqueza instrumental. Se incluyen sintetizadores, instrumentos de viento e inclusive gaitas. La evolución de Pastoral era cada vez más evidente, y ya nada quedaba del dúo acústico de sus inicios. En esta época, Pastoral se convierte en el primer grupo argentino en realizar giras por el exterior del país (realizando conciertos multitudinarios en Chile).
También tienen tiempo para un impactante recital en el Luna Park (el 14 de abril de 1977), que llenan casi secretamente, por la veda impuesta al rock por el gobierno militar. Pastoral se había convertido en un fenómeno de masas. Casi simultáneamente editan un nuevo single con canciones que no se encontrarían en ningún otro disco oficial: “Mensaje mágico” (una de sus declaraciones más optimistas) y el enigmático instrumental “Reflejos del hombre”.

De Michele fue siempre fiel a sus creencias musicales y nunca aceptó la obsecuencia como forma de acercamiento. Hipercrítico de la realidad que lo circundaba, los que podían acceder a su intimidad sabían que nunca ahorró críticas para quien las merecía, incluyéndose en primer lugar. Ese mismo sentido crítico, compartido por su gran amigo y compañero de grupo Miguel Ángel Erausquin, lo llevó a la separación de Pastoral en 1978. El desgaste de la fama comenzaba a hacer mella en los dos integrantes de Pastoral, quienes deciden disolver el exitoso dúo a fines de ese año. Como complicación adicional, Pastoral había firmado un contrato con una nueva discográfica especializada en rock llamada Sazam Records, que les exigía editar tres nuevos discos, a lo que los músicos se negaron terminantemente ante la convicción de que el grupo ya era historia.

Finalmente el problema se solucionó con la edición de un único álbum de Pastoral, y un trabajo solista de cada uno de sus integrantes. El título del disco “póstumo” del dúo fue elocuente: “De Michele – Erausquin”, editado en 1979, era un claro mensaje anunciando que Pastoral había dejado de existir. Pese a las ofertas que recibieron para tocar en un concierto de despedida, Alejandro De Michele –que detestaba los golpes efectistas- volvió a negarse y se sumió en un ostracismo que duró casi dos años, en los que se dedicaría a escribir un libro de memorias y a proyectar una ópera rock llamada “Federico Siete Vidas”. No hubo tampoco en esta oportunidad, grandes conciertos ni notas para los medios masivos.

En 1979, y con el advenimiento del último álbum de Pastoral en esta etapa. De Michele anunciaba a Capitán Fantasía, su nuevo proyecto grupal. Pero esta iniciativa sólo conocería algunos ensayos, porque nuevamente otro personaje se cruzaría con él, signando su carrera con la característica de los dúos. Se trataba de Gustavo Montesano, quien de regreso en la Argentina también estaba tratando de encaminar sus pasos artísticos. Y decidieron probar juntos bajo el nombre de Merlín. El dúo se integró a fines de 1979. y es los primeros meses del año siguiente grabaron su álbum debut. El resultado musical no era parejo, pero existían logros muy interesantes; De Michele siempre buscó modernizar su música, hacerla entretenida y accesible para todas las audiencias. En ese aspecto, Merlín no reiteraba fórmulas, pero era evidente que las dos tendencias musicales no se habían aunado. El dúo no sobrevivió a las tensiones internas y antes de que 1980 terminara ya estaban separados.

De Michele retomó sus postergados proyectos solistas, aunque siempre con la. inquietud de formar un grupo. El tiempo, y nuevamente los problemas contractuales fueron diluyendo sus objetivos, sobre todo por la falta de la gente adecuada. Así fue como De Michele siguió vinculado a la música pero desde una posición diferente, la de productor. Durante un tiempo se ocupó de esa función en la RCA local, llegando a encargarse de la producción -en su tramo inicial -del álbum debut de La Torre. Esta actividad sólo satisfacía su curiosidad a nivel del aprendizaje técnico, porque su única pasión era la del escenario. Y De Michele terminó por comprender que con la única persona con quien había conseguido plasmar sus objetivos, y con quien tenía una relación amistosa inquebrantable, era su viejo compañero Miguel Ángel Erausquin.

El regreso de Pastoral fue silencioso y la noticia se esparció por los rumores que comenzaron a circular entre el público. El resultado de esa reunión fue “Generación”, un disco que sorprendió a propios y extraños al abandonar totalmente el sonido calmo y reflexivo que era una de las características más marcadas de Pastoral, reemplazándolo por una fuerte base rítmica, sintetizadores y fuertes solos de guitarra eléctrica. “Generación” fue otro boom de ventas en la Argentina post-Malvinas, y se caracterizó también por letras ácidas y directas, plagadas de irónicas referencias al derrumbe social y económico del país. El disco fue presentado en un gran concierto en el Estadio Obras Sanitarias en un concierto que la prensa especializada calificó como uno de los más brillantes de Pastoral en su historia. Meses después, a comienzos del siguiente año, se editó una recopilación con sus obras más célebres, recibiendo el título de “Todo Pastoral”.

Coincidiendo además con el décimo aniversario del dúo, se presentaron nuevamente en el Estadio Obras Sanitarias el 30 de abril de 1983, ante un marco de público aún más amplio. Se ubicaron sistemas de sonido en la calle frente al estadio para que el numeroso público sin entrada pudiera escuchar el concierto.

En esta oportunidad, se puso un cuidado especial en la escenografía (una mina de carbón diseñada por De Michele), y así el dúo hizo su aparición en el escenario ataviado como mineros, casi a oscuras, y llevando cascos con linternas. La primera mitad del concierto fue eléctrica y llena de un rock and roll intenso y emocional. Luego, la banda desapareció tras una cortina de humo, para volver al escenario que ahora aparecía cubierto por parvas de pasto. Inmediatamente dio comienzo el set acústico con los clásicos de antaño.

Al finalizar el concierto, el público –que se resistía pacíficamente a abandonar el estadio, pidiendo más música- pudo ver a Alejandro saliendo del backstage para saludar a una mujer de la primera fila: era su madre, que cumplía años al día siguiente.

En 1981 decidieron organizar un retorno, tras infructuosas carreras solistas. Así dieron forma a "Generación", el último disco. El 30 de abril de 1983 fue la última presentación en Obras. Con un sonido bastante actualizado, demostraron que no se habían quedado en el folk acústico de los '70, y la repercusión entre el público fue muy amplia.

En la madrugada del 20 de mayo de 1983, el automóvil Ford Falcon de Alejandro De Michele embistió violentamente un árbol frente al Velódromo Municipal, provocándole la muerte. La tragedia de Alejandro implicó también el final de Pastoral, ante la decisión de Miguel Angel Erausquin de no continuar con el nombre del dúo sin su compañero de toda la vida. En la actualidad, y con el mito de Pastoral revalorizado por las nuevas generaciones en todo el mundo, se encuentra en preparación una película basada en la vida de Alejandro De Michele. También se espera para un futuro próximo la edición del concierto final en Obras.

Discografía

Pastoral (1974) ( pass: incunables )

En el Hospicio (1975) ( pass: incunables )

Humanos (1976) ( pass: incunables )

Nuestra pequeña historia (1976)

Atrapados en el Cielo (1977)

Mensaje mágico (1977)

De Michele - Erausquin (1979) ( pass: incunables )

Generación (1982)

Todo Pastoral (1983)

Recital Estadio Obras ( 1983 )

El Album ( 1990 )

Discografía solista de Alejandro De Michele:

Merlin (1980)

Discografía solista de Miguel Angel Erausquin:

Hacia la Libertad (1980) ( pass: incunables )

A través del Sol (1992) ( pass: incunables )

Bonus

Arcón de todos los sueños ( recopilación inéditos y rarezas )

Videos

En el hospicio – Pastoral

Pastoral – HUMANOS

ALEJANDRO DE MICHELE - HOMENAJE-

Agradecimiento por la información y los enlaces de los discos

La Cofradìa ( Maestro, gracias por todo el apoyo )

El Arcón de los recuerdos ( gracias al Maestro, Sandokan )

Los inconseguibles del Rock Argentino ( gracias al amigo Marclo B )

Wikipedia

Rock.com.ar

Rebelde

Etiquetas: Pastoral

Los Prisioneros ( leyenda de Chile )

(El Topo) — Wed, 04 Jun 2008 13:02:00 -0700

Formación Original

Jorge González: Bajo
Claudio Narea: Guitarra
Miguel Tapia: Batería

El origen de Los Prisioneros se remonta al año 1979, cuando Jorge González, Claudio Narea y Miguel Tapia se ingresan en el primer año en el Liceo 6 de San Miguel, en Santiago de Chile. Apenas se conocieron, nació una amistad que los llevó a entablar largas conversaciones de música, intercambio de discos y guitarreos. Pronto se convirtieron en un círculo cerrado que se hizo llamar Los Papafuentes.

En octubre de 1982 y usando el nombre de "Los Vinchucas", hicieron su primera aparición publica en el Liceo 6 ante una bulliciosa audiencia estudiantil. Nerviosos y con un sonido cercano al punk (por lo desafinado) presentaron temas en inglés y composiciones de Jorge: "¿Cuanto vale el show?", "dejen respirar". "orgullo". Los asistentes no parecieron entender mucho de lo que escuchaban, puesto que no hacian mas que solicitar "algo bailable". Los textos y la música se apartaban de lo habitual. Ya que con los Vinchucas se insinuaba un intento incipiente por hacer algo mas que un grupo para la simple diversión.

De aquellos comienzos, Jorge Gonzalez recordaría más tarde: " Todo comenzo con un puñado de canciones que hicimos para nosotros... tocábamos en una pieza de mi casa, actuábamos esporádicamente pensando que siempre nos iba a ir mal. Hasta que de repente nos descubrió un tipo al que le interesaba hacer esto y vio que lo haciamos podía tener alguna importancia, algún éxito. Cosa de el - dije yo -, y dio resultado".

Jorge González conocería a Carlos Fonseca, al cual le entregó un demo casero con algunas canciones que impresionaron a Fonseca, así este le propone que hagan de la música una carrera y una forma de vida. Así les consigue algunos instrumentos, realiza varios contactos y les programa sus primeras presentaciones. Es así como nacen Los Prisioneros, tocando en círculos universitarios e intelectuales.

El 1 de julio de 1983 Jorge, Claudio y Miguel actuaron por primera vez -bajo el nombre de "Los Prisioneros"- en el liceo Miguel León Prado. En esa ocasión abrieron con el tema "Paramar", luego tocaron "Me importan más de lo que piensas" y "Quién mató a Marilyn".

A contar de los primeros 4 meses de 1984, se realizaron algunas presentaciones, y se partió en la facultad de Filosofía de la Universidad de Chile gracias a la intervención de Cristián Galaz. fotógrafo y futuro director de los video clips de "Los Prisioneros". Entonces tocaban con instrumentos arrendados y amplificadores prestados.

En el año 1984 bajo el sello Fusión, de Fonseca, editan “ La Voz de los 80 “ , su primer cassette con solamente 1000 copias, el cual que les abre las puertas en algunas radioemisoras y programas de televisión. Sin embargo, el contenido de sus letras y la postura rebelde de sus integrantes, se las cierra en los más importantes. En 1985 el álbum es editado en todo Chile y América Latina bajo el sello EMI. De este disco debut destacaron las emblemáticas canciones La Voz de los '80, No necesitamos banderas, Sexo y Latino América es un pueblo al sur de EEUU, todas ellas con un fuerte contenido de denuncia y críticas sociales. Asimismo, inolvidables son Paramar, ¿Quíen mató a Marilyn? y Mentalidad Televisiva. En este trabajo, todas las canciones fueron compuestas por Jorge González, excepto ¿Quién Mató a Marilyn?, escrita conjuntamente por Jorge González y Miguel Tapia.

Fue durante la grabacíon de "La cultura de la basura" que se manifestaron las primeras señales de desencuentro al interior del grupo. El ingeniero en sonido Alejandro Lyon recuerda que "... habia una apatia total de jorge cuando las canciones no eran de él. Para ese disco tendi a salirme...". Efectivamente Lyon se saturó de ese ambiente tenso; abandonó las sesiones de grabación y en su lugar puso a un asistente. "El disco quedo un poco a la deriva y las grabaciones no eran del todo buenas que se deseaba..."

Durante el verano de 1986 un nuevo Rock Latino comienza a sonar en las emisoras Chilenas. Ese mismo año la agrupación lanza su segundo disco “ Pateando Piedras “ del cual varias canciones se convierten en el himno de protesta. De este trabajo, destacan los temas ¿Por qué no se van?, Muevan las Industrias y El Baile de los que sobran, considerado, este último, un clásico del género. A raíz de la fuerte crítica social de sus canciones, las autoridades del gobierno militar de la época, los consideraron "influencia nociva para la juventud" debiendo sufrir la censura en los medios de comunicación controlados por el Régimen Militar de Pinochet. Incluso, en 1987 la realización de uno de sus conciertos fue impedida por las autoridades.

Tambien hubo algo de mala suerte. en una gira a Mexico, a mediados de 1988, despues de la primera presentación Claudio Narea se enfermo de Hepatitis y no quedo más remedio que cancelar el resto de los conciertos.

En 1990, Claudio Narea abandona la banda. Los motivos por los cuales Narea abandona la banda fueron las diferencias con González, ya que éste último y Miguel se inclinaban más por los teclados y sonido tecno y Claudio por las guitarras eléctricas más rockeras, que es el estilo que venían tocando, además el affair que tuvo Jorge con Claudia Carvajal la esposa de Claudio detono toda la relacion que ellos tenian dejando a Claudio reconciliado con su esposa y fuera de los prisioneros. Sin embargo, González le resta importancia a los comentarios y la banda presenta “ Tren al Sur “, un disco de canciones de amor. Aquí donde dan a conocer a Cecilia Aguayo y comienzan a entrar a los medios masivos. Pese al éxito alcanzado, en 1991 comienza la última etapa del grupo. Se anuncia en fin de la banda con una gira de despedida. Aparece un disco de Grandes Éxitos y la gira termina en Valparaíso, en 1992.

Entre 1991 y 2001, los miembros del grupo se dedicaron a sus propios proyectos artísticos. Jorge González lanza tres discos solistas, Jorge González, El futuro se fue y Mi destino: Confesiones de una estrella de Rock. Además lanzó un disco de cumbias bajo el nombre Gonzalo Martínez y sus Congas Pensantes . Cecilia Aguayo y Miguel Tapia formaron un grupo techno, "Jardín Secreto", con el cual lanzaron dos discos. Narea formaría Profetas y Frenéticos, además de editar un disco como solista. En el internanto, la casa discográfica que los cobijó desde un principio, EMI, editó varios trabajos recopilatorios, Grandes Éxitos en 1991, Ni por la Razón, Ni por la Fuerza en 1996 (que además incluye rarezas y versiones inéditas de canciones) y El Caset Pirata en 2000, con versiones en vivo de sus temas más conocidos. Por otra parte, varios artistas chilenos realizarían un disco Tributo a Los Prisioneros, con cóvers de los grandes éxitos de la banda.

Los Dioses

Los Dioses fue un proyecto experimentalque nacio en 1998 y realizo giras en Peru y Chile. La banda estaba formada por Jorge Gonzalez ,Miguel Tapia y el venezolano Argenis Brito. El grupo rescataba los grandes exitos de "Los Prisioneros" en versiones experimentales y hacian algunos covers de artistas como Leo Dan, Los Electrodomesticos y Victor Jara. El proyecto no duro mucho por la mala utilización del nombre de parte de la productora, los espectaculos eran pobres y no tenían mucha calidad, y también por la adicción a las drogas por parte de González, quien en el año 2000 viajó a Cuba para rehabilitarse en la misma clínica donde se internó Diego Armando Maradona. Finalmente la banda terminó sin discos editados.

El 9 de octubre del 2001, Los Prisioneros anuncian un recital en el Estadio Nacional de Chile. Es un regalo para los fanáticos de siempre y para los nuevos fanáticos. Las entradas se agotan y deciden hacer otro, también se agotan. El Estadio Nacional de Santiago, los recibe nuevamente los días 30 de Noviembre y 1 de Diciembre del 2001, 140.000 personas escuchan a Los Prisioneros: Jorge, Miguel y Claudio tocando sus canciones.

En 2002 se registró esta memorable actuación en un álbum en vivo y en formato DVD. En junio de 2003 Los Prisioneros lanzan al mercado un nuevo álbum (el quinto de su carrera) titulado simplemente Los Prisioneros. Aunque éste se aleja mucho del sonido original que hizo famosa a la banda, la crítica social y al modelo neoliberal, como antaño, no estuvieron ausentes. Ultraderecha y San Miguel son los temas que se desprendieron como singles.

Meses después, Narea vuelve a abandonar la banda. González y Tapia siguen tocando juntos, con músicos invitados como Álvaro Henríquez (Los Tres y ex Los Pettinellis), con el que grabaron el disco de cóvers Los Prisioneros en las Raras Tocatas Nuevas de la Rock & Pop, y en 2004 se integran a la banda como integrantes fijos Sergio Coty Badilla y Gonzalo Yáñez (ex No me Acuerdo).

Esta nueva formación sacó un disco el año 2004, con el nombre de Manzana. A partir de entonces, la banda decide radicarse en México y por estos motivos Yáñez deja el grupo. A fines del año 2005, Jorge González conversa extensamente sobre su historia y obra con el periodista y escritor chileno Emiliano Aguayo, lo que se convierte en el libro "Maldito Sudaca: Conversaciones con Jorge González " (Ril Editores, Chile).

El 18 de febrero de 2006, realizan, luego de haberse presentado exitosamente en Canadá, Estados Unidos, México, Ecuador, Perú, Bolivia, Colombia y Chile, durante los dos años anteriores, su último concierto en Caracas, Venezuela. La disolución estaba pactada desde mucho antes, incluso sus fans más cercanos ya estaban avisados, pero no la prensa, por diferencias de ciudades en que vivían cada uno, entre otras razones. Mientras Jorge González había fijado residencia en México, Miguel Tapia y Sergio Badilla, seguían en Santiago de Chile.

En enero de 2007, en Chile, se realizó La Cumbre del Rock Chileno, donde desfilaron infinidad de músicos de ayer y hoy, siendo Jorge González la gran atracción, luego de viajar desde México, su actual residencia, especialmente para este evento, después de haber sido pedido por miles de mails por sus incondicionales a la organización del evento.

Jorge González se encuentra, en estos momentos, promocionando la primera producción de su actual proyecto Los Updates, grupo de tecno-pop, que conforma junto con su actual pareja, Loreto Otero. Claudio Narea, en tanto, siguió desarrollando una carrera musical, que se ve reflejada en sus discos Claudio Narea del año 2000 y con El Largo camino al éxito del año 2006.

Discografìa

1982 – Los VINCHUKAS Liceo de San Miguel

1984 - La Voz De Los 80

1986 - Pateando Piedras

1985 – En vivo Teatro Cariola

1986 – En vivo “ café del cerro “

1987 - La Cultura De La Basura

1990 – Corazones

1991 – en vivo en Viña
CD1
CD2

1991 - Grandes Exitos

1993 – Prisioneros en Viña

1998 - Ni Por La Razón Ni Por La Fuerza

1999 – El cassete pirata

2002 – En vivo estadio Nacional
CD1
CD2
CD3

2003 - Los prisioneros

2004 – Manzana

Otros discos

Raspando la Olla
CD1
CD2

Temas inéditos

Concierto Chateu Rock Argentina

Antología
CD1
CD2

Videos

Los Prisioneros - Tren al Sur

Los Prisioneros - Estrechez de Corazon

Los Prisioneros - El Baile De Los Que Sobran

Los Prisioneros - Amiga Mia (TVN 1991)

Los Prisioneros - Independencia cultural

Los Prisioneros Corazones Rojos

Etiquetas: Los Prisioneros

El Rock chileno y Los Tres ( compilación )

(El Topo) — Fri, 16 May 2008 01:57:00 -0700

Para muchas personas, al hablar de rock en español, es casi inevitable pensar en un solo sitio: Argentina, sobre todo en un país como Costa Rica en donde la difusión de este género musical ha sido, hasta hace unos 10 o 15 años, algo restringido y casi elitista. Pensando un poco más y en retrospectiva hay algunos otros lugares que se vienen a la cabeza al pensar en el Rock en Español, como son México, España y Chile. Es precisamente de este último país del que deseo hacer mención.

Los orígenes del rock en Chile son poco precisos. En la la década de 1960 se hablaba de “ la Nueva Ola”. Fue hacia fines de la década de 1960, el rock chileno comenzó a asumir características propias. El meloso rock de la Nueva Ola daba paso a la rebelde sicodelia, a la propuesta pop contracultural y agresiva, representada en conjuntos como Los Jockers. Pero aún el movimiento no asumía, completamente, una identidad propia. El año 1970 fue un hito en este sentido. En primer lugar, un grupo proveniente de Valparaíso editó su primer disco larga duración; Los Jaivas lanzaron al mercado su LP. El Volantín, con mínima difusión y donde mezclaban instrumentos y ritmos chilenos y latinoamericanos, con las variables propias de la música rock anglosajona. Fue el inicio de la carrera discográfica del más célebre de los grupos de rock chileno.

La proliferación de grupos durante los primeros años de la década de 1970 fue notable. Sin embargo, el proceso tuvo su quiebre con el golpe de Estado del 11 de septiembre de 1973. La represión significó el fin de espectáculos nocturnos, de reuniones masivas y el deterioro creciente de la industria discográfica. Si bien siguieron existiendo conjuntos, su difusión fue mínima y su impacto, prácticamente nulo. La escena era subterránea, underground. El resurgimiento evidente comenzó a partir de la década de 1980. La industria musical chilena, a veces con reticencia, empezó a dar cabida a distintos grupos de jóvenes cuyo emblema lo constituyeron Los Prisioneros. Se construyó así un nuevo movimiento, bautizado por la misma industria como pop latino. Pero la oleada, también incluyó a otras bandas como Valija Diplomática, Aterrizaje Forzoso, Emociones Clandestinas, Bandada y Upa y Nadie, fueron los representantes de esa generación. La década del 90 estuvo marcada por la sofisticación en la música y la internacionalización de algunos de sus conjuntos. Los Tres y La Ley fueron buenos ejemplos de esto. La evolución posterior del rock es un misterio, pero su historia es una realidad social del siglo XX que merece ser reconocida y comprendida.

Los Tres:

Los Tres estaban compuestos originalmente por Álvaro Henríquez (segunda guitarra y voz), Ángel Parra (hijo) (primera guitarra, lapsteel y coros), Roberto Lindl ("Titae") (bajo, contrabajo y acordeón) y Francisco Molina (batería y percusión). Posteriormente, tras seis años de receso, en el2006 el grupo volvió con un nuevo baterista en calidad de miembro invitado, Manuel Basualto, hermano menor del baterista de Los Bunkers; también de Concepción.

En 1982, tres jóvenes de Concepción, Roberto "Titae" Lindl, Álvaro "Lennon" Henríquez y Francisco Molina, formaron una agrupación musical, de influencia rockabilly, llamada Los "Dick Stones", en la cual tocaban temas de Chuck Berry, Gene Vincent y Elvis Presley. Durante los años 1982 a 1985 tocaron en universidades, peñas y bares. Con el objetivo de de triunfar en el ambiente artístico chileno, en 1985 deciden radicarse en Santiago y cambiar el nombre de la banda a Los Tres. En 1988 se les unió Ángel Parra (hijo). A pesar de tener cuatro integrantes, el grupo decide mantener el nombre original de la banda, con el cual ya habían logrado notoriedad. En 1991, Los Tres lanzan su disco debut, Los Tres, grabado bajo el sello Alerce. Este disco contiene temas como Pájaros de Fuego, He Barrido el Sol, La Primera Vez (dedicada implícitamente a Augusto Pinochet), y Amor Violento, canción esta última que se ha convertido en una de las más populares de Los Tres.

En 1993 lanzan su segundo trabajo, titulado Se Remata el Siglo, bajo el sello multinacional Sony. De este disco destacan las canciones No Sabes qué Desperdicio Tengo en el Alma, Gato por Liebre y El Aval; se aprecia la influencia del grunge de Seattle, la cual no había sido explorada en su LP anterior. La difusión masiva de la banda se inicia con el álbum La Espada & La Pared, editado en 1995 bajo el sello Sony. De ese disco destacan canciones como La Espada y la Pared, Déjate Caer y Tírate. Con este disco la banda consigue el Disco de Oro en veinticinco días y el Disco de Platino en cuarenta y seis días. Además, este disco abre su camino a la internacionalización.

El 14 de septiembre de 1995 graban un concierto Unplugged en Miami para la cadena MTV, que saldría editado en un álbum llamado Los Tres MTV Unplugged, en abril de 1996. Éste disco contiene varias canciones de los discos anteriores en versiones acústicas, una canción inédita ("Traje Desastre") y tres temas originales de Roberto Parra, que había fallecido unos meses antes, y a cuya memoria fue dedicado el disco. De las canciones de Roberto Parra, el foxtrot Quién es la Que Viene Allí se convirtió en un éxito inmediato, permaneciendo hasta la fecha como una de las canciones más recordadas de Los Tres en el imaginario popular.

En 1996 lanzan La Yein Fonda, un disco grabado en vivo desde su fonda inaugurada ese año, donde interpretan cuecas y cumbias. En 1998 editarían Peineta, disco con jazz huachaca y cuecas choras, homenaje a Eduardo Parra y a Roberto Parra. En estos discos el grupo desarrolla su acercamiento a las formas de música chilena tradicional más tradicionales, pero también más olvidadas de la conciencia popular, y las devuelve al sitial de importancia que merecen.

En 1997 se edita Fome, su cuarto trabajo en estudio. De este disco destacan las canciones "Bolsa de Mareo", "Olor a Gas", "Jarabe Para la Tos" y "La Torre de Babel". El álbum significa una completa reinvención, la creación de un rock fino y elaborado, con más elegancia y menos frescura que sus trabajos anteriores. Este sonido sería poco comprendido por quienes venían siguiendo el sonido de Los Tres, especialmente después de su Unplugged. Las letras, asimismo, se vuelven más crípticas y difíciles de comprender. Sin embargo, con el tiempo, muchos consideran a Fome como el mejor disco de la trayectoria de Los Tres. Ya en la época de la grabación de Fome habrían existido fricciones entre los integrantes de la banda, que se acentuarían con la grabación de su sucesor, La Sangre en el Cuerpo, el quinto trabajo en estudio de la agrupación, que saldría en 1999, con canciones como "No Me Falles" y "La Respuesta". En términos sonoros, La Sangre en el Cuerpo conserva parte del sonido más decantado de Fome, pero con composiciones más livianas y fáciles de escuchar que su antecesor.

En 2000, la banda anunció su separación. Realizaron varios conciertos de despedida, uno de ellos fue registrado en el disco Freno de Mano de 2000. Después de la separación, cada miembro se dedicó a sus proyectos individuales.

El regreso

En el año 2006, tras rechazar una oferta millonaría por parte de los organizadores del Festival de Internacional de la Canción de Viña del Mar para reunir a la disuelta banda, el 4 de marzo se anuncia que el grupo penquista se reunía con tres de los cuatro miembros originales: Álvaro Henríquez, Roberto "Titae" Lindl y Ángel Parra. Pancho Molina es reemplazado por Manuel Basualto, como baterista invitado.

El 3 de julio de 2006 salió a la venta el nuevo álbum de la banda, Hágalo Usted Mismo, que incluye diez nuevas canciones, dentro de las cuales se destacan los singles "Camino", "Cerrar y Abrir" y el tema homónimo del disco "Hágalo Usted Mismo", además de dos temas dedicados a Augusto Pinochet ("No Es Cierto") y Manuel Contreras ("Bestia"). En sólo 24 horas el álbum logra disco de oro por 10.000 copias vendidas.

El álbum fue presentado en dos conciertos los días 7 y 8 de julio en el Arena Santiago del Parque O'Higgins, de la capital chilena, dando un magnífico concierto con temas nuevos y los clásicos conocidos de la banda, que tuvo la presencia del miembro de Café Tacuba, Emmanuel Del Real.

Posteriormente y debido al éxito de esa experiencia el grupo suma presentaciones en el Sporting Club de Viña del Mar, en Concepción, su ciudad natal, para luego cerrar esa etapa con la presentación en el Festival de la Pampilla en donde reúnen a casi 120.000 personas. Los planes del grupo van por la internacionalización definitiva, la que consiguieron en el ´96 con su disco MTV Unplugged, a través de giras por México y Estados Unidos, ademas de participar en el Festival de Viña del Mar en Febrero del 2007 logrando ganar Antorcha de Plata, Antorcha de Oro, y Gaviota de Plata (máximo premio otorgado a los artistas).

El Viernes 14 de Diciembre de 2007, la Presidenta de Chile, Michelle Bachelet, les concedió el Premio a la Música Nacional "Presidenta de la República", en una ceremonia realizada en el salón Montt Varas, del Palacio de La Moneda. La banda nacida en Concepción fue galardonada en la categoría Música Popular.

El Sabado 15 de Diciembre salió a la venta un DVD con registros del concierto realizado el 7 de Julio en Arena Santiago, que ademas contiene un backstage de Los Tres con Fito Páez en el Festival de Viña del Mar e imagenes obtenidas en conciertos entre el 2006 y el 2007.

La banda ha anunciado que comenzará a trabajar en un nuevo álbum de estudio, el que ya tiene dos canciones, una de ellas titulada "¿Y Para Qué?".

Discografía

1991 - Los Tres

1993 - Se Remata el Siglo

1995 - La Espada & la Pared

1996 - Los Tres MTV Unplugged

1996 - La Yein Fonda

1996 – Bobe Al camp Troupe

1997 - Fome

1998 - Peineta (temas de Roberto Parra y actuación de Eduardo "Lalo" Parra)

1999 - La Sangre en el Cuerpo

2000 - Grandes éxitos

2000 - Freno de Mano

2006 - Hágalo Usted Mismo

2006 – Raras Tocatas Nuevas Rock and Pop

2007 - en vivo en el Café del Cerro

2007 – Arena ( Audios )
CD1
CD2

sin año - en vivo

VideosLos Tres - La espada y la pared - Festival Viña 2007

Los Tres - La Torre de Babel - Festival Viña 2007

Los Tres Electro Acustico La espada y la pared

en Vivo dejate caer Los Tres "Camino"

Los Tres - Amor Violento

Los Tres - Silencio (Fome, 1997)

Links de interés y mi agradecimiento

http://enciclopediadelrockentuidioma.blogspot.com/

http://www.memoriachilena.cl/mchilena01/temas/index.asp?id_ut=rockchileno

http://rockchilenos.blogspot.com

http://amendoeiraclub.blogspot.com

http://bajatediscos.blogspot.com

http://despueshablo.blogspot.com

Etiquetas: Los Tres, Rock Chileno

Lo mejor de los 80s ( compìlación )

(El Topo) — Sun, 11 May 2008 15:13:00 -0700

Hace unos días encontre entre mis viejos cassetes,un sony BHF que solía escuchar en mi viejo Walkman Aiwa que traía Super-Bass.

Empezando alla por década de los 90, en este viejo cassete había grabado de la radio una serie de canciones que se podrían considerar clásicos del rock suramericano, este me trae muchos recuerdos de lo que se podía escuchar en aquel entonces aca en algunas emisoras de radio que no solían programar rock en español más que en algunos programas especiales. Hace un par de años a estos audios le agregué algunas otras e hice un CD de audio el cual luego podía disfrutar en mi reproductor de MP3 Panasonic SLMP35 que aun funciona y utilizo con regularidad.

Hoy deseo compartir con uds esta reliquia que se que a muchos les puede taer recuerdos irrepetibles ( son casi 92 megas )

TrackList

01. Tren al sur - Prisioneros
02. Imágenes paganas - Virus
03. Hablando a tu corazón - Charly Garcìa / Pedro Aznar
04. Imágenes Restro - soda Stéreo
05. Pasos - Enanitos Verdes
06. Teléfonos Blancos - Sumo
07. Rezo por vos - Charly Gracía
08. Reflejo de Armadura - David Lebón
09. La Bengala PErdida - Luis A. Spinetta
10. Camarón bombay - Divididos
11. Héroes al Fin - Fricción
12. La rubia tarada - Sumo
13. Sombras Negras - Giovanni y los de plástico
14. Cuervos en casa - Fito Páez
15. Los dinosauirios - Charly Garcia
16. Presas de caza - LA Torre
17. Tazas de te chino - Don Cornelio y la Zona
18. Criminal Mambo - Patricio Rey y sus redonditos de Ricota
19. Mil horas - Abuelos de la Nada
20. Mañana en el abasto - SUMO

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Etiquetas: Compilados

Carlos Varela “ El Gnomo “

(El Topo) — Fri, 25 Apr 2008 15:08:00 -0700

Este músico y cantautor cubano. Nace el 11 de abril de 1963 en La Habana, se considera su música como parte de la nueva trova cubana de los últimos tiempos. Sus letras tratan por sobre todo temas sociales actuales de la Cuba de hoy, teniendo algunos problemas con el régimen político porque sus letras no se muestran totalmente opuestas al régimen cubano pero si hablan en muchas ocasiones de los principales problemas sociales, económicos y políticos que azotan la isla.

A Carlos Varela lo conocí a través de un disco que me pasó mi buen amigo " el Doc ", por allá del 99, concretamente el disco “ como los peces “, sin embargo ya había tenido la oportunidad de escucharlo en “ la política no cabe en la azucarera “ la cual me gustó mucho, a pesar de no ser una pieza rock, por ahi tengo en mis cintas de audio algunas otras canciones que sonaban el algunos programas de música contemporánea de algunas radioemisoras en CR, donde este artista es poco conocido. Es a mi gusto un excelente rockero.

Junto a otros jóvenes cantautores Carlos Varela crea un espacio propio dentro del panorama cultural cubano de la década de los 80, que tanto el público como la crítica definen como novísima trova. Es graduado de Actuación en el Instituto Superior de Arte (ISA). En 1980 se integra al Movimiento de la Nueva Trova. Sus canciones recrean temas citadinos, sociales y amorosos, con una marcada influencia de la Nueva Canción Cubana y del rock, fundamentalmente.

Alejado en los textos de los temas que solían tratar los soneros tradicionales como Compay Segundo, representa a un boyante grupo de músicos en quienes el rock anglosajón tuvo un impacto claro, y es quizá el eslabón no tan perdido entre las viejas tradiciones y los guerrilleros del rap que hoy agitan la escena musical habanera. Además, este cantautor roquero espera que la cultura sea capaz de superar los obstáculos políticos que han enfrentado a la isla con EEUU durante décadas.

Carlos Varela también ha hecho sus incursiones en el cine , como es el caso de Agua con Sal del director valenciano Pedro Pérez Rosado, film que recibiera varios premios y que además participó en el festival de San Sebastián del 2005. Para ese largometraje Carlos cedió el tema Foto de Familia del CD “ Como los peces “, y además compuso otros temas instrumentales con la ayuda del destacado compositor y pianista Ernán López-Nussa.

En Jalisco Park, su primer disco de 1989, aborda en sentido metafórico «la soñada idea de ser como el Ché», y recordó, incluso, ciertas enseñanzas dejadas por Silvio Rodríguez para ser honesto consigo en canciones que se parecieran a su gente, a su barrio, y también a su pueblo. Una referencia al Che, asesinado en Bolivia cuando el cantautor apenas tenía cuatro años, lo hizo recordar la dimensión del hombre, las cosas de su padre, de origen gallego, de quien según comentaron allegados de la familia tras el fallecimiento en 1983, laboró en las minas de Matahambre, en Pinar del Río bajo la dirección del guerrillero argentino-cubano. Esas historias son impresionantes, pues apenas antes se comentaron en el ambiente familiar, y solo al paso del tiempo, sin tomar un libro de historia, las toma con orgullo en la voz de otros que le ofrecen el testimonio.

“Estudié teatro en el Instituto Superior de Arte (ISA), y aunque nunca lo ejercí, lo primero que aprendes es a observar, además de la posibilidad de acercarte a la literatura y las canciones de figuras como Paul Simon, Th Beatles, Joan Manuel Serrat, Chico Buarque, Liz Regina, Charly García, Fito Páez, Juan Carlos Baglietto y otros maravillosos cantautores brasileños, argentinos, españoles, y de Pablo Milanés, Silvio Rodríguez…, con los que aprendí el oficio de escribir canciones.”

“Las primeras canciones tuvieron una visión fotográfica de la realidad, pero en la medida en que he ido conociendo el mundo, logré una más universal de lo que le sucede a uno mismo, a tus colegas, a tu generación, a tu pueblo, es algo que se adquiere con los años, con la experiencia de detenerte en detalles en los que posiblemente un mecánico no se detenga, lo cual no significa que uno sea mejor: él puede ser un genio arreglando un carburador.”

“Todo está en el arte de observar, de fantasear con lo que ves a diario, tocas, sientes, te cuentan. No por gusto algunos colegas dicen: es más fácil escribir una canción de amor a una chica, que cantarle a la persona que siempre está a tu lado”.

“De una forma muy coherente, los de mi generación, que comenzamos hacer canciones en los ‘80, no fuimos honestos, pues hicimos nueva trova en el sentido más puro de la palabra, cuando en realidad, de adolescentes, «cazábamos» las estaciones extranjeras para ponernos al tanto de lo que pasaba en materia musical en el mundo; sin embargo esas experiencias no se contaron en los primeros temas de Santiago Feliú, Frank Delgado, Gerardo Alfonso, Alberto Tosca…

“Hasta que comenzamos a descubrir lo maravilloso de la canción y del rock argentino, y nos volvimos locos con las obras de Charly, Fito, Baglietto…, y comenzamos a tomar elementos de su música. Las influencias son como una especie de copa, que comienzas a llenar de muchas cosas y un día se desborda, hasta que la llenas de ti mismo, sobre todo, si la vecina te dice que a dos cuadras hay dos muchachos que cantan y componen parecido a ti, entonces te das cuenta que necesitas ponerle de ti. “Esa evolución se nota cuando oyes Jalisco Park, mi primera producción, más ingenuo, con espíritu trovadoresco, y escuchas el CD Monedas al aire, a partir del cual empiezan a percibirse esas influencias, aunque a Jalisco Park le tengo un amor especial, porque los discos son como los hijos.

“También esas influencias incluyen la manera de hacer los conciertos, en los que me acompaño de una banda, y teatralizo las canciones con proyecciones de imágenes, empleo de luces…, en fin, elementos escenográficos que logran el espectáculo”.

“De mis siete discos la mitad los produje yo mismo, y he aceptado su distribución en Cuba sin cobrar un centavo, con la condición de que se editen en casettes y CD en moneda nacional para que las personas de todo el país puedan tenerlos, pero las disqueras nunca cumplen con esto, prefieren venderlos en aeropuertos y en establecimientos que los comercializan en divisa, y apenas vemos la ganancia, eso no sólo me sucede a mí, sino a muchos colegas”.

Víctor Heredia, Silvio Rodríguez, Carlos Varela, León Gieco y Vicente Feliú.

En realidad es bastante dificil encontrar información de este artista, espero haber contribuido un poco y mi recomendación es escuchar estos discos que son uno por uno excelentes

Discografía

1989 - Sala Charles Chaplin en vivo

1989 Jalisco Park

1991 Monedas al Aire

1992 Carlos Varela en Vivo

1995 Como los Peces

2000 Nubes

2003 Siete

2005 Los Hijos de Guillemo Tell Vol.1

Carlos Varela – Versiones

Videos

Carlos Varela - Foto de Familia

Habaname por Carlos Varela

Carlos Varela - Guillermo Tell

Carlos Varela, La política no cabe en la azucarera

Jalisco park

Etiquetas: Carlos Varela

Biografía de Seru Giran ( Compilación )

(El Topo) — Sun, 20 Apr 2008 22:37:00 -0700

Formación:

Charly García: teclados y voz
David Lebón: guitarra y voz
Oscar Moro: batería
Pedro Aznar: bajo

Si bien esta no fue la primer “super-banda” de rock en Argentina, si fue la primera que triunfó en todos los estratos de la sociedad, y sin duda fue en parte quien ayudo a volver el rock un fenómeno masivo. Esta banda logró record de ventas y espectadores en sus shows, consiguó también fusionar varios estilos musicales, para alcanzar un sonido muy particular, característico de esta transición entre los 70 y 80. Serú Girán ganó las categorías de Mejor Guitarrista, Mejor Tecladista, Mejor Bajista, Mejor Baterista, Mejor Compositor (García) y Mejor Grupo en Vivo en los años 1978, ‘79, ‘80 y ‘81. A esto se le agrega Grupo Revelación 1978; Mejor Cantante (Lebón) ‘80 y ‘81; Mejor Tema ‘78 (”Seminare”) y ‘81 (”Peperina”) y Mejor Album 1978 (”Serú Girán”). Este fenómeno se mantiene inigualado hasta el día de hoy. A mi gusto Serú es y será mi banda favorita en todo el género del Rock en español.

Historia:

Tras el fin primero de Sui Generis, en donde García se conviertió en una de las principales figuras de la escena, y luego “ La Máquina de Hacer Pájaros “, en donde Charly logró acercarse más al rock sinfónico y la experimentación con los teclados, García tomó la determinación de viajar a Brasil con David Lebón, desde la época de Sui Generis. Lebón había figurado en agrupaciones comoPappo y Color Humano en donde fue la batería, de donde sale a tocar el bajo con Luis Alberto Spinetta en Pescado Rabioso, luego guitarra en Sui Generis y luego había formado su propio Power Trío, Polifemo. Con el doinero recaudada en el Festival del Amor en el año 1977, Lebón y garcía alquilaron una casa por tres meses en Buzios, al norte de Río de Janeiro. Por no tener dinero suficiente para pagar el impuesto, todos los equipos que llevaban quedaron decomisados en la aduana. A los dos meses Charly regresa a Buenos Aires para arreglar contrato con Oscar Lopez y Billy Bond. Una noche, en un pub donde se presentaba Pastoral, Charly quedó fascinado con la habilidad de Aznar en el bajo. Esperó a que terminara el show y fue a buscarlo a los camerines. No fue necesaria mucha charla para que Pedro aceptara viajar con él a Brasil e incorporarse al grupo en gestación.

«…Cuando lo ví a Pedro pelar el bajo, se me cayó la mandíbula hasta la rodilla. Pensé: este pibe es muy bueno, es casi mejor que yo», recuerda en tono de broma David. Aznar habia miliitado en grupos como Madre Atómica, había colaborado con Celeste Carballo la por 1976, y Se une al grupo Alas, con Gustavo Moretto en donde se hacía uso del folklore y el tango fusionados con el rock y el jazz. Alas se separa después de grabar "Pinta tu aldea", luego de esto había grabado con Prochetto "Volando de vida" y había militado en varios grupos de jazz, experimentando con el bajo fretless.

Con la plata que había recibido como anticipo del contrato, García costeó los pasajes a San Pablo de ellos y el de Oscar Moro, legendario Baterista que había Tocado con los Gatos, Huinca con Litto Nebbia, Color Humano, León Gierco y finalmente La Máquina de Hacer Pájaros, de ahí fue que García ya había convencido a Moro para viajar y unirse a su proyecto.

Pese a los problemas económicos, esta fue una etapa muy creativa y fructífera: compusieron más de quince temas, de los cuales se seleccionaron los mejores para la edición de su primer disco. Las sesiones de grabación comenzaron en los estudios El Dorado de San Pablo, y culminaron en ABC Recording Studios de Los Angeles, Estados Unidos.

El nombre de la banda, nació de un juego de palabras inventadas. Serú Giran no sólo fue el nombre de la agrupación sino que también fue el título del álbum debut. Para ese entonces Billy Bond se encontraba en Brasil y la banda hace unos demos en el Estudio el Dorado.

Para “ Serú Girán – 1978 “ contaron con la colaboración de Daniel Goldberg, el cual tenía a su cargo los arreglos musicales y la dirección de la orquesta de 24 músicos que participó en algunos temas como “Eiti-Leda” o “Serú Girán“. La complejidad armónica de este proyecto demuestra que, desde el comienzo, las ambiciones que tenían apuntaban mucho más alto que la del resto de los músicos de ese momento en la escena. El resultado final del disco entusiasmó mucho a la banda: sonaba como una fusión de jazz-rock con música brasilera.

Pedro recuerda: «…cuando apareció ese álbum, la prensa le dio una importancia infernal, se creó todo una caso… había un inmovilismo total».

La revista Pelo, decía: «”Serú Girán” es un álbum compacto, extremadamente pulido en su producción, a pesar de lo cual suena menos armado que La Máquina de Hacer Pájaros. (…) Serú Girán debuta con un buen álbum. Una música que trasluce los nuevos horizontes de García y sus nuevos compañeros de ruta.»

El primer show en vivo de Serú Girán tuvo lugar en el Riachuelo, a bordo de un barco anclado. Este recital - al cual sólo asistieron periodistas, músicos y amigos - tenía la finalidad de observar la respuesta de la crítica especializada. Esa noche el grupo se mostró sólido y contundente, lo que parecía, abriría las puertas del público masivo rápidamente.

El debut en vivo de la banda ocurrió dos semanas después, el 28 de julio de 1978, en el Luna Park, con orquesta (sección de cuerdas y vientos) y circuito cerrado de televisión. En la parte trasera del escenario, una pantalla gigante mostraba a los músicos dirigiéndose a escena. Lebón, Aznar y Moro salieron vestidos totalmente de blanco, mientras que Charly eligió una malla negra, saco y zapatillas. El comienzo del recital, con la orquesta a pleno interpretando la poderosa introducción del tema “Serú Girán“, presagiaba una noche inolvidable. No fue así. Cuando tocaron el tema “Disco Shock“- una sátira de la música disco, tan en boga en el momento - la gente presente creyó que era en serio y, tras un coro de silbidos, empezaron a pedirle a García el “Blues del Levante“, el tema que había compuesto con motivo de la despedida de Sui Generis. El público quedó desconcertado y el resto del recital transcurrió ante la indiferencia general. La gente no había entendido el mensaje, o Serú no había sabido expresarlo.

Las críticas de los medios contra la banda arreciaron. El diario La Opinión, por ejemplo, publicó que eran lo peor que había en la Argentina, y sostenía que tenían «voces homosexuales». Estas declaraciones eran la culminación de una “campaña de desprestigio” que había tenido lugar contra García, mientras el grupo estaba ensayando en Brasil. La vanguardia de esa campaña había sido el titular: «Charly García, ¿ídolo o qué?».

Para el segundo trabajo discográfico, “La Grasa de las Capitales” (1979), Serú eligió una propuesta mucho más directa. Eliminaron la orquesta, que no había sido totalmente aceptada por el público, y compusieron temas más simples y directos.

La crítica de la revista Pelo a este disco fue bastante positiva: «”La Grasa…” es un disco que va a tener admiradores y detractores igualmente incondicionales. Por un lado, estarán los que darán la bienvenida a un García que abandonó la complejidad y retorna a la temática de crítica social que tan bien desarrolló anteriormente. Y por el otro, habrá quienes condenen esta simplicidad como falta de progreso. Pese a todo, es uno de los trabajos más logrados del año.»

Este año los chicos tambén participan junto a Billy Bond ( quien colaborara con ellos alla en el arrranque del grupo en el Estudio El dorado en Brasil ) y graban un disco llamado Billy Bond and The Jets - 1979

Los rumores de separación quedaron desacreditados con la presentación del long-play, a lo largo de seis funciones en el Auditorio Buenos Aires, previa gira por las ciudades de Córdoba, San Luis y Mendoza. Tras la experiencia frustrante del comienzo, prefirieron no exponerse demasiado y escogieron un lugar pequeño. El show comenzó en la oscuridad total, mientras se escuchaba el playback del coro de introducción al tema “La Grasa…”. Acto seguido, se encendieron todas las luces y la banda irrumpió en el escenario. “Viernes 3 AM“, “Perro andaluz” y “Los sobrevivientes” fueron los temas más festejados por el público. También hubo lugar para la nostalgia: “Seminare” y “Eiti-Leda” obtuvieron el reconocimiento de la gente, durante los bises. A fuerza de recitales y tenacidad, Serú logró revertir las opiniones de la crítica y del público. Allí comenzó a gestarse el fenómeno masivo que aún hoy persiste.

El siguiente álbum de Serú Girán se llamaría “Bicicleta” (1980). Años más tarde se recordaría el tercer disco de Serú Girán como lo mejor de la agrupación, llegándoselo incluso a comparar con “Abbey Road“, el transformador duodécimo LP de los Beatles.

Sin embargo, en ese entonces, los medios «especializados» no le atribuyeron al material tanta importancia. Por ejemplo, Pelo comentaba: «…el tercer álbum de Serú Girán probablemente recorrerá el camino del éxito que tuvieron los anteriores, pero es difícil que “Bicicleta” representa plenamente el poderío de esta banda. (…) Serú Girán llegó al máximo de sus posibilidades sobre un escenario, pero todavía le falta andar mucho camino en los estudios». (Pelo No 139).

El disco “Bicicleta” - nombre que en un principio Charly había propuesto para el grupo, pero fue rechazado por el resto - fue presentado en el estadio de Obras, el 6 y 7 de junio de 1980.

En el escenario se podían observar ruedas de bicicleta, conejos y flores, algo que llamó la atención del público y de la prensa, por ser el primer grupo que tenía algún tipo de preocupación por la puesta en escena. El hecho se debió a que Serú Girán había delegado la responsabilidad escenográfica a Renata Schussheim, una vieja amiga de Charly. A partir de “Bicicleta“, Serú Girán comenzó con sus grandes shows.

Para esta época Pedro compró un arsenal de sintetizadores que hizo que su influencia en el sonido y los arreglos de la música del grupo se hicieran mucho más presentes. También amplió su estudio casero a 8 canales (sus canciones en los discos de Serú a partir de este momento y su primer álbum solista serán todos grabados en su casa con estos equipos).

Un mes después, en agosto de 1980, se presentaron en el Monterrey Jazz Festival, en Río de Janeiro. Tradicionalmente, los representantes argentinos en este festival estaban más vinculados al jazz o al tango que al rock progresivo que proponía Serú.

Ese año el concierto se dividió en dos partes. En la primera, se presentaban Serú, el guitarrista Pat Metheny y George Duke. El éxito obtenido por los argentinos en esa función fue tal, que los organizadores les ofrecieron volver a tocar en la segunda - la principal - junto a John McLaughlin, Hermeto Pascoal, Edgberto Gismonti y Weather Report. «Cuando tocaba McLaughlin, la gente patinaba y le tiraba avioncitos de papel. ¡Yo me quería morir! Si a McLaughlin le hacían eso, a nosotros nos achuraban», recuerda García.

Sin embargo, esta predicción resultó completamente errónea. La principal razón de la respuesta favorable del público residió en la variedad de matices en los temas interpretados por ellos y, asimismo, algunos de éstos tenían una cadencia marcada que invitaba al baile.

Este festival marcó dos hechos muy importantes para la vida del grupo. Por un lado, se hicieron conocer y dejaron una muy buena impresión entre los cariocas, hecho destacado incluso por la prensa argentina. Por el otro, allí fue donde Pat Metheny conoció a Pedro Aznar: el comienzo del fin.

Pedro es invitado por Luis Alberto Spinetta a tocar como invitado de su flamante grupo, Jade. Antes de terminar el año, otros dos hitos en la Historia del Rock Argentino tendrían como protagonistas a Serú. El primero, los dos recitales (12 y 13 de setiembre) en los que tocaron junto a Spinetta Jade. Esto fue un hecho histórico que dos grupos de semejante magnitud estuvieran simultáneamente en el escenario. Cuando apareció Luis Alberto Spinetta y arrancó con el tema de Sui Generis “Cuando ya me empiece a quedar solo”, la gente entendió que no se encontraba ante un recital común. Luego, de la oscuridad, surgió Charly con el tema “Que ves el cielo“. Bajo un clima enfervorizado, Lebón interpretó “Música del alma” y luego entraron todos los demás: Aznar y Moro, por un lado, Spinetta, Pomo, Satragni y Rapoport y Del Barrio por el otro. Juntos tocaron temas de la agrupación comandada por el Flaco, y la gente aplaudió a rabiar. El recital se cerró con los dos grupos sobre el escenario interpretando “El mendigo en el andén” y “Crisálida“.

La actuación de Spinetta Jade fue muy aplaudida, pese a su difícil estilo. Fue notorio el esfuerzo de Spinetta por lograr mayor simpleza en su música, para que el público de Obras pudiera entender su mensaje. Serú Girán, en cambio, fue ovacionado desde el comienzo, dejando en evidencia el increíble «feeling» que tenía con la gente.

El otro hito importante tuvo lugar en la Rural. El 30 de diciembre, 60.000 personas, según cifras de la Policía Federal, se congregaron para escuchar a la banda número uno: «… el picadero de la Rural estaba abarrotado. Una compacta cola (…) llegaba hasta la estación Pacífico. Aunque la Policía no encontraba clave alguna en la letra de “Alicia en el País”, repetida hasta el cansancio, igualmente retuvo a un puñado de muchachos. Los productores negociaron y finalmente ese 30 de diciembre no hubo detenidos»

García comentaba: «…con este asunto de ir a los recitales y que te lleve la cana, la gente al final se da cuenta de que lo único que te pasa es que vas a dormir en una comisaría, pero que nadie puede para toda la onda».

En 1981 el presidente de facto Roberto Viola buscó acercarse a los músicos. Inteligentemente, utilizó la fuerte ascendencia de éstos sobre la juventud, para mostrar al país su «aflicción» por los problemas que sufrían los jóvenes. Los rockeros no salían de su asombro. Spinetta recuerda una anécdota al respecto: «Yo les batí un par de cosas y también les sugerí que construyeran el observatorio más grande del mundo… un delirio, pero qué les iba a decir?» En el tema “Encuentro con el diablo”, David Lebón ironizaba sobre esta reunión: «nunca pensé encontrarme con el jefe / en su oficina de tan buen humor / pidiéndome que diga lo que pienso / qué es los que pienso yo de esta situación.»

“Peperina” es el cuarto disco de Serú Girán, que se había empezado a grabar en abril, fue lanzado para fines de ese año. La historia de Peperina es conocida:

«Quiero contarles una buena historia / la de una chica que vivió la euforia / de ser parte del rock / tomando té de peperina».

El tema trata acerca de una señorita que escribía notas de rock en Córdoba. Siempre que Serú tocaba en esa ciudad, ella calificaba la presentación uno «un bochorno». De más está decir que, pese a sus defenestrantes críticas, los estadios se llenaban. Se dice que cuando escuchó «su» tema por primera vez, acotó que Serú Girán seguía sin gustarle, pero que García era “un buen sociólogo”. Con respecto al disco, Charly sostiene que es un adelanto notable en cuanto a la calidad de grabación. Sin embargo, la revista Pelo no se mostró muy conforme con este trabajo: «Peperina no impresiona como un álbum compacto. En él hay canciones que nítidamente se diferencian de nivel, literaria y musicalmente. (…) Tienen marcas familiares de toda la música de Serú: canciones melancólicas, melodías agradables sobresaltadas por algún riff ardiente y las mismas falencias de producción que el grupo arrastra desde su primer trabajo discográfico (…) El disco no decepcionará a los seguidores, pero no tiene la homogeneidad de “La Grasa…” y plantea el interrogante sobre el futuro (…) Llegó el momento difícil: están en la cima y lo que hagan puede hacerlos afirmar o tambalearse».

Por el contrario, Gloria Guerrero, en el número 63 de Humor, comentaba: «El álbum, por lo poco que pude escuchar de él en un cassettito, la gasta, y tal cosa no me sorprende». En el número siguiente, completa: «…probablemente, “Peperina” no representa un ‘enorme’ paso al frente luego de su trabajo anterior. Parece, a fuerza de ser sinceros, algo así como un “álbum complementario” de “Bicicleta“, aunque más suelto y espontáneo».

Los días 4, 5 y 6 de setiembre el disco fue presentado en el estadio Obras. En honor al Sgt. Pepper’s de Los Beatles, Serú Girán salió a escena con un show simple. Esta sencillez permitió que la conjunción música-imagen se diera sin altibajos. En principio, cuando Charly y David compusieron los temas de este disco, García pensó que se trataba más de una película que de un long-play. Por eso se le ocurrió la idea de poner en el recital una pantalla gigante, proyectar videos grabados especialmente y que el grupo tocara en penumbras, acompañando a esas imágenes. Lo que impidió la concreción de esta idea fue el techo demasiado bajo del estadio: la pantalla taparía gran parte del escenario y ellos quedarían ocultos casi completamente. Finalmente, la idea fue descartada. Para despedir el año, tocaron el 25, 26 y 27 de diciembre en el teatro Coliseo, en la Capital Federal. Para esos shows, Charly contrató a las Bay Biscuits, un grupo de teatro-rock integrado por Vivi Tellas, Mayco Castro Volpe, Lisa Wakoluk, Diana Nylon y Fabiana Cantilo (ésta última sería luego corista estable de la banda de Charly). El número iba intercalado en el concierto y fueron recibidas con chiflidos e insultos de todo tipo.

En enero del ‘81 Aznar es convocado por Pat Metheny para incorporarse a su banda. Acordaron encontrarse en Estados Unidos, ya que Pedro viajaría al año siguiente para estudiar en la Universidad de Berklee. Este hecho marcaría el final de la banda.

Las críticas de los discos anteriores coincidían en una cosa: a Serú, en estudios, le faltaba la fuerza y la energía que tenía en vivo. Fue necesario esperar hasta el final mismo de esta agrupación (al menos en ese momento la disolución era definitiva) para conseguir el registro de ese material.

«Cuando Pedro me comentó que se iba, me sentí muy mal - rememora Charly - porque habíamos logrado un grupo que sonaba muy bien (…) Habíamos conseguido mucha comunicación con la gente (…) Además, se nos estaban abriendo las puertas de Europa y sin él no lo vamos a poder aprovechar. Por otro lado, Pedro es un músico que está muy por sobre el nivel de lo que es la Argentina ahora (1982) y era lindo tocar con un tipo así. Pero también me sentí muy bien porque Pedro tiene otras perspectivas de vida y otros gustos musicales. El quiere realizarse como persona, y me parece bárbaro».

Cuando Aznar le anunció al grupo que se iba, todos decidieron tomarse un tiempo para reflexionar. Fue así que Charly viajó a Brasil para trabajar en su primer disco solista; David se tomó unas vacaciones en Punta del Este y Oscar se quedó en Buenos Aires. Al mes siguiente (febrero de 1982), los cuatro músicos se reunieron para realizar una gira por la Costa Atlántica: San Bernardo, Villa Gessell, Necochea, Pinamar, Miramar, Santa Teresita y, obviamente, Mar del Plata fueron los sitios elegidos por la banda. El día final de la agrupación estaba cada vez más cerca.

Pero la historia del grupo merecía un broche de oro: era necesario un Adiós Serú Girán. Debía ser un concierto espectacular y se organizó para los días 6 y 7 de marzo en Obras Sanitarias, la Catedral del Rock. En esa oportunidad, el grupo «…sonó como nunca y la labor de los músicos en el escenario no escatimó fervor, a pesar de estar grabando en vivo. Charly, David, Pedro y Oscar ofrecieron un espectáculo sólido, vibrante y emotivo, y en el cual se evidenció un soplo más rockero en el estilo del grupo. Pedro Aznar fue despedido con una ovación porque, a pesar de que sus gustos musicales distaban de los del resto del grupo y del público en general, le dio a Serú (…) un sonido muy particular y distintivo».

“No llores por mí, Argentina” (1982) terminó siendo una recopilación en vivo de los éxitos más importantes de la banda, con la excepción del tema homónimo y “Popotitos“, un cover del clásico tema.

Al respecto, Gloria Guerrero comenta: «…había tres razones (para esperar este LP). La primera, conservar el último testimonio del trabajo de Pedro Aznar. La segunda, asistir, por fin, al sonido de Serú Girán en vivo. La tercera, tener a mano los temas nuevos: “No llores por mí” y “Pena en mi corazón” (…) Como última obra de Serú Girán-cuarteto, tiene todo el valor histórico y todo el valor que le confiere la indiscutida calidad del grupo». “No llores…” es un tema fuerte, que marca una especie de resumen de época, una suerte de balance - no olvidemos que fue compuesto en 1982, en los albores de la Guerra de Malvinas, la caída de la Junta Militar y el posterior advenimiento de la Democracia - en un tono de protesta y reproche a la vez, un estilo que tanto rédito le daría a García en los años posteriores.

Si bien en un primer momento se barajó la posibilidad de continuar como trío (pasando Lebón a la doble función de guitarrista y bajista) y, en todo caso, buscar algún reemplazo para las presentaciones en vivo, la falta de motivación fue evidente y el proyecto quedó descartado. Lebón trabajaba en su proyecto solista “El tiempo es veloz” y García ya estaba embarcado en su álbum doble “Yendo de la cama al living / Pubis angelical“.

Una teoría alterna para la separación de Serú tiene que ver con diferencias internas. La fama de Charly era sin limites y el ser la imagen principal de la banda le inquietaba un poco a Lebón. Aunque la amistad entre ellos era muy fuerte, quizá los excesos del bigote bicolor y su figuración como 'la estrella' de la banda pudieron haber deteriorado de alguna manera la unión interna de la banda.

El 16 de mayo de 1982, Serú participa del Festival de la Solidaridad Americana, organizado ante 60.000 personas en el campo de hockey de Obras, para recolectar elementos para los chicos argentinos que sufrían en Malvinas y agradecer a los países que habían prestado su apoyo y se habían solidarizado con Argentina. Transmitidos en directo por radio y televisión, se presentaron los músicos más importantes del momento: lo que quedaba del ya disuelto Serú Girán, León Gieco, Spinetta Jade, Raúl Porchetto, Nito Mestre, y muchos más.

Desde mediados de 1991 se comenzó a manejar la posibilidad del retorno de Serú. «Se trata de superar un recuerdo. - reflexionaba García por aquella época - Hace mucho que estamos trabajando para no perder la grandeza, para que el tipo que alguna vez vio a Serú Girán lo vuelva a ver y no se decepcione y para que los chicos que no lo vieron tengan un flash».

Exactamente eso fue lo que ocurrió. “Serú ‘92” es, sin dudas, el más flojo de todos los discos de la banda. Mucho más pop, por momentos peca de “light”, falto del compromiso característico. Sin embargo fue un éxito comercial, con ventas que superaron las 200.000 copias y multitudinarios shows en Rosario, Córdoba y dos en la Capital Federal, éstos últimos ante más de 160.000 personas, los cuales fueron editados en dos nuevos LPs.

Si bien los Serú no querían convertir su retorno en un negocio - y menos para otros - ésto no quedó totalmente al margen de sus planes. «Terminemos de una buena vez con la división entre el espíritu y la materia. Es todo lo mismo: sentimos un inmenso placer por tocar y eso tiene un precio que mucha gente no dudará en pagar. Una cosa no excluye la otra». “¿Si era por plata? Claro que era por plata… entre otras cosas. No vamos a tocar en River por nada. Obviamente que te tenés que defender y una vez que estás ahí arriba, algo tenés que hacer. Y creo que la hicimos bastante bien. La plata es un elemento más, si no la tenés, no podés hacer el show”. También quedaba flotando la incógnita sobre si el regreso sería para esos shows o si se proseguiría con el proyecto interrumpido abruptamente en 1982.

Previo a salir al ruedo, nadie se atrevió a confirmar ninguna de las dos posibilidades, quizás porque ni ellos mismos lo supieran. Durante los bises del segundo y último show de la banda en Buenos Aires, estalló esa pelea latente que reinaba desde tanto tiempo atrás entre García, de fuerte personalidad y líder natural del grupo, y David Lebón, harto de las ansias de protagonismo de aquél. Fue necesaria la mediación de Pedro Aznar para que el guitarrista subiera nuevamente al escenario y así, todos juntos, se despidieran definitivamente de las presentaciones en vivo. En síntesis, terminó siendo un momento en el cual todos (los de adentro y los de afuera) hicieron de cuenta que el tiempo no había transcurrido. De esa forma, y sólo de esa forma, el retorno de Serú Girán fue positivo. El estallido de los fuegos artificiales que cerraron el show terminó por despertar esa melancólica suposición, para enterrar definitivamente a la banda.

El tiempo había pasado, y la personalidad de los cuatro músicos, cambiado. Por eso fue que en 1993 no hubo más lugar para continuar con el proyecto del retorno. Falta información, como por ejemplo los últimos cds editados: está incompleto. El último capítulo de la banda de rock más influyente y decisiva de la Argentina se cerraba con el mismo misterio con el que había comenzado. Serú Girán ya no estaba más sobre el escenario. Pero su legado quedó fuertemente vinculado al inconsciente colectivo de todo un país.

En 1995 se editó una recopilación, “Oro“, aprovechando el lanzamiento de la película “Peperina“, dirigida por Raúl de la Torre y protagonizada por Andrea del Boca en el papel de Patricia Perea (la verdadera Peperina). Este film contiene secuencias documentales del retorno de 1992.

A fines de marzo y prinicipios de abril de 2007, Pedro Aznar y David Lebón se reunieron para dar una serie de conciertos en el teatro ND Ateneo. En el quinto concierto (viernes 6 de abril) apareció como invitado sorpresa Charly García para tocar 'Seminare', un clásico de Serú Girán. El 26 de julio de 2007, a un año de la desaparición fisica de Óscar Moro, se reunen en un concierto muchas estrellas de rock , a modo de homenaje , en el que aparece Charly Garcia, y junto a Pedro Aznar, tocan Desarma y sangra, Encuentro con el diablo, Mientras miro las nuevas olas y Esperando Nacer.

Discografía

El Festival del Amor ( 1977 )

Estudio El Dorado Brasil ( con Billy Bond ) ( 1978 )

Serú Girán (1978)

Estadio Obras Sanitarias (1978)

La grasa de las capitales (1979)

La Grasa de las Capitales en vivo (1979)

Rio cuarto Cordoba (1979 )
Billy Bond and The Jets - 1979

Bicicleta (1980)

Teatro de la Cova – Martínez ( 1980 )

Spinetta Jade - Serú Girán - Estadio Obras ( 1980 )

Charly García - Pic Nic ( 1980 )

En vivo Canal 11
Disco 1

Disco 2

Peperina (1981)

en vivo Mar del Plata ( 1981 )
Peperina en Obras

Prueba de Sonido ( 1981 )

En vivo Teatro Coliseo

Parte 1

Parte 2

En vivo ATC

No llores por mí, Argentina (1982)

Serú '92 (1992)

Estadio River Plate - Buenos Aires, Argentina ( 1992 )

CD1

CD2

En vivo (1993)

Disco 1 ( pass: gustavoeo.net )

Disco 2 ( pass: gustavoeo.net )

Oro ( 1995 ) ( pass: fergaletto.blogsome.com )

Yo no quiero volverme tan loco (2000)

CD1

CD2

Videos

En vivo en Fax acustico Peperina "video clip" Seru Giran en vivo Serú girán -Esperando nacer Seru Giran - Obras dic 1980 - Canción de Alicia en el país Seru Giran - Inédito 1980 Testimonios Agradecimientos

Mil gracias a todas las fuentes de información que hicieron posible la compilación de la historia y los links de los discos, especialmente a

Gustavoeo

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Etiquetas: Charly García, David Lebón, Oscar Moro, Pedro Aznar, Serú Girán